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G. La Face - N. Badolato, a cura di, "Musica e Poesia son due…

- - - - rappresentavano anche un mezzo per dimostrare il prestigio culturale dei signori.
  - - - Monteverdi riprese queste esperienze, sviluppando un modo di unire musica, poesia e azione teatrale.
  - - - La pubblicazione permise all’opera di circolare anche al di fuori dell’ambiente di corte in cui era nata.
  - - - Orfeo deve affrontare Caronte, il traghettatore che controlla il passaggio delle anime verso il mondo dei morti.
        
        Per raggiungere Euridice, Orfeo deve convincerlo a lasciarlo attraversare il fiume infernale.
      - La situazione è importante perché Orfeo non può ottenere ciò che desidera con la forza: deve servirsi della propria voce e della musica per persuadere Caronte.
        
        Il canto diventa quindi lo strumento attraverso il quale il protagonista cerca di superare un ostacolo e raggiungere il proprio obiettivo.
        
        La scena permette a Monteverdi di mostrare quanto la musica possa esprimere i sentimenti e avere una funzione concreta all’interno dell’azione teatrale.
        
        Il canto non è un elemento decorativo, ma è essenziale per lo sviluppo della vicenda.
  - - - il protagonista si rivolge inizialmente al suo interlocutore con rispetto, poi presenta le ragioni per cui dovrebbe essere ascoltato e infine insiste sulla propria sofferenza e sulla necessità di raggiungere Euridice.
      - Orfeo richiama la propria condizione infelice e presenta l’amore per Euridice
        
        come una ragione tanto forte da giustificare il viaggio nel regno dei morti.
        
        La bellezza e le qualità della donna sono descritte in modo da far capire quanto sia grande la perdita subita dal protagonista.
      - Il testo, quindi, non è una semplice espressione di dolore: è un discorso organizzato per ottenere un risultato.
        
        Questa caratteristica si collega alla retorica, cioè l’arte di costruire un discorso efficace per comunicare un’idea e convincere chi ascolta.
    - - Monteverdi segue le diverse fasi del discorso, dando risalto ai punti in cui Orfeo presenta le proprie ragioni e a quelli in cui il sentimento diventa più intenso.
      - Anche la forma poetica è significativa.
        
        Il testo è composto in terzine di endecasillabi, cioè strofe di tre versi, ciascuno formato da undici sillabe metriche.
        
        Le rime sono concatenate, secondo uno schema che richiama quello della Divina Commedia di Dante.
        
        Questa scelta è particolarmente adatta a una scena ambientata nel mondo dei morti, anche per il richiamo al viaggio ultraterreno raccontato da Dante.
        
        Questa forma poetica si distingue dal verso sciolto, cioè un verso senza uno schema regolare di rime, utilizzato in altre parti dell’opera.
        
        La scelta di una struttura poetica particolare contribuisce dunque a dare alla scena una forma riconoscibile e adatta al suo contenuto.
  - - - Monteverdi non tratta le parole come un testo da cantare sempre nello stesso modo: cerca invece di adattare la musica al loro significato e all’emozione che devono esprimere.
      - Nel brano, il canto di Orfeo è accompagnato da interventi strumentali che si alternano alle parti vocali.
        
        La scena si apre con una sinfonia, cioè un’introduzione esclusivamente strumentale.
        
        Durante il brano compaiono poi i ritornelli, brevi sezioni strumentali che ritornano tra le parti cantate.
    - - contribuiscono a organizzare il brano e creano momenti di collegamento tra le diverse parti.
        
        La ripetizione di alcuni elementi musicali dà unità alla scena, mentre le variazioni permettono di seguire i cambiamenti del discorso e dei sentimenti di Orfeo.
      - La voce è sostenuta dal basso continuo, una parte musicale che fornisce il sostegno armonico e ritmico.
        
        Su questa base si sviluppa il canto, accompagnato da strumenti che intervengono in momenti diversi.
        
        Tra gli strumenti utilizzati figurano i violini, i cornetti e l’arpa doppia.
        
        Questi strumenti dialogano con la voce, rispondendo al canto e contribuendo a creare varietà espressiva.
  - - - oppure più vicino al ritmo naturale delle parole. Questa alternanza permette di dare maggiore risalto ad alcuni passaggi e di rendere il discorso più espressivo.
  - - - Anche quando cambiano la melodia vocale, gli ornamenti e gli interventi degli strumenti, il sostegno del basso crea un collegamento tra le diverse sezioni.
      - La musica riesce così a conciliare due esigenze:
        
        da una parte, mantenere una struttura riconoscibile; dall’altra, variare l’espressione per seguire il significato delle parole.
        
        È proprio questo rapporto tra continuità musicale e varietà espressiva a rendere la scena particolarmente significativa.
- - - - Bach la ripropose in seguito, segno dell’importanza che attribuiva a questa composizione.
      - La cantata appartiene alla musica sacra luterana, destinata a essere eseguita durante le celebrazioni religiose. Nella Germania del Seicento e del Settecento,
        
        la cantata era una composizione per voci e strumenti che accompagnava il rito
        
        e serviva ad approfondire il significato delle letture bibliche e del sermone del pastore protestante.
        
        La musica non aveva soltanto una funzione decorativa: doveva rendere più chiaro, intenso e coinvolgente il messaggio religioso, aiutando i fedeli a comprenderlo e a sentirne la forza.
  - - - Il titolo deriva da un antico inno della tradizione luterana, scritto da Martin Lutero nel 1524.
        
        Il testo invoca il Redentore affinché venga a soccorrere l’umanità e rinnovi il prodigio dell’Incarnazione, cioè il fatto che Dio si faccia uomo in Cristo.
        
        Il messaggio viene sviluppato attraverso sei brani, ognuno dei quali presenta un aspetto diverso della fede:
        
        la meraviglia davanti alla nascita di Cristo, la grandezza del mistero dell’Incarnazione, la missione salvifica di Gesù, la sua lotta contro il male e, infine, la lode a Dio.
  - - - recitativo, invece, segue più da vicino il ritmo delle parole e serve soprattutto a rendere comprensibile il testo e a sviluppare il discorso.
      - Questa alternanza permette a Bach di passare da momenti solenni e collettivi a passaggi più intimi, riflessivi o combattivi.
  - - - Il coro è accompagnato da un’orchestra ricca e vivace.
      - Gli strumenti presentano una parte musicale autonoma, che crea l’ambiente sonoro nel quale entrano successivamente le voci.
        
        La scrittura è quella del mottetto corale, una tecnica in cui le parti vocali si intrecciano con una struttura strumentale indipendente.
        
        Un elemento importante è il ritmo anapestico, formato da due valori brevi seguiti da uno più lungo.
        
        Nella musica di Bach questo ritmo è associato alla gioia e contribuisce a comunicare l’entusiasmo per la venuta di Cristo.
        
        In questo movimento compare anche la melodia dell’antico corale luterano, che avrà un ruolo fondamentale nell’intera cantata.
  - - - il Signore supremo si manifesta al mondo e la nascita di Cristo rappresenta un evento straordinario.
      - La musica esprime la meraviglia attraverso un andamento elegante e aggraziato, in tempo ternario di 3/8, che richiama il carattere leggero di una danza.
        
        L’aria è accompagnata dagli archi e dai due oboi, mentre il corno non interviene.
    - - perché la sezione iniziale viene ripresa dopo una parte centrale, permettendo di ritornare sul materiale musicale già ascoltato.
      - La tonalità di Sol maggiore e il timbro degli oboi contribuiscono a creare un carattere pastorale, adatto al clima delle festività natalizie.
  - - - il Figlio unigenito proviene dalla gloria di Dio e viene nel mondo per salvare l’umanità, indicata nel testo come caduta a causa del peccato.
        
        Il recitativo è accompagnato soltanto dal basso continuo, scelta che permette di concentrarsi soprattutto sulle parole.
        
        Bach utilizza la cosiddetta pittura sonora, cioè una tecnica che traduce musicalmente il significato di determinate parole.
      - Quando il testo parla della corsa di Cristo, la voce esegue una rapida successione di note ascendenti, che suggerisce il movimento della corsa.
        
        Quando viene evocata l’umanità caduta, la melodia compie invece un ampio movimento discendente, rappresentando musicalmente una caduta.
        
        Alla fine, nelle espressioni che richiamano lo splendore e la luce della benedizione, la voce si allontana dal canto strettamente sillabico e introduce piccoli ornamenti melodici.
        
        La musica passa così dalla descrizione della missione di Cristo a un tono di gioia e contemplazione.
  - - - chiamato a combattere e vincere per rafforzare l’essere umano, debole di fronte al male.
      - Il carattere musicale è molto diverso da quello dell’aria precedente.
        
        Il testo contiene parole energiche come «lotta» e «vinci», e Bach le accompagna con una musica vigorosa e combattiva.
        
        Gli archi suonano all’unisono o all’ottava, creando un accompagnamento compatto e incisivo, sul quale si impone la voce grave del basso.
        
        Il canto presenta inoltre passaggi virtuosistici, cioè tecnicamente impegnativi, acute,
        
        che rafforzano l’impressione di tensione e forza.
        
        Soltanto in un breve momento più lento, indicato con la parola Adagio, l’energia si attenua parzialmente.
        
        Il contrasto tra questo movimento e il precedente è essenziale:
        
        dopo la descrizione della missione salvifica di Cristo, la musica rappresenta direttamente la sua forza nella lotta contro il male.
  - - - Il testo esprime la volontà dei fedeli di onorare la gloria divina e di avvicinarsi alla mangiatoia di Cristo, riconoscendo la luce che egli porta nel mondo.
      - Le due voci procedono prevalentemente con lo stesso ritmo: questa tecnica è detta omoritmia.
        
        Gli archi le accompagnano con note lunghe e sostenute, creando un ambiente sonoro intimo e contemplativo.
        
        L’associazione tra voci acute e archi richiama una convenzione musicale antica, che collegava questi timbri alla presenza degli angeli.
        
        La musica contribuisce così a evocare l’atmosfera della notte di Natale e a preparare il passaggio alla conclusione della cantata.
  - - - sottolineando la dimensione collettiva della fede.
        
        A differenza del primo coro, in cui l’orchestra presenta una parte autonoma e molto movimentata,
        
        qui sono le voci a guidare la musica. Gli strumenti si limitano principalmente a raddoppiare le parti vocali, cioè a suonare la stessa melodia delle voci.
        
        Tutte le voci procedono insieme in omofonia, una scrittura in cui le parti cantano con lo stesso ritmo e le parole risultano facilmente comprensibili.
- - - - La cantata BWV 62 appartiene alla cosiddetta seconda annata delle cantate di Bach per Lipsia, composta tra l’11 giugno 1724 e il 27 maggio 1725.
      - In questo periodo Bach realizzò un progetto ambizioso: comporre una serie di cantate costruite intorno a inni della tradizione luterana.
        
        Per questo vengono chiamate cantate corali.
        
        Di norma, la prima e l’ultima strofa dell’inno vengono mantenute intatte nei due cori che aprono e chiudono la cantata,
        
        mentre le strofe intermedie vengono rielaborate in testi più moderni, destinati alle arie e ai recitativi.
    - - Nel primo coro, la melodia viene presentata inizialmente dagli oboi, così da renderla riconoscibile.
        
        Successivamente viene ripresa dalle tre voci inferiori (contralto, tenore e basso) che la modificano ritmicamente e la introducono in momenti diversi.
        
        Questa tecnica è detta imitazione, perché le voci riprendono lo stesso materiale musicale con entrate sfalsate.
        
        Si crea così un intreccio di linee melodiche, chiamato contrappunto.
    - - Il risultato è il contrasto tra la melodia riconoscibile del corale e il movimento più vivace delle altre voci e degli strumenti.
      - Nel corale conclusivo, invece, la melodia ritorna in modo più semplice e diretto.
        
        Le voci cantano insieme e gli strumenti raddoppiano le loro parti, rendendo il testo facilmente comprensibile.
- - - - La gioia e la meraviglia: nel coro iniziale, il ritmo vivace e il movimento degli strumenti esprimono lo stupore per la venuta di Cristo; La contemplazione: nell’aria del tenore, il carattere elegante e pastorale accompagna la riflessione sul mistero dell’Incarnazione.
        
        Il movimento e la caduta: nel recitativo del basso, le note ascendenti e discendenti traducono in musica il significato delle parole; La lotta: nell’aria del basso, l’accompagnamento vigoroso degli archi e il canto energico rappresentano Cristo come eroe che combatte per l’umanità.
        
        La pace e la luce: nel recitativo di soprano e contralto, le voci unite e gli archi sostenuti creano un’atmosfera intima e luminosa; La lode collettiva: nel corale finale, la semplicità dell’armonizzazione e il canto omoritmico favoriscono la comprensione delle parole e sottolineano l’unità della comunità religiosa.
- - - - che si rese conto che Salisburgo, città governata da un arcivescovo e caratterizzata da un ambiente musicale relativamente provinciale, offriva possibilità limitate al talento del figlio.
  - - - Nel 1782 sposò Constanze Weber. Questa scelta rappresenta un aspetto moderno della sua figura:
        
        Mozart voleva decidere autonomamente che cosa comporre e costruire una propria carriera.
  - - - dimostrò una particolare capacità di rappresentare la psicologia umana, cioè i sentimenti, i desideri, i conflitti e i rapporti tra i personaggi.
      - Tra le opere teatrali più importanti di questo periodo troviamo il Ratto dal serraglio (1782), appartenente al genere tedesco del Singspiel,
        
        le tre opere scritte su libretti italiani di Lorenzo da Ponte — Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) e Così fan tutte (1790) — e Il flauto magico (1791), una fiaba musicale.
        
        Il Singspiel è un genere teatrale sviluppatosi nei paesi di lingua tedesca, nel quale si alternano brani musicali,
        
        come le canzoni (Lieder), e dialoghi recitati in prosa. Mozart contribuì in modo decisivo alla sua affermazione alla fine del Settecento.
  - - - Il genere dell'opera buffa, nasce a Napoli all'inizio del Settecento, sviluppatosi poi a Venezia
        
        anche grazie alla collaborazione tra Carlo Goldoni e Baldassarre Galuppi e diffusosi successivamente in tutta Europa.
        
        Nel corso del Settecento questo genere acquistò sempre maggiore popolarità, fino a diventare a Vienna particolarmente apprezzato rispetto all'opera seria.
      - Quest'opera però, non era uguale all'opera seria, sia per quanto riguarda il tipo di storia rappresentata che il modo in cui la musica viene utilizzata:
        
        L'opera seria si concentra soprattutto su personaggi di alto rango, spesso storici o mitologici, e sull'espressione dei loro sentimenti attraverso arie solistiche, nelle quali i cantanti possono mettere in evidenza le proprie capacità vocali.
        
        L'opera buffa, invece, presenta personaggi più vari, appartenenti sia alle classi popolari sia a quelle aristocratiche, e racconta situazioni più vicine alla vita reale. La vocalità è generalmente più naturale e scorrevole, mentre la musica assume forme più flessibili: oltre alle arie, sono importanti i duetti e i pezzi d'assieme o concertati, nei quali cantano contemporaneamente più personaggi.
  - - - al Teatro di Corte, il 1° maggio 1786. È il primo risultato della collaborazione tra i due artisti,
        
        che proseguì con Don Giovanni nel 1787 e Così fan tutte nel 1790.
        
        Le tre opere sono considerate tra i massimi capolavori dell'opera buffa
    - - Da Ponte e Mozart affrontarono un progetto ambizioso: trasformare una commedia lunga e complessa in un'opera musicale,
        
        conservandone la ricchezza degli avvenimenti e dei personaggi.
        
        Da Ponte, nella prefazione al libretto, sottolinea infatti la varietà dell'intreccio e la necessità di utilizzare numerosi brani musicali per esprimere le diverse passioni e rendere più vivace l'azione.
    - - Figaro e Susanna stanno per sposarsi, ma il Conte, attratto dalla ragazza, cerca di conquistarla e ostacola le nozze.
        
        Vorrebbe infatti ripristinare lo ius primae noctis, un presunto diritto del signore di trascorrere la prima notte con la sposa di un proprio dipendente, privilegio che lui stesso aveva abolito.
        
        Figaro, Susanna e la Contessa si alleano per smascherare il Conte e impedirgli di raggiungere il suo obiettivo.
        
        Altri personaggi contribuiscono agli equivoci e ai colpi di scena: Cherubino è un giovane paggio del conte (voce soprano) innamorato della Contessa;
        
        Don Basilio è un maestro di musica e intrigante (tenore); Don Bartolo medico di Siviglia (basso) e Marcellina governante (mezzosoprano), inizialmente si oppongono a Figaro, perché Marcellina pretende che egli saldi un vecchio debito sposandola.
        
        Nel terzo atto, proprio durante il procedimento che dovrebbe obbligare Figaro a sposare Marcellina, si scopre che lei e Don Bartolo sono in realtà i genitori di Figaro.
        
        Questo riconoscimento, chiamato agnizione, è un improvviso svelamento dell'identità di un personaggio che modifica il corso della vicenda e risolve un conflitto.
        
        Il secondo grande nodo si scioglie nel finale del quarto atto, durante una scena notturna ricca di travestimenti e inganni.
        
        La Contessa si scambia i vestiti con Susanna, facendo credere al Conte di incontrare la cameriera. Quando l'inganno viene rivelato, il Conte è costretto a riconoscere le proprie colpe e a chiedere perdono alla moglie.
        
        Il finale ristabilisce le coppie: il Conte e la Contessa, Figaro e Susanna, Bartolo e Marcellina, Cherubino e Barbarina (voce soprano) figlia di Antonio, il giardiniere del Conte e zio di Susanna (voce basso) .
  - - - in Sol maggiore, con andamento Allegro e metro di 4/4.
        
        La scena si apre mentre Figaro misura la stanza destinata agli sposi e Susanna si prova un cappellino che ha realizzato da sola.
        
        In apparenza è una scena tranquilla e domestica, ma la musica rivela subito la personalità dei due e il rapporto di forza tra loro. Mozart assegna ai personaggi due temi musicali distinti:
        
        quello di Figaro è affidato soprattutto agli archi nel registro grave,
        
        quello di Susanna si distingue per il registro acuto e il timbro dei legni. I temi permettono di riconoscere i personaggi anche attraverso l'ascolto.
    - - Figaro conta le misure della stanza, mentre Susanna è concentrata sul cappellino.
        
        La situazione cambia quando lei comincia a richiamare ripetutamente la sua attenzione: «Guarda un po', mio caro Figaro» e «guarda adesso il mio cappello».
        
        La musica rende evidente l'insistenza di Susanna. La ripetizione della parola «guarda» e il martellamento finale su «cappello» distolgono Figaro dal suo compito, tanto che il suo conteggio perde regolarità.
        
        Il tema di Susanna si inserisce in quello di Figaro e lo interrompe: musicalmente, quindi, lei riesce a prendere il controllo della situazione.
    - - Nell'ultima sezione le due voci cantano insieme, sul tema di lei, celebrando la gioia delle nozze imminenti.
      - Quindi l'insistenza di Susanna ha avuto successo e Figaro si unisce al suo canto.
    - - Mostra già il carattere deciso e persuasivo di Susanna, che riesce a ottenere ciò che vuole senza un vero conflitto.
        
        La musica definisce i personaggi e rende percepibile la dinamica del loro rapporto.
        
        Il confronto con la commedia di Beaumarchais aiuta a comprendere il lavoro di Da Ponte e Mozart.
        
        Nella fonte originale, lo scambio relativo alle misure della stanza e al cappellino occupa appena poche battute;
        
        nell'opera diventa invece un duetto articolato. Il testo viene ampliato musicalmente attraverso ripetizioni e temi ricorrenti,
        
        così che una piccola situazione quotidiana acquista un significato teatrale più ampio.
  - - - La Contessa si presenterà al posto della cameriera, travestita con i suoi abiti.
        
        Susanna finge quindi di acconsentire ai desideri del padrone, ma in realtà sta partecipando a un piano per smascherarlo.
    - - è particolarmente utile per capire la differenza tra fase attiva e fase espressiva.
        
        La fase attiva è quella in cui i personaggi dialogano e fanno avanzare l'azione;
        
        la fase espressiva, invece, dà spazio ai sentimenti e ai pensieri interiori, spesso attraverso gli a parte, cioè le parole rivolte idealmente al pubblico e non agli altri personaggi.
        
        All'inizio il Conte si lamenta perché Susanna lo ha fatto languire nell'attesa. Le sue domande insistenti mostrano l'incertezza e il desiderio di ottenere una conferma.
        
        Susanna risponde in modo apparentemente disponibile, dicendo che verrà all'appuntamento. La musica segue questo scambio ravvicinato tra domanda e risposta, chiamato sticomitia, nel quale le battute dei personaggi si alternano rapidamente.
      - Il passaggio dalla tonalità minore a quella maggiore accompagna il cambiamento emotivo del Conte, che crede di aver ottenuto ciò che desiderava.
        
        Nella fase espressiva, infatti, egli canta: «Mi sento dal contento pieno di gioia il cor» . Susanna, però, commenta tra sé: «Scusatemi se mento, voi che intendete amor».
        
        La sua gioia è soltanto apparente: mentre il Conte crede a una promessa sincera, lei confessa al pubblico di stare mentendo.
        
        Questo è il punto fondamentale del duetto. A differenza del duettino iniziale tra Figaro e Susanna,
        
        qui le voci non esprimono davvero un sentimento condiviso.
        
        Anche quando la musica sembra avvicinare i due personaggi, rimane una distanza tra ciò che il Conte crede e ciò che Susanna pensa realmente.
        
        Nella parte successiva, Mozart inserisce un momento comico: incalzata dalle domande del Conte,
        
        Susanna si confonde e risponde per errore «no» invece di «sì», e viceversa, correggendosi subito dopo.
        
        Il lapsus mostra il suo momentaneo impaccio, ma anche la credulità del Conte, troppo desideroso di credere alle sue parole.
        
        Nel finale le voci arrivano a unirsi nelle cadenze, ma questo accordo musicale non cancella il contrasto tra i personaggi. La felicità del Conte resta illusoria, mentre Susanna continua a controllare la situazione.
        
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  - - - cioè un brano nel quale più personaggi cantano contemporaneamente, facendo emergere reazioni e sentimenti diversi.
        
        In questo tipo di composizione la musica permette di seguire una situazione complessa senza interromperla in una successione di arie individuali.
    - - Quando Figaro scopre che Marcellina e Don Bartolo sono i suoi genitori, la situazione cambia improvvisamente: il conflitto si trasforma in una scena di riconoscimento e gioia familiare.
      - Il sestetto inizia come un quintetto, con Figaro, Marcellina e Bartolo che si abbracciano, mentre il Conte e Don Curzio, il giudice (voce tenore), osservano stupiti e contrariati.
        
        I tre familiari esprimono la felicità per essersi ritrovati; i due giudici, invece, commentano tra sé il fallimento della situazione che avevano previsto.
        
        Fin dall'inizio, quindi, la musica mette a confronto due gruppi con sentimenti opposti.
      - La scena cambia con l'arrivo di Susanna, che porta il denaro per liberare Figaro dal debito.
        
        Vedendo Figaro abbracciare Marcellina, crede che lui la stia tradendo e reagisce con rabbia, arrivando a schiaffeggiarlo.
        
        Il gruppo dei familiari commenta la sua reazione con benevolenza, mentre Susanna, il Conte e Don Curzio esprimono la propria collera per ragioni diverse.
        
        La musica rende così contemporaneamente percepibili sentimenti contrastanti.
      - Quando Marcellina spiega a Susanna che Figaro è suo figlio, il malinteso si risolve.
        
        Susanna passa dalla rabbia alla gioia e viene accolta nella nuova famiglia.
        
        La scena finale contrappone nettamente la felicità dei quattro familiari alla furia del Conte e di Don Curzio, che assistono impotenti alla riconciliazione.
        
        Mozart sottolinea questo contrasto anche attraverso gli strumenti: gli archi all'unisono accompagnano il gruppo dei personaggi sconfitti,
        
        mentre i legni sostengono quello della famiglia felice. La musica rende così evidente la divisione scenica e affettiva tra i due gruppi.
    - - vengono ripetute con crescente intensità: la ripetizione musicale amplifica la sorpresa e produce un effetto comico.
      - Quando invece il brano arriva alla conclusione, Mozart mette in risalto la differenza tra il «dolce diletto» della famiglia e il tormento dei due personaggi sconfitti.