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**Geografia e pratiche del classicismo musicale: Memoria e sintesi al…

- - - - 1. Dramma serio: Mitridate (Milano, 1770), Lucio Silla (Milano, 1772), Il re pastore (Salisburgo, 1775) e La clemenza di Tito (Praga, 1791), sua ultima opera su un testo di Metastasio, adattato al gusto dell'epoca.
        2. Festa teatrale: Ascanio in Alba (Milano, 1771), composta per le nozze arciducali.
      - 3. Opera seria di ispirazione francese: Idomeneo (Monaco, 1781), vicino al modello di Gluck e alla tragédie-lyrique francese.
        4. Singspiel: Il ratto dal serraglio (Vienna, 1782), di ambientazione turca, e Il flauto magico (Vienna, 1791), di carattere fiabesco e allegorico.
      - 5. Opera comica: dopo alcuni titoli giovanili di ispirazione goldoniana, Mozart torna al genere a Vienna grazie alla collaborazione con il librettista Lorenzo Da Ponte (1749-1838).
  - - - confrontandosi durante la composizione. Da questa collaborazione nascono tre capolavori,
        
        non progettati come un ciclo unitario, ma accomunati da temi e problemi simili:
        
        confronto tra classi sociali diverse;
        
        crisi delle istituzioni matrimoniali e familiari alla fine dell'Antico regime e diffusione dei valori borghesi.
        
        rapporto tra ragione e sentimento;
        
        libertà individuale e coscienza collettiva;
        
        Le tre opere sono Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) e Così fan tutte (1790).
        
        Pur appartenendo al genere comico, ciascuna presenta una soluzione drammaturgica diversa.
    - - ma non hanno più la funzione di rappresentare e celebrare i valori dell'assolutismo illuminato, come accadeva nei drammi di Metastasio.
        
        Si aprono invece alle nuove idee. Giuseppe II, che apprezzava Da Ponte e non amava particolarmente l'opera seria,
        
        arrivò a tollerare persino la rappresentazione musicale delle Nozze di Figaro, tratta dalla commedia di Beaumarchais del 1778, che era stata vietata a Vienna per i suoi contenuti socialmente provocatori.
        
        Da Ponte eliminò alcune delle critiche più dure all'aristocrazia, ma mantenne intatti l'intreccio e i contenuti fondamentali.
        
        La tradizione comica aveva già messo in relazione personaggi di classi sociali diverse, ma in quest'opera il confronto assume una dimensione nuova.
  - - - sono divise in quattro atti, anziché due o tre; comprendono undici personaggi, tutti importanti per lo sviluppo dell'azione; mantengono un testo ricco e articolato, derivato dalla commedia francese; utilizzano numerosi oggetti e situazioni concrete, come porte, abiti scambiati, nascondigli, chiavi, spille e lettere, che fanno procedere gli intrighi.
    - - la misurazione della stanza da parte di Figaro e Susanna («Cinque... dieci... venti... trenta», I, 1), la vestizione di Cherubino da donna («Venite, inginocchiatevi», II, 2) e la dettatura della lettera («Che soave zeffiretto», III, 10).
    - - Figaro minaccia vendetta, la Contessa riflette sulla propria solitudine e il Conte manifesta la sua amarezza.
        
        Prevalgono invece duetti e concertati, cioè scene in cui più personaggi cantano contemporaneamente e partecipano all'azione
        
        Mozart aveva già maturato questa idea ai tempi dell'Idomeneo: riteneva poco naturale che, mentre un personaggio cantava, tutti gli altri rimanessero fermi ad ascoltarlo senza intervenire.
        
        Nelle Nozze questa concezione raggiunge il suo culmine nei grandi finali del secondo e del quarto atto, con quasi tutti i personaggi coinvolti.
        
        L'orchestra sostiene continuamente l'azione e la costruzione musicale, contribuendo alla maturazione dello stile comico attraverso il linguaggio classico.
        
        Il ritmo teatrale è rapido, ma le parole cantate restano comprensibili e l'azione acquista una forte fisicità.
    - - La novità non riguarda soltanto la struttura, ma anche la caratterizzazione dei personaggi:
        
        Figaro e la Contessa non sono semplicemente un servitore e una padrona, ma individui con una personalità propria.
        
        Per questo il teatro di Mozart viene considerato una tappa fondamentale verso il moderno teatro d'opera:
        
        il compositore assume un ruolo sempre più importante nella costruzione complessiva del dramma, un processo che in seguito si svilupperà ulteriormente con Rossini.
      - I personaggi non sono divisi nettamente tra buoni e cattivi: ciascuno presenta limiti, contraddizioni e debolezze.
        
        Il Conte vuole sedurre Susanna, promessa sposa di Figaro, e manifesta un atteggiamento dispotico (arrogante). Viene perdonato dalla Contessa, ma perde credibilità e appare come un uomo dominato dalle proprie passioni.
        
        Figaro è intraprendente, ma non comprende subito il pericolo rappresentato dal Conte e dubita ingiustamente della fedeltà di Susanna. Nell'aria «Aprite un po' quegli occhi» (IV, 8) manifesta la propria gelosia.
        
        La Contessa perdona il marito, ma il suo gesto nasce anche dalla nostalgia dell'amore passato e dalla paura della solitudine. Lo dimostrano le arie «Porgi amor» (II, 1) e «Dove sono i bei momenti» (III, 8).
        
        Susanna è intelligente e astuta, ma non completamente autonoma: ha bisogno dell'aiuto della Contessa, con la quale sviluppa un rapporto di amicizia che supera quello tra padrona e cameriera. Insieme prepara la falsa lettera di seduzione destinata al Conte («Che soave zeffiretto»). Mostra anche complicità nei confronti di Cherubino, il giovane innamorato di tutte le donne.
      - Alla fine, servi e padroni si scontrano e collaborano, affrontando insieme le incertezze della vita.
        
        Il matrimonio di Figaro e Susanna può finalmente celebrarsi e ristabilire un nuovo equilibrio sociale.
        
        Questo lieto fine è diverso da quello dell'opera seria: non nasce dall'affermazione di virtù astratte e universali,
        
        ma da personaggi che hanno riconosciuto i propri limiti attraverso l'esperienza. L'epilogo appare quindi compiuto, ma anche in parte irrisolto.
        
        L'opera ebbe maggiore successo nella ripresa di Praga del 1786-1787 che nella Vienna inizialmente diffidente, dove venne accolta gradualmente anche a causa delle difficoltà esecutive.
- - - - Il soggetto era già noto grazie a opere di Molière e Goldoni e a numerosi drammi musicali e balletti ispirati alla figura del Burlador de Sevilla di Tirso de Molina (1630).
        
        Mozart e Da Ponte riprendono quindi una storia tradizionale, ma la reinterpretano in modo originale.
  - - - Eduard Mörike vi legge un presagio della morte del compositore.
      - Kierkegaard, in Enten-Eller (1843), interpreta Don Giovanni come simbolo dell'eros inappagabile: un uomo guidato dalla seduzione e dalla libertà dell'esteta, incapace di scegliere e amare, destinato all'autodistruzione.
      - Hoffmann riconosce nella partitura una forza evocativa paragonabile a quella della Quinta sinfonia di Beethoven e vi individua anticipazioni romantiche.
  - - - Il testo di Da Ponte si basa anche su un libretto precedente di Giovanni Bertati per Giuseppe Gazzaniga, entrambi del 1787.
        
        Alcune situazioni, come il duello iniziale, la scena del cimitero e le apparizioni della statua, erano già presenti nella tradizione.
  - - - intervenuto per difendere la figlia Donna Anna, che il protagonista aveva tentato di sedurre.
        
        Tuttavia, questa tragedia viene presto affiancata da una successione vivace di inganni, travestimenti e avventure amorose, mentre Don Giovanni cerca di sfuggire a Donna Elvira e agli altri suoi accusatori.
        
        L'azione si svolge in una Spagna poco caratterizzata, in un tempo indefinito:
        
        questa ambientazione contribuisce a dare alla vicenda un carattere mitico, diverso dalla dimensione quotidiana delle Nozze di Figaro.
  - - - Donna Anna e Don Ottavio rappresentano il versante serio e sentimentale, segnato dal dolore per la morte del Commendatore, dal desiderio di giustizia e dal rinvio delle nozze.
      - Donna Elvira è un personaggio di «mezzo carattere», cioè intermedio tra il registro comico e quello serio. È stata ingannata da Don Giovanni, che le aveva promesso falsamente il matrimonio.
      - - Leporello, servo di Don Giovanni, è un «buffo caricato», cioè un personaggio comico dai tratti accentuati. Cerca inutilmente di frenare il padrone, ma manifesta anche una propria rozza perfidia. Nell'aria «Madamina, il catalogo è questo» (I, 5), il tradizionale catalogo delle conquiste diventa un'umiliazione per Donna Elvira.
      - Il Commendatore, basso, canta soltanto all'inizio e alla fine, ma assume un ruolo decisivo come rappresentante della giustizia divina.
        
        Il Commendatore torna in scena attraverso la propria statua, che Don Giovanni sfida durante la visita al cimitero («O statua gentilissima», II, 11).
        
        La statua accetta l'invito a cena e si presenta al festino finale come «convitato di pietra», trascinando il protagonista negli Inferi dopo avergli offerto la possibilità di salvarsi attraverso il pentimento.
      - Zerlina e Masetto formano la coppia comica e popolare: la loro semplicità permette loro di ritrovare un equilibrio dopo le interferenze di Don Giovanni.
    - - il Commendatore pronuncia la propria sentenza con note lente e solenni; Don Giovanni gli risponde mantenendo uno stile simile, ma con atteggiamento spavaldo;
        
        Leporello, nascosto sotto il tavolo, esprime il terrore con note rapide e ripetute, in modo comico. Violini e flauti contribuiscono a creare un'atmosfera inquietante attraverso scale ascendenti e discendenti che aumentano la tensione.
    - - Tuttavia, questo finale non costituisce un vero lieto fine: la giustizia divina appare quasi beffarda
        
        e Don Giovanni conserva la grandezza di un eroe negativo, coerente con sé stesso fino all'ultimo, rifiutando di pentirsi.
        
        Dalla ripresa viennese del 1788 e per tutto l'Ottocento si preferì spesso eliminare questo finale,
        
        concludendo l'opera direttamente con la morte del protagonista. Questa soluzione sembra più moderna,
        
        ma in realtà è più convenzionale: riduce il significato dell'opera alla punizione del colpevole.
- - - - un riferimento a Molière nel sottotitolo e alcuni nomi e temi dell'Orlando furioso di Ariosto.
      - Centrale è soprattutto il tema della scommessa sulla fedeltà femminile, presente negli episodi di Fiammetta e del cavaliere del nappo.
        
        La morale viene espressa da Don Alfonso nella frase «Tutti accusan le donne, ed io le scuso» (II, 13), pronunciata in un'ottava, metro tipico della poesia epica e insolito nel teatro musicale.
  - - - La sua lucidità si contrappone alle illusioni dei due giovani, Guglielmo e Ferrando, convinti della fedeltà delle rispettive fidanzate, Dorabella e Fiordiligi.**
      - Don Alfonso scommette con loro che le donne non saranno fedeli.
        
        I due uomini fingono di partire per la guerra e tornano travestiti da soldati albanesi, cercando di sedurre le fidanzate dell'altro.
        
        La cameriera Despina, con il suo carattere popolare e spigliato, aiuta le due donne ad abbassare le difese e ad accettare il corteggiamento.
  - - - dopo aver scoperto l'inganno, Guglielmo e Ferrando vengono invitati da Don Alfonso a sposare comunque le proprie fidanzate,
        
        perché, se queste si sono comportate così, non c'è motivo di pensare che le altre donne siano diverse.
        
        Il messaggio non è semplicemente misogino (contro le donne): invita ad accettare la natura instabile degli esseri umani, uomini e donne, dominati dai capricci e dalle passioni.
        
        La ragione non elimina questa instabilità, ma può aiutare a prendere le distanze e ad affrontarla.
- - - - In altri casi il potere viene affidato alla razionalità di Don Alfonso oppure alla libertà incontrollata di Don Giovanni, che finisce per sopraffare quella degli altri.
  - - - Don Giovanni millanta promesse di matrimonio con Elvira e Zerlina soltanto per sedurle; le nozze di Zerlina e Masetto sono continuamente minacciate; quelle di Donna Anna e Don Ottavio vengono rinviate e non è certo che si celebreranno.
    - - Don Giovanni rifiuta queste regole e viene punito, pur mantenendo la propria libertà.
- - - - l'oratorio ha un carattere più conservativo ed erudito (colto), perché si basa soprattutto su fonti bibliche dell'Antico e del Nuovo Testamento.
        
        Per questo è meno legato alle mode e destinato a durare nel tempo.
    - - anche perché il genere era ormai meno diffuso rispetto al Seicento e alla prima parte del Settecento.
        
        Inoltre, richiedeva un grande impegno compositivo e sembrava difficile da rinnovare, dato il carattere tradizionale dei suoi argomenti.
    - - Non si trattò di un ritorno a una musica accademica e autoreferenziale, ma di una sintesi originale
        
        tra memoria della tradizione e innovazione, che anticipa alcuni aspetti della sensibilità romantica.
    - - composta per il Capitolo di Cadice in occasione delle celebrazioni del Venerdì Santo.
      - L'opera nasce per sola orchestra e comprende sette sonate, un'introduzione e un terremoto finale.
        
        Nel 1787 Haydn ne realizza una versione per quartetto d'archi e nel 1796 una versione tedesca in forma di breve oratorio corale.
    - - La musica riprendeva le parole di Cristo anche attraverso il ritmo:
        
        il motivo iniziale di ogni brano seguiva infatti il ritmo delle parole latine appena recitate.
        
        Il testo veniva inoltre riportato nella partitura, accanto alla parte del primo violino, per guidare l'esecuzione.
      - L'orchestra assume così una funzione particolare: non si limita a descrivere gli eventi, ma commenta e amplifica il significato spirituale del testo,
        
        diventandone una sorta di parafrasi musicale. La successiva trasformazione in oratorio risulta però problematica,
        
        perché l'aggiunta delle parole finisce per limitare i significati che la musica strumentale poteva esprimere autonomamente.
        
        Questa esperienza anticipa il ruolo fondamentale dell'orchestra nei due ultimi oratori di Haydn.
  - - - La Creazione racconta le origini del mondo, prima della comparsa dell'uomo.
      - Le stagioni rappresentano la ciclicità della natura in relazione alla vita e al lavoro umano.
    - - lo si ritrova nelle Stagioni di Vivaldi, nel calendario musicale di Werner del 1748 e nelle prime sinfonie di Haydn Le matin, Le midi e Le soir (1761).
    - - nella Creazione compare anche l'amore coniugale di Adamo ed Eva;
      - 2. nelle Stagioni sono presenti momenti di spiritualità e ringraziamento.
    - - la Genesi, che fornisce la struttura generale; il Libro dei Salmi, da cui derivano le sezioni corali; Paradise Lost (Il Paradiso perduto) di John Milton (1667), da cui provengono la struttura narrativa e la prospettiva epica.
      - La narrazione è affidata a tre arcangeli, Raffaele, Uriele e Gabriele, che introducono e commentano gli eventi
        
        attraverso recitativi accompagnati dall'orchestra, arie, arie con coro e concertati.
        
        In questo modo il racconto biblico acquista maggiore ricchezza narrativa.
    - - Gottfried van Swieten, diplomatico, erudito e musicista dilettante, che dirigeva la Biblioteca Imperiale di Vienna e raccoglieva e diffondeva le musiche del passato.
        
        Attraverso di lui Haydn entra in contatto con la tradizione degli oratori di Händel, ancora viva a Londra, dove aveva soggiornato.
    - - Il mondo appena creato è privo di dolore e peccato, fatta eccezione per la dannazione degli angeli caduti.
      - Nella terza parte compaiono Adamo ed Eva, ancora in perfetta armonia con la natura.
        
        Il loro duetto d'amore, «Holde Gattin, dir zur Seite» («Cara sposa, a te vicino»),
        
        conduce al coro conclusivo, che comprende una grande fuga e celebra la perfezione del creato:
        
        «Singt dem Herren alle Stimmen!» («Cantate tutti al Signore!»).
        
        L'oratorio termina prima della tentazione di Eva e della cacciata dal Paradiso, che invece costituiscono il centro ideale del poema di Milton.
    - - Sono presenti anche riferimenti alla Massoneria, di cui Haydn faceva parte pur essendo un cattolico osservante. Tra questi:
        
        l numero tre, ricorrente nelle tre fonti, nei tre arcangeli e nelle tre parti dell'oratorio; il richiamo all'arte del costruire (ars aedificandi), centrale nella tradizione massonica; l'uso del contrappunto, tecnica musicale basata sulla costruzione e combinazione delle diverse linee melodiche, soprattutto nelle sezioni corali.
        
        L'oratorio riesce così a riunire pubblici e tradizioni diverse:
        
        la cattolica Austria, la Germania protestante, l'Inghilterra anglicana, la Francia laica e l'Italia.
- - - - la scrittura appare volutamente disordinata e dall'oscurità emergono improvvisi bagliori e frammenti melodici, come possibilità ancora non realizzate prima dell'intervento divino.
      - Anche nel resto dell'oratorio l'orchestra ha un ruolo essenziale. Accanto a momenti descrittivi tradizionali,
        
        compaiono immagini sonore più allusive che imitative, come il potente accordo del fiat lux e la rappresentazione del sorgere del sole e della luna.
- - - - distinguendo narrazione, commento, espressione lirica e interventi corali.
        
        Introdusse inoltre tre personaggi umani, Hanne, Lukas e Simon,
        
        contadini che rappresentano figure prototipiche (d'esempio) e che, come gli arcangeli della Creazione, guidano il racconto.
  - - - Beethoven precisa infatti che la sua sinfonia è «espressione di sentimenti» e non semplice «pittura».
    - - anche Le stagioni presenta una lettura personale e dinamica della natura.
        
        La successione delle stagioni, infatti, non è una semplice descrizione ordinata.
        
        L'oratorio si apre con una primavera drammatica e violenta, che rappresenta il gelo invernale mentre si ritira verso il Polo e lascia spazio al tepore.
        
        Simmetricamente, l'inverno si conclude con un doppio coro che celebra la rinascita della vita e guarda alla primavera imminente. La struttura circolare della composizione richiama così il ciclo della vita e assume un significato filosofico.
  - - - Sono elementi tipici della sua sensibilità settecentesca, ma non sono separati dalla spiritualità e dall'espressione soggettiva.
    - - all'inizio della parte estiva, l'aurora è accompagnata dal canto lamentoso degli «uccelli dei morti» e da un'atmosfera angosciosa;
      - nella cavatina di Lukas «Al peso soccombe la natura» la stanchezza estiva assume un tono malinconico;
      - nella quarta parte compare il Wanderer, il Viandante, figura tipica del Romanticismo tedesco;
      - Simon riflette sulla caducità della vita nell'aria «Osserva qui, uomo insensato»
  - - - Allo stesso tempo anticipa generi e sensibilità del futuro, come la sinfonia di Beethoven, il Lied di Schubert e la musica strumentale di Rossini.
- - - - Questa visione si collega all'estetica del Sublime, che Haydn conosce attraverso il trattato di Edmund Burke Un'indagine filosofica sull'origine delle nostre idee di Sublime e Bello (1756-1759), presente nella sua biblioteca.
        
        Burke distingue la semplice bellezza, legata soprattutto all'imitazione, dallo stupore provocato dalla grandezza della natura e dall'immensità.
        
        Sono fonti del Sublime le grandi dimensioni, l'infinito, l'oscurità e il rapido passaggio dalla luce al buio o viceversa.
        
        L'oscurità, in particolare, può suscitare un senso di grandezza e mistero ancora più della luce.
        
        Questa concezione nasce nel Settecento, ma anticipa la sensibilità romantica. I due oratori di Haydn ne raccolgono alcuni principi attraverso:
        
        la ricchezza e la completezza delle forme musicali;
        
        l'ampiezza dell'organico orchestrale;
        
        la grande durata delle composizioni;
        
        la vastità dei contenuti spirituali e naturali.
        
        Questi aspetti influenzeranno il sinfonismo di Beethoven, soprattutto la Nona sinfonia, e la musica romantica.