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Geografia e pratiche del classicismo musicale: La società dell’ascolto -…
Geografia e pratiche del classicismo musicale: La società dell’ascolto
La nascita di un nuovo rapporto tra compositore e pubblico:
Nel corso del
Settecento
si consolidano
luoghi
e
occasioni
dedicati all’
ascolto musicale
, soprattutto a
Londra (Bach-Abel Concerts e Concerti Salomon)
e a
Parigi (Concert Spirituel e Loge Olympique).
Il
pubblico, aristocratico o borghese, non considera più la musica soltanto una decorazione di eventi religiosi o pubblici: va ai concerti proprio per ascoltarla.
Si crea così un
rapporto diretto tra compositore
e
ascoltatori,
basato sulla
conoscenza dei gusti
e
delle aspettative del pubblico
.
Lo dimostra lo
scambio di lettere tra Mozart e suo padre Leopold, dove nel 1778 mentre Mozart si trova a Parigi
Leopold
gli consiglia di
ascoltare le opere degli altri compositori e di conoscere lo stile e il gusto francese prima di scrivere per il teatro.
Anche
Mozart dimostra di conoscere bene il pubblico parigino in occasione dell'esecuzione
della sua
Sinfonia K 297 al Concert Spirituel, il 3 luglio 1778.
Racconta al padre di
aver previsto quali passaggi avrebbero suscitato entusiasmo e applausi,
inserendo un
momento particolarmente efficace
e
ripetendolo verso la fine.
Nell'
Allegro conclusivo
, invece,
sorprende gli ascoltatori: invece di iniziare con tutta l'orchestra in forte, come era consuetudine,
fa suonare piano i due violini per otto battute, per poi far entrare improvvisamente il forte dell'intera orchestra. Il pubblico reagisce con applausi immediati.
I diversi generi e il loro rapporto con gli ascoltatori:
La
sinfonia
è un
genere solenne
e r
etoricamente elevato
, nel quale l'
intera orchestra diventa protagonista
.
Accanto agli archi acquistano importanza i
legni (oboi, flauti, fagotti e, verso la fine del secolo, clarinetti),
gli
ottoni (corni, trombe e tromboni)
e le
percussioni
. La grandezza dell'organico
richiede spazi ampi e occasioni di particolare rilievo sociale.
Nel
concerto,
invece, il pubblico assiste al
confronto tra uno o più solisti e l'orchestra, come a uno spettacolo.
Questo confronto può assumere caratteri diversi:
può essere collaborativo, conflittuale, spiritoso o drammatico.
La sua
imprevedibilità
contribuisce all'
interesse del genere.
Un esempio è il
Concerto per pianoforte e orchestra n. 22 in Mi bemolle maggiore K 482 di Mozart (1785),
nel quale il rapporto tra
solista e orchestra cambia da un movimento all'altro:
Primo movimento: in forma-sonata nello stile del concerto, alterna ripetutamente solista e orchestra. I due protagonisti presentano soprattutto temi distinti: il pianoforte non riprende il motivo iniziale dell'orchestra, ma soltanto un motivo secondario del secondo gruppo tematico.
Secondo movimento: combina rondò e tema con variazioni, è in modo minore e ha un carattere diverso dagli altri due. Il pianoforte e gli archi condividono il tema principale, riproposto con variazioni, mentre i fiati presentano motivi propri negli episodi intermedi in modo maggiore. Nell'ultima ripresa del tema principale convergono tutti gli strumenti.
Terzo movimento: è un rondò che inizia con il pianoforte solo. Solista e orchestra condividono ormai i motivi principali.
Il concerto presenta quindi una
progressiva convergenza tra pianoforte e orchestra,
che passano da
una relativa autonomia
a
una collaborazione sempre più stretta.
Questo costituisce il
contenuto del brano, percepibile soltanto attraverso l'ascolto.
La
sonata per pianoforte, o per pianoforte e un altro strumento
,
è invece destinata soprattutto a
musicisti professionisti o dilettanti e non richiede necessariamente un'esecuzione pubblica
.
Può essere suonata
anche in privato e prepara sia l'intimismo della futura musica da salotto romantica sia l'affermazione del grande virtuoso, rappresentato già da Mozart e Beethoven
.
Il
quartetto per archi
occupa una
posizione intermedia.
È formato da
violino primo, violino secondo, viola e violoncello
e si basa su un
dialogo sottile tra i quattro strumenti.
Come la
sonata, può essere eseguito in ambito domestico
:
per questo, a lungo, le composizioni
venivano stampate soltanto nelle singole parti strumentali, senza la partitura completa
.
Il suo
linguaggio
è definito
stile di conversazione, perché i quattro strumenti
, pur appartenendo alla stessa famiglia,
hanno ruoli e caratteri differenti.
Il quartetto come conversazione: Haydn:
Il
letterato Giuseppe Carpani
, nelle
Haydine
del 1812,
descrive un
quartetto di Haydn
come una
conversazione tra quattro persone
:
Il primo violino è un uomo brillante e loquace: propone gli argomenti e guida il discorso.
Il secondo violino è il suo amico, che lo sostiene e interviene soprattutto riprendendo le sue idee.
Il violoncello è una persona seria e autorevole, che interviene con osservazioni brevi ma sicure e rafforza il discorso principale.
La viola è una matrona vivace e un po' chiacchierona, che si inserisce nella conversazione con interventi leggeri e graziosi.
Questa descrizione aiuta a comprendere l'
inizio dell'Allegro moderato del Quartetto op. 77 n. 1 in Sol maggiore di Haydn (1799).
Il
primo violino
propone il motivo principale e guida la frase
; il
secondo violino
la
completa
e lo
sostiene.
Nelle
battute successive la situazione si ripete, ma la viola interviene con maggiore decisione, riprendendo una parte del motivo principale
.
Quando il
motivo iniziale ritorna, il violoncello interviene con autorevolezza, rafforzando l'affermazione del primo violino.
Si forma così il
primo gruppo tematico.
L'ironia e il coinvolgimento dell'ascoltatore:
Il
dialogo
tra
compositore
e
pubblico
nella
musica
di
Haydn
si basa spesso sull'
ironia
e sull'
umorismo
.
Questa caratteristica poteva sorprendere chi si aspettava dalla musica contenuti spirituali più profondi
:
secondo il testo,
anche l'imperatore Giuseppe II giudicava Haydn
«poco serio»
.
Il suo modo di comporre viene accostato alle sperimentazioni della
narrativa settecentesca
, soprattutto al
romanzo Tristram Shandy di Laurence Sterne
Come il romanzo provoca continuamente il lettore,
così la musica di Haydn stimola le reazioni dell'ascoltatore attraverso messaggi ambigui e inattese sorprese.
Un esempio è il
finale del Quartetto op. 33 n. 2 (1781):
le
ultime frasi
sono
interrotte da lunghe pause
e il
motivo conclusivo è identico a quello iniziale
, tanto da sembrare una
ripresa da capo.
In realtà il brano termina proprio lì, sorprendendo il pubblico e provocando il sorriso e l'applauso.
Il concerto pubblico come esperienza di ascolto:
Il carattere esperienziale della musica classica emerge anche dalla
struttura dei concerti pubblici
, chiamati all'epoca
accademie.
Un esempio è il
concerto di Mozart al Burgtheater di Vienna,
nel
marzo 1785
,
alla presenza di Giuseppe II.
Il programma comprendeva:
la Sinfonia Haffner K 385, eseguita nei primi tre movimenti all'inizio e con il quarto movimento alla fine; arie e brani vocali tratti da Idomeneo e Lucio Silla;
il Concerto per pianoforte e orchestra in Do maggiore K 415; una sinfonia concertante e il quarto movimento della Serenata K 520;
il Concerto per pianoforte in Re K 175, con un nuovo finale K 382; una fuga per pianoforte improvvisata; variazioni per pianoforte su temi di Paisiello e Gluck; un recitativo e rondò per soprano.
Rispetto ai concerti di oggi, lo spettacolo durava
circa tre volte tanto
e presentava una grande varietà di generi:
musica orchestrale, pianistica, concerti solistici, improvvisazioni, arie e brani d'opera.
I contenuti della musica classica:
I
contenuti
di un
brano classico
dipendono molto dalla sua
destinazione
e dalle
modalità di ascolto.
Non si tratta ancora dell'espressione di un
io privato e biografico, né di un io lirico e individuale come avverrà nel Romanticismo.
La musica costruisce piuttosto un
discorso intellettuale rivolto a un «noi»,
cioè a un
pubblico definito dal contesto sociale e dalle occasioni di ascolto.
