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Drammaturgie e musiche – Gesamtkunstwerk di Wagner e Verdi - Coggle Diagram
Drammaturgie e musiche – Gesamtkunstwerk di Wagner e Verdi
La drammaturgia musicale di Giuseppe Verdi:
La
concezione teatrale di Verdi
si basa su
alcuni principi fondamentali,
ricavabili soprattutto dal
suo epistolario.
Concisione e brevità
:
Verdi riduce l'azione ai momenti essenziali e il libretto alle parole necessarie
.
La
ragione drammatica
prevale sulla
perfezione poetica
, perché
recitativi eccessivamente lunghi annoiano il pubblico
.
In
Otello
(
II atto
), ad esempio,
il dialogo tra Jago e Otello viene interrotto dall'ingresso di Desdemona, creando due scene intrecciate e rendendo graduale la crescita della gelosia.
Parola scenica
: è la parola che
«scolpisce una soluzione»,
pronunciata con particolare chiarezza e capace di cambiare definitivamente lo stato d'animo dei personaggi.
Esempi sono
«Non sei mia figlia; dei Faraoni tu sei la schiava»
(
Aida
, III atto), che spinge Aida al sacrificio,
e
«Non son più re, son Dio»
(
Nabucodonosor
), seguita dalla
perdita della ragione del protagonista.
Dinamizzazione del numero chiuso:
Verdi
tende a
superare la separazione tradizionale tra cavatine, duetti, terzetti, cori e finali, inserendo il conflitto drammatico all'interno delle forme musicali e creando maggiore continuità nell'azione.
Il processo è evidente nel
III atto di
Aida
e in
Otello
, mentre il
superamento definitivo dei numeri chiusi si realizza con
Falstaff.
Abbozzi
:
Verdi
sviluppa un metodo compositivo basato su
tracce sintetiche che contengono già l'intero svolgimento dell'opera.
Comporre
significa quindi
avere in mente il dramma completo, prima di realizzare la partitura definitiva.
Gli
abbozzi continuativi di
Rigoletto
e La
traviata
alternano
brevi annotazioni musicali
e
indicazioni narrative.
Tinta musicale:
indica il
carattere
e
l'atmosfera psicologica complessiva di un'opera
, concepita come
unità organica fin dalle prime idee.
Si
sviluppa progressivamente
attraverso le
diverse scene,
senza
produrre monotonia.
Non va confusa con i
motivi conduttori di Wagner:
la
tinta verdiana esprime un'atmosfera generale
,
non identifica
personagg
i o
situazioni attraverso temi ricorrenti.
Estetica del brutto e del grottesco
: influenzato da
Victor Hugo e dal suo
Rigoletto
(1851)
,
oltre che da
ll'
Estetica del brutto
(1853) di Karl Rosenkranz
, Verdi mescola
tragico, sublime, grottesco e comico.
Il
brutto
può assumere
due significati:
diventare sublime e commovente, come in
Ernani
e
Rigoletto
,
oppure
rimanere negativo e provocare repulsione
, come nei
personaggi di Lady Macbeth e Jago.
Organizzazione degli spazi:
Verdi
alterna
ambienti intimi
e
spazi pubblici
,
scene private
e
scene di massa, come feste, parate e cerimonie.
Questa alternanza deve avere una motivazione drammatica e non produrre
«effetti senza cause».
Un esempio è la grande
scena finale del II atto della
Traviata
,
assente nel
dramma originale di
Dumas fils
.
Funzione del coro:
Verdi utilizza il coro come protagonista e commento dell'azione, anche sulla scia delle idee di Mazzini nella
Filosofia della musica
(1836).
Wagner
, invece,
dopo il 1850 assegna principalmente all'orchestra la funzione di commento drammatico, lasciando il coro in posizione marginale, con l'eccezione del
Lohengrin
.
Un esempio fondamentale è
«Patria oppressa»
del
Macbeth
:
composto nel 1847
e
completamente riscritto nel 1865,
diventa un
grido collettivo contro l'oppressione,
attraverso
dissonanze
che richiamano
simbolicamente il dolore del popolo italiano.
Verdi e la storia politica italiana: il problema della patria:
Verdi è profondamente legato alla
storia italiana dell'Ottocento
,
ma non deve essere interpretato semplicemente come un
compositore patriottico e risorgimentale
. Le sue opere affrontano
tre grandi questioni: la patria, la morale individuale e lo Stato.
Nabucco (1842):**
il coro «Va, pensiero»,
diventato
simbolo del Risorgimento soprattutto dopo l'Unità**,
inizialmente non aveva questo significato politico.
È una
preghiera degli Ebrei deportati, collocata tra la violenza dell'oppressione e la successiva pacificazione religiosa.
La sua
trasformazione in simbolo nazionale
appartiene quindi soprattutto alla
storia della ricezione dell'opera.
Ernani (1844):
il
significato politico
non risiede soltanto nel
coro «
Si ridesti il Leon di Castiglia
»
,
ma nel
conflitto tra un codice morale aristocratico, legato a vecchi pregiudizi di casta, e le leggi del cuore del giovane Ernani, nobile decaduto e ribelle.
La
sconfitta dei giovani
suscita
compassione
e
immedesimazione nel pubblico
,
avvicinando implicitamente Verdi agli
ideali della Giovane Italia di Mazzini
, in un periodo segnato dall'
eccidio dei fratelli Bandiera (1844).
Attila (1846)
: la
lettura risorgimentale
è ancora
più complessa.
Il
romano Ezio
pronuncia la celebre frase
«Avrai tu l'universo, resti l'Italia a me»,
ma il
suo comportamento
è
moralmente ambiguo perché propone un tradimento
.
Attila
, invece,
rifiuta e difende un'etica di governo fondata sulla lealtà.
I
personaggi centrali
sono anche
Odabella e Foresto, che lottano per la libertà del proprio popolo
.
La
struttura dell'opera
richiama il
Primato morale degli italian
i (1845) di Vincenzo Gioberti
, che distingue
tre gruppi:
2. i discendenti dei barbari;
1. i discendenti delle classi dirigenti romane, considerati corrotti;
3. i Pelasgi, ritenuti i veri depositari dell'identità italiana.
In questa fase
Verdi risente delle idee neoguelfe di Gioberti, anche se successivamente non ne condividerà il progetto politico.
La sua
concezione della patria sarà più vicina a Mazzini e Manzoni
,
per i quali
essa nasce da una scelta e da un accordo collettivo, non da una presunta origine naturale.
Il problema della morale individuale:
Dopo il 1849
Verdi sembra allontanarsi dai
soggetti direttamente politici per concentrarsi sui conflitti individuali
,
a partire da
Luisa Miller (1850).
Tuttavia, anche nelle
opere successive rimangono importanti riferimenti alla situazione politica italiana.
Un ballo in maschera (1859):
l'
opera
presenta
diversi registri,
dal
comico
al
grottesco
, dall'
elegante
all'
amoroso
e al
tragico
,
ma contiene anche un
preciso significato politico.
Il confronto con
I vespri siciliani
(1855) è fondamentale:
in quest'
ultima opera Giovanni da Procida rappresenta il modello del cospiratore mazziniano, disposto al sacrificio per la patria.
Nel
Ballo in maschera
, invece, Tom e Samuel sono congiurati ridicolizzati, che
trasformano anche i momenti drammatici in occasioni di scherno.
Questo cambiamento riflette la
trasformazione politica
avvenuta dopo il
1856
,
quando
Daniele Manin
fonda la
Società Nazionale Italiana,
sostenuta da
Cavour e Garibaldi
,
per
promuovere l'unità nazionale sotto Vittorio Emanuele II e prendere le distanze dalla cospirazione mazziniana.
Il
protagonista Riccardo, inizialmente concepito come Gustavo III di Svezia
, rappresenta l'
immagine del sovrano liberale e popolare.
I
congiurati,
invece, incarnano
negativamente i vecchi metodi insurrezionali
.
Il messaggio è che la
cospirazione segreta conduce a errori tragici, mentre la guida di un sovrano liberale può favorire la rigenerazione nazionale.
In questo contesto si comprende anche
la diffusione dello slogan «W V.E.R.D.I.», legato contemporaneamente al compositore e a Vittorio Emanuele Re d'Italia.
Il problema dello Stato e il pessimismo di Verdi:
Dopo l'Unità d'Italia
, Verdi affronta sempre più direttamente i
problemi del potere politico e religioso,
sviluppando una
visione progressivamente pessimistica.
Don Carlos
:
Verdi
aggiunge al
dramma di Schiller due duetti fondamentali
.
Nel
primo, Filippo II si confronta con il Marchese di Posa, rappresentante del liberalismo
;
nel
secondo
, con il
Grande Inquisitore, espressione del conservatorismo e del potere della Chiesa
.
Posa viene ucciso e il liberalismo sconfitto
. L'opera denuncia quindi l'
intreccio tra potere religioso e politico, sintetizzato dalla riflessione di Filippo:
«Dunque il trono piegar dovrà sempre all'altare»
. Il riferimento è particolarmente significativo nell'
Italia del 1867
,
quando il
non expedit di Pio IX vietava ai cattolici di partecipare alla vita politica dello Stato.
Aida
: la
casta sacerdotale, guidata da Ramfis, concentra nelle proprie mani il potere religioso, politico e giudiziario
.
Verdi
contrappone
due concezioni della ragione di Stato
:
quella autoritaria e autoreferenziale dei sacerdoti, indifferente alle sofferenze degli individui, e quella rappresentata da Amonasro, re etiope, che difende un popolo sconfitto e privato dei propri diritti.
Musicalmente, i sacerdoti sono rappresentati da un tema rigido e invariabile, caratterizzato da una scala discendente nel registro grave.
Amonasro
, invece, utilizza un
tema intenso e coinvolgente, ricco di appoggiature e caratterizzato da un'ampia estensione melodica, simile a quello di Leonora nella
Forza del destino
.
La musica esprime così la sua
partecipazione alle sofferenze della figlia Aida
.
Attraverso Amneris, che condanna apertamente i sacerdoti,
Verdi denuncia la concentrazione dei poteri e l'esercizio di un'autorità assoluta, distante dai bisogni degli individui.
Otello
: rappresenta il
punto finale del pessimismo verdiano.
Otello e Desdemona muoiono senza un ideale da difendere o un sacrificio da compiere:
sono
vittime dell'inganno, dell'irrazionalità e della violenza
, secondo la visione
espressa da Jago con la frase
«la morte è il nulla».
L'opera supera quindi l'immagine di un
Verdi esclusivamente risorgimentale e mette in discussione i risultati del processo nazionale:
le speranze di rinnovamento non hanno eliminato l'ingiustizia e l'irrazionalità umana
.
Anche il
linguaggio musicale
riflette
questa crisi
.
L'armonia cromatica di Otello
non deriva semplicemente dall'
influenza di Wagner,
ma rappresenta
la fragilità psicologica dell'uomo decadente, incapace di comprendere la realtà e gli altri.
Otello perde progressivamente la capacità di distinguere il vero dal falso e interpreta il mondo come ambiguo e ingannevole
.