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Geografia e pratiche del classicismo musicale - Coggle Diagram

- - - - In senso più ampio, invece, descrive uno stile caratterizzato da equilibrio, chiarezza formale, eleganza e immediatezza espressiva.
        
        A volte, infine, l'espressione «musica classica» viene utilizzata per indicare tutta la musica d’arte europea, anche di epoche molto diverse.
  - - - Tra i contesti più importanti troviamo:
        
        L'Italia, soprattutto per la musica strumentale di compositori come Sammartini.
        
        Mannheim, importante per lo sviluppo della sinfonia tedesca.
        
        Londra e Parigi, con le loro stagioni concertistiche.
        
        La Spagna, dove operò Luigi Boccherini, con uno stile personale e strutture diverse da quelle viennesi.
      - La definizione di classicismo viennese dipende anche dalla tradizione della musicologia tedesca, che ha dato particolare importanza ai compositori dell'area germanica.
        
        Per questo motivo, figure come Antonio Salieri, pur avendo avuto un ruolo importante nella vita musicale viennese, sono state spesso considerate meno centrali nella definizione del classicismo.
    - - Erano spesso musicisti professionisti legati a corti, istituzioni religiose o altri committenti, dai quali dipendeva la loro attività.
        
        Inoltre, durante il Settecento non si parlava ancora di classicismo musicale per indicare la produzione contemporanea.
        
        Questa definizione si diffuse soprattutto intorno al 1830, quando gli intellettuali romantici riconobbero in Haydn e Mozart modelli di perfezione musicale.
        
        Il termine «classico», però, era stato applicato anche a compositori più antichi, come Bach, Corelli, Palestrina e Josquin.
    - - In particolare, l'opera buffa italiana influenzò profondamente il linguaggio musicale viennese.
        
        Anche le opere serie e la tradizione dell'opera italiana entrarono in dialogo con il classicismo, pur mantenendo caratteristiche proprie.
        
        quindi importante non considerare il classicismo soltanto come uno stile strumentale: anche il teatro musicale contribuì alla sua formazione.
    - - Quest'ultimo univa il recupero dei modelli classici ad alcune tendenze preromantiche, mentre il classicismo musicale viennese seguiva un percorso differente.
        
        Anche il rapporto con l'Illuminismo è complesso. Non si può parlare propriamente di un illuminismo musicale,
        
        perché la musica non fu al centro delle principali riflessioni filosofiche del Settecento.
        
        I filosofi illuministi si interessarono soprattutto alla musica vocale, nella quale la melodia e il canto erano considerati capaci di comunicare direttamente con i sentimenti.
        
        La musica strumentale, invece, veniva spesso considerata un semplice intrattenimento, perché non esprimeva contenuti facilmente traducibili in parole.
        
        Un esempio è la celebre domanda di Bernard Le Bovier de Fontenelle, ripresa da Rousseau: «Sonata, che cosa vuoi dirmi?». Essa esprime il dubbio sul significato della musica strumentale.
      - Anche Kant, nella Critica del giudizio (1790), riteneva che nella musica prevalesse l'elemento sensibile, cioè la capacità di suscitare piacere, più che quella di comunicare idee.
        
        Nonostante queste riserve, la musica del periodo presenta diversi punti di contatto con il pensiero illuminista:
        
        Al posto della complessità contrappuntistica del Barocco si afferma un linguaggio più lineare e chiaro, basato su equilibrio, logica e rapporti tra temi e tonalità.
        
        In Haydn e Mozart emergono ideali umanitari e massonici. Nel Flauto magico di Mozart, per esempio, la luce trionfa sulle tenebre; nella Creazione di Haydn si afferma un ordine universale che sostituisce il caos iniziale.
        
        Le opere comiche mostrano diversi aspetti della società e dei rapporti tra le classi.
        
        Anche Beethoven presenta elementi legati all'Illuminismo, come i finali trionfanti in maggiore della Quinta e della Nona Sinfonia e l'importanza morale che attribuiva all'arte.
      - Non bisogna però pensare che tutti i compositori condividessero le stesse idee.
        
        Il rapporto tra musica e Illuminismo cambiava a seconda dei generi, degli autori e del pubblico.
        
        In generale, era soprattutto la società, con i suoi gusti e le sue idee, a influenzare la produzione musicale.
        
        Un esempio della complessità di questi rapporti è l'incontro tra Johann Sebastian Bach e Voltaire nell'ambiente di Federico II di Prussia.
        
        Bach, legato a una formazione razionalista e alla tradizione pitagorica, compose l'Offerta musicale
        
        su un tema proposto dal sovrano.
        
        Voltaire, invece, era uno dei principali esponenti dell'Illuminismo.
        
        Pur avendo idee molto diverse, entrambi frequentarono la corte di Federico II.
    - - Anche il rapporto tra Haydn e Mozart è complesso: Haydn era più anziano, ma i due compositori si influenzarono reciprocamente e furono legati da una profonda amicizia.
        
        Anche Beethoven è difficile da collocare: le sue basi compositive appartengono al classicismo, ma la sua produzione complessiva non rientra completamente né nel classicismo né nel primo romanticismo.
- - - - che potevano essere riproposte identiche o modificate, suonate da strumenti diversi, a volume più forte o più piano, oppure trasferite in altre tonalità.
        
        Anche quando venivano utilizzati procedimenti contrappuntistici, i motivi mantenevano generalmente la propria identità.
    - - ma anche elaborati e messi in contrapposizione.
        
        Nasce così un discorso musicale più articolato, nel quale le idee melodiche si sviluppano e dialogano tra loro.
- - - - In particolare, Carl Philipp Emanuel e Johann Christian influenzarono i compositori viennesi:
        
        Carl Philipp Emanuel Bach influenzò soprattutto Haydn e Beethoven, grazie a un linguaggio espressivo, irregolare e ricco di contrasti, cambiamenti improvvisi di umore e percorsi melodici e armonici imprevedibili.
        
        Johann Christian Bach propose invece uno stile più elegante e cantabile, arricchito da abbellimenti delicati, che influenzò soprattutto Mozart.
- - - - Gli strumenti si alternano con improvvisi cambiamenti di volume, pause, entrate successive e contrasti tra piano, forte e fortissimo.
        
        L'ascoltatore non riesce a prevedere facilmente ciò che accadrà e rimane continuamente coinvolto.
    - - caratterizzato da melodie più regolari, fluide e cantabili, simili a quelle di un'ouverture d'opera italiana.
- - - - Un esempio è l'inizio dell'Allegro con brio della Sonata per pianoforte in do maggiore di Haydn, Hob. XVI:35 (1780).
        
        Le prime 16 battute, escluso il levare iniziale, sono organizzate in due frasi di otto battute, molto simili tra loro.
        
        La seconda ripropone il materiale della prima, ma con alcune differenze: la prima è in piano, mentre la seconda è in forte e presenta un accompagnamento più ricco di terzine.
        
        Anche all'interno delle due frasi si riconosce una struttura equilibrata: ogni gruppo di quattro battute crea un rapporto di domanda e risposta.
        
        I motivi, organizzati in gruppi di 2, 4 o 8 battute, si collegano attraverso somiglianze e differenze fino a una conclusione, chiamata cadenza, che dà stabilità al discorso musicale.
        
        L'insieme di questi elementi costituisce il tema, cioè un'idea musicale riconoscibile, dotata di un carattere preciso e di una propria organizzazione interna.
- - - - i temi vengono modificati, sviluppati e messi in relazione tra loro.
      - Di solito, nella musica in modo maggiore, il percorso parte dalla tonalità principale, detta Tonica, e si dirige verso la Dominante.
        
        Per esempio, da do maggiore a sol maggiore. Nella musica in modo minore, invece,
        
        il passaggio avviene generalmente verso la relativa maggiore, per esempio da la minore a do maggiore.
  - - - Può seguire una coda, cioè una sezione conclusiva che rafforza la chiusura.
      - Questo percorso costituisce la forma-sonata, organizzata in tre sezioni principali:
        
        1. Esposizione: vengono presentati i temi principali, generalmente in tonalità differenti.
        
        2. Sviluppo: i temi vengono elaborati, modificati e messi in relazione tra loro. È la parte in cui il compositore ha maggiore libertà.
        
        3. Ripresa: i temi vengono riproposti nella tonalità iniziale, ristabilendo l'equilibrio e preparando la conclusione.
  - - - ma anche in sinfonie, quartetti, concerti e altri generi strumentali.
  - - - 1. Ideare i motivi musicali (inventio).
        2.Organizzarli in una struttura ordinata (dispositio). 3. Scegliere come presentarli attraverso lo stile e le figurazioni musicali (elocutio).
      - Questa attenzione all'organizzazione e alla chiarezza del discorso musicale rispecchia la ricerca di equilibrio e di eloquenza tipica del classicismo.
- - - - I movimenti estremi, soprattutto il primo e spesso l'ultimo, presentano generalmente una struttura più energica e complessa,
        
        spesso basata sulla forma-sonata. I movimenti centrali, invece, sono solitamente più brevi e distesi,
        
        con caratteri cantabili, galanti, intimi oppure scherzosi. Si crea così un equilibrio tra momenti di maggiore energia e momenti di rilassamento.
- - - - Quando manca, può essere sostituito dal tema e variazioni.