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ETHNOMUSICOLOGY A VERY SHORT INTRODUCTION, Capitolo 4 La natura della…

- - - - Oggi la musica viene considerata come una funzione psicologica e sociale e che è una risorsa che le persone utilizzano per varie finalità.
- - - - -La musica ha il potere di dare forza durante le competizioni e battaglie, trasmettendo i valori identitari della propria comunità. -Può anche creare una comunità dove non esiste e
        attivare cambiamenti sottolineando i presupposti culturali e la struttura sociale della nuova società e comunità. -La musica è anche una risorsa comunicativa negli eventi musicali; perciò, l’essere umano l’aveva inventata per celebrare dei progressi delle fasi della vita e del ciclo delle stagioni (es ai suya, popolazione di indiani amazzonici, in ogni cerimonia la musica suonata dice qualcosa sulle persone e su quando è stata creata la musica stessa)
        
        La musica supporta il canto nel momento dei riti e liturgie, con lo scopo di comunicare con gli dei, antenati e spiriti. Ogni suono è specifico accompagnato da poteri speciali
        
        Nella religione Vudù in Haiti, Brasile e Cuba, un pantheon di spiriti viene chiamato per impossessarsi dei devoti attraverso danza, costumi, ritmi e percussioni, c’è una particolare canzone per ognuno di loro; C’è un maestro tamburino che porta avanti la percussione, quando il maestro vede che uno sta
        per entrare nello stato di trance, suona una canzone particolare che aiuta lo spirito a impossessarsi del corpo del devoto
        
        Una risorsa di tutti i giorni per l’identificazione di gruppi
        sociali; della stratificazione sociale come partiti politici o lignaggi reali, o delle categorie come giovani o vecchi, donne o uomini
- - - - Il suo metodo consisteva nel raccogliere campioni di 10 canzoni da 400 culture del mondo, farle valutare secondo 36 criteri musicali (es: livello di coordinazione, forma melodica, volume) da un team addestrato di “valutatori” e poi trarre conclusioni sulle relazioni con le strutture sociali sulla base di analisi statistiche. Ad esempio: gli intervalli brevi sembrano essere frequenti dove c'è maggiore stratificazione sociale, forse dovuto alle imposizioni e alle misure da prendere quando ci si rivolge continuamente a qualcuno di una posizione superiore o inferiore.
        
        lo scopo è quello di creare modelli universali per la prima volta di relazione fra i processi comunicativi e le strutture e gli schemi socio-culturali; questo mal si collocava in un periodo in cui gli etnomusicologi tendevano a a rivolgersi verso a uno studio idiografico; risposero negativamente, dimostrando come questo modello si contradiceva autonomamente; nonostante questo, l'identificazione della musica come comportamento sociale è considerato un punto saldo
- - - - Egli interpretò quindi i saggi individuali degli studenti come un’espressione ritualizzata di individualismo americano volta a validare la professionalità acquisita o a esporre il loro scarso talento; questa enfasi sulla valutazione del talento individuale e preparazione della vita professionale, indicano come il "sistema sociale" consideri quasi sacro riconoscere le abilità= efficacia di scoprire chi avrà successo
        
        questo sistema da una interpretazione etnografica, ma contrasta il modo in cui i soggetti stessi si percepiscono e pensano
- - - - Per Thomas Turino, che ha cercato di spiegare la diversità di interpretazioni del significato musicale attraverso la semiotica, il linguaggio, così come l’analisi musicale e l’interpretazione musicologica, usano i simboli (le seconde nello specifico utilizzano isimboli linguistici), che sono segni con significati specifici e prevedibili.
        
        Per lui i simboli ci distolgono dall'esperienza diretta con la musica e non riescono a spiegare perché la musica sia toccante, ma gli indici e le icone si
        
        Indice: segno che rappresenta ciò che dice; nella musica si verifica quando un brano viene associato e performerato contemporaneamente a qualcos'altro ((es: inno nazionale che rimanda sempre allo stesso messaggio ma è performato nelle situazioni e nei modi più diversi) Allo stesso modo ci sono indici personali, come “la nostra canzone” che può generare sentimenti anche nell’assenza di uno dei due, o quando ormai la relazione si è conclusa.
        
        Icona: è un segno che assomiglia a ciò che rappresenta (“icona” viene proprio dall’ambito religioso, in cui questo si verifica continuamente). Delle comune icone musicali sono i flauti che imitano degli uccelli e melodie ascendenti che rimandano alla gioia o all’ascesa in paradiso e viceversa, e l’improvvisazione stravagante che è icona di libertà individuale o trionfo dell'individuo sul sistema
        
        Turino conclude dicendo che la musica “comprende segni di esperienza e sensazione dirette” ovvero indici e icone. Può essere letta come il linguaggio, ma è un sistema di segni diverso che non si limita a conferire significati, ma permette al pensiero e alle emozioni di rimanere autentiche e dirette
        
        Un altro aspetto che rende la musica così ricca e variegata nel significato è la sua natura complessa di segno. Come segno la musica è composta di vari elementi che possono essere indici, icone a contraddirsi a vicenda (es: moderno popfolk bulgaro)
- - - - L’arte quindi è intesa come “oggetto” che genera emozioni, rimanda a qualcosa che va al di là di essa, possiede elementi degni di interesse e contemplazione che rispettano criteri di eleganza, equilibrio, complessità, e genera esperienze sensoriali che possono essere giudicate esteticamente.
        
        Le prime caratteristiche soddisfano gli etno. ma gli ultimi due no. L’analisi delle caratteristiche formali della musica però è stata riportata ultimamente in voga da Michael Tenzer, nell’obbiettivo ultimo di scoprire i principi comuni che governano la musicalità umana e comprendere e infine scoprire qualcosa della comune umanità. Nel discorso di Kant, le riflessioni si inclinano a degli ideali e gusti, situazioni soggettive e escludendo altri elementi inerenti alla musica
        
        Il secondo problema, per Turino, è il fatto che la musica non è una forma d’arte unitaria, ma si riferisce a diversi tipi di attività che soddisfano bisogni diversi e diversi modi di essere umani. Per lui ci sono 4 diversi tipi di arte musicale: le performance dal vivo partecipatorie, le performance dal vivo presentazionali, le registrazioni fedeli, e le registrazioni in studio. Ogni tipologia va giudicata secondo diversi criteri
        
        Un terzo problema posto dalla definizione kantiana è il fatto che mancano casi etnografici in cui ci sono giudizi estetici sulle proprietà formali o sugli effetti emotivi; in alcune culture poi la musica non è performata con lo scopo di produrre sensazioni gradevoli, ma può essere utilizzata nella cura ad esempio
        
        Un quarto problema è il fatto che ciò che è arte è spesso definito da potenti e influenti istituzioni, come anche quelle in cui lavorano gli stessi etnomusicologi. Definirla metaforicamente come un comportamento sociale che si integra con altri, come un testo, come un sistema di segni o come un’arte non riesce a coprire e a spiegare tutto quello che la musica è, ma è utile a cancellare l’idea che sia un'arte fine a se stessa
- - - - Gli etnomusicologi iniziano con l’evento particolare, ma sperano di arrivare al modello normativo della musica e comportamento sociale che caraterizza l’intero evento come matrimonio e religioso rituale o concerto. L’ultimo scopo è quello della descrizione interpretativo e del significato culturale dell’evento. Un’interpretazione potrebbe far vedere come l’evento diventa sociale o lavoro culturale
- - - - si è scoperto che questo metodo fosse funzionale con le ricercatrici, perché trattate come genere umano-neutro , spesso trovano che le persone con le quali lavorano si fidano di più di
        un’identità di genere definito.
        
        Uno dei problemi legati alla raccolta dei dati è quello descritto da Paul Berliner che lavorò in Zambia nel 1970 con Shona musicista che suona il mbira dzavadzimu. Scopre in una conversazione con un vecchio esperto sullo strumento, che la sua curiosità di etnom per la musica per le persone locali non è neutrale ed è una problematica ricerca di conoscenza. All’inizio gli sono state date risposte contraddittorie alle domande sul sistema e il significato delle chiavi di mbira. Bandambira, finalmente convinto della sua sincerità gli ha dato i veri nomi. Non sempre accade che le persone locali non si fidano degli ento
        
        Agli aborigeni di Australia, Stati Uniti e Canada i ricercatori solitamente devono chiedere permesso al consiglio della comunità. Oggi gli etnom negli Stati Uniti devono sottoporre un protocollo dettagliato per far approvare la loro università. Con la comunità selezionata si stabilisce un rapporto di fiducia e un piano per il trattamento etico dei membri della comunità.
- - - - Queste distinzioni significative erano prese in prestito dei linguisti della loro sub disciplina della fonetica. Lo studio del linguaggio sonoro ha portato l’antropologia cognitiva ed etnomusicologia a distinguere distinguere tra etic e emic
        
        Gli etno. hanno capito che uno dei principali metodi per comprendere la musica, bisogna incominciare dall’uso della trascrizione del suono alla musica europea nazionale. Per analizzarla si utilizza la teoria della musica europea (intervalli , modi, metrica), e potrebbe produrre una etica musicale
        
        Una delle più importanti applicazioni di questo metodo è quella del francese Zemp pubblicata nel suo studio del 1970, una classificazione strumentale e una musica teorica, della popolazione Are’are della isola Salomone. Loro non hanno un sistema di scrittura, ma hanno degli elaborati sugli strumenti basati sul flauto Pan da Bamboo. Zemp ha classificato questi flauti in base al modo di come vengono suonati (analoga alla teoria musicale). Distinguono anche altri tipi di polifonia basata sul numero di parti e la relazione tra le parti. Nell’intervista è inclusa anche una storia orale della biografia dei musicisti, che racconta la parentale fra di loro e la loro esperienza musicale e valoriate
- - - - Il concetto per cui lo studio dovrebbe essere elemento centrale del campo di lavoro è stato proposto da Mantle Hood. Studente di Kunst, lui dice agli etnom di essere bi-musicali, innanzitutto nella tradizionale musicale europea, poi in quella che andranno a studiare. Ora è uno strumento dato per scontato e applicato appena possibile
        
        Gli etnom hanno imparato come la musica viene strutturata e creata nella performance. Questo studio dettagliato spesso scopre aree di pratica musicale che potrebbero essere lette per il significato (es. esperienza di Ryce in Bulgaria).
- - - - Prima della WWII, trascrivevano in notazione europea e ascoltavano, ma nel 1950 vengono inventati piccoli registratori portatili. Alan Lomax e suo padre hanno registrato il folklore americano usando attrezzi pesanti per la registrazione
        dell’epoca e ha permesso loro di avere un’analisi accurata e strutturata.
        
        Simha Arom ha inventato negli anni ‘70 una tecnica per registrare. I musicisti cantano suonano in molte parti, ma come queste parti sono legate tra loro, è impossibile capirlo da un ascolto semplice. Arom registra il pezzo di uno
        strumento in sequenza usando due stereo registratori sincronizzati tra loro. Questo continua finché ogni musicista ha la possibilità di performare. È così che sono stati risolti i problemi incontrati con la trascrizione della musica polifonica Centro-Africana del gruppo Aka.
        
        Nel 1970 gli etnom hanno avuto strumenti di registrazione di alta qualità; uno dei pionieri era Lomax che ha fatto molti LP . Prima delle VHS, fino al 1983 documentare performance era molto costoso; prima gli etnom maggiormente usavano un film costoso e durava 16 minuti, ovviamente chi aveva la possibilità di permettersi.
- - - - Oggi le trascrizioni non sono solo raccolte dei libri ecc, ma sono usate per illustrare la narrativa dell’autore, che potrebbe includere la caratteristica della struttura musicale del pezzo, performance, stile o genere, poi va a discutere di come la struttura musicale viene espressa dalla psicologia locale,
        culturale, sociale, economica, politica e idee.
        
        Alcuni studi in questa linea potrebbero essere accusati
        di abbandonare l’analisi musicale in favore di una lettura interpretativa del significato sociale
        
        la maggior parte degli etnom sono d’accordo che è necessaria l’analisi musicale per comprendere come una particolare tradizione funzioni.
- - - - Oggi gli etnom fanno e pubblicano le loro registrazioni da una parte in un ambiente conflittuale che richiede la difesa del copyright e possesso europeo e americano e dall'altra un’etica di semplificazione che ignora questa richiesta.
        
        il caso di Hugo Zemp e le sue registrazioni nelle isole
        Salomone, che furono usate negli anni ‘90 dai Deep Forest. Anche se gli etnom vogliono trattare giustamente le registrazioni degli artisti, la domanda su chi possiede la musica può essere difficile.
        Mentre la legge internazionale del copyright esiste per proteggere un singolo lavoro creativo di un autore in forma tangibile come registrazione, in molte culture l’idea della proprietà non esiste.
- - - - Cina: molti trattati parlavano della natura fondamentale della musica nella vita umana. Si pensava che Confucio fosse musicista, credeva che l’esercizio, specie suonare nei riti, avrebbe coltivato giuste qualità nelle classi dominanti. Furono tra i primi a stabilire frequenze fisse.
        
        Nel primo medioevo, SantAgostino credeva che la performance musicale era un modo per l’umanità di raggiungere l’aldilà della mondanità e di contemplare la divinità. Boethius nel De institutione musica include l’idea che la
        performance musicale ha implicazioni etiche.
        
        In India, molte forme di pratica e conoscenza dovevano
        essere legittimate dalle dottrine logiche e discorsi ragionati. I trattati speculano sulla metafisica e le fonti creative di energia in vibrazione.
        
        Nel Medio Oriente dal VII-XIII, erano stati fatti importanti lavori
        sulla musica in arabo. Ispirati dalle letterature greche gli studiosi hanno fatto diventare la musica l’argomento centrale della loro enciclopedia e altri lavori. Abu Nasr al-Farabi ha scritto un saggio
        importante sulla teoria della musica (Il grande libro della musica) Abu al-Faraj al-Isfahani ha compilato un libro sulle pratiche musicali dell’epoca. Includeva aneddoti sugli eventi musicali e pratiche sociali e culturali che guidano le esibizioni musicali.
- - - - L’interesse europeo per la musica delle altre popolazioni è anche stato stimolato dall’illuminismo che era l’acquisizione di conoscenza universale senza gli ostacoli della tradizione e dogmi. Es. Dizionario della musica di Rousseau che conteneva
        nozioni della musica dei nativi americani e cinesi. Varie opere etnografiche.
- - - - Impeto a studiare ciò per un enorme quantità di valori rurali e
        tradizionali verso l’urbanizzazione e l'industrializzazione (es. Bartok).
        
        -Nel 1947 il bisogno di una cooperazione internazionale ha creato le nazioni unite, parallelamente in Europa nasceva il consiglio internazionale (IFMC affiliato ad Unesco) per la musica folkloristica
        
        Nel 1960 in Africa e altre parti, nuove nazioni si sono liberate dalla dominazione imperialista; perciò, lo studio di nuove musiche nazionali si era diffuso in ogni angolo del pianeta e generi di musica non propriamente conosciuti
        come musica folk.
        
        -Oggi IFMC ha cambiato il suo nome in consiglio per la musica tradizionale, nella quale è diventato un importante istituzione che supporta un dialogo internazionale tra gli studiosi che studiano la musica della loro nazione.
        
        Negli USA l’iniziativa di collezionare musica tradizionale non era legata al nazionalismo, ma a studi etnologici sui nativi (Alice Cunningham Fletcher, Frances Densmore).
- - - - -Storico: Il primo riguardava la storia della musica europea -Sistematico: era a sua volta diviso in una moltitudine di sottocampi che includono la teoria della musica,
        pedagogia, estetica e la musicologia comparativa (sottocapi della musicologia). Queste due concezioni sono intesi come lo studio della musica europea= quindi l'etno. non è più un suo sottocampo
        
        musica comparativa: è conosciuta per il lavoro di comparare dati
        forniti dei diplomatici e missionari sulla pratica musicale della popolazione locale.
        
        Fondamentale fu l’invenzione del fonografo nel 1877 (le prime registrazioni sono attribuite a Walter Fewkes e gli studi dei nativi americani)
        
        La comparazione è incentrata su 5 tematiche principali:
        1) l’origine della musica;
        2) evoluzione della musica;
        3) comprensione della distribuzione musicale stile e opere d’arte in giro per il mondo;
        4) comparazione di stile di analisi musicale;
        5) la classificazione e la quantificazione del
        fenomeno musicale, come tono, scala e strumenti musicali.
        
        Cercano di dimostrare come gli elementi musicali come scale e modi, ritmi, armonie e forme e strumenti evolvano da semplici a complessi e da pochi toni a molti, da singola linea di melodia a più parti di polifonia. Hanno immaginato una musica storica e universale che culmina nell'europea. I musicologi hanno discusso sulle distribuzioni delle similitudini delle caratteristiche delle musiche e strumenti in giro per il mondo legate alla monogenesi, causata dell’invenzione in un unico posto e la poligenesi, la distribuzione in molti posti.
        
        Questa teoria viene ricordata come "circolarità della cultura" (conosciuta dagli etno. tedeschi), sostenendo che più di una forma era diffusa da più tempo esisteva (es: distribuzione più grande nel mondo sono i flauti suonati in punta.)= riduzione della comparizione, dinamico e processo temporale della musica a un prodotto fissato con la melodia, ritmo,trama e forma
        
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- - - - Questa nuova disciplina ha catturato lo spirito e la lunga storia iniziata con gli studiosi di antica Grecia e Cina che intuirono il significato della musica nella vita umana.
        
        Bruno Nettle nel 1954 nel suo America del Nord e stile musicale indiano ha analizzato strutture simili e differenti di tribù vicine per creare classificazione regionale e stili musicali. Il continuo interesse per le analisi mus era rispecchiato dai fiorenti articoli nel nuovo giornale etnom, su come trascrivere i suoni in una musica nazionale e si scontrano problemi legati all’affidabilità (due persone che trascrivono lo stesso pezzo ottengono lo stesso risultato), la validità (le nazioni europee possono riflettere sulla complessità della ritmica e melodica della musica creata per la tradizione auditiva).
        
        il problema della trascrizione è stato superato perché gli etnom hanno rinunciato agli studi della mus comp a favore di un profondo lavoro in campo basato su studi ideografici sulla musica culturale.
        
        Anche se l’analisi mus non era stata abbandonata completamente, lo studio antropologico della cultura si è diffuso molto quando nel 1964 Alan Merriam ha pubblicato Antropologia della musica. Nell'etno. lo studio richiede due livelli analitici concezione della musica e "comportamenti legati alla musica", livelli che non sono stati affrontati a quel tempo con le stesse attenzioni attuali
        
        il contributi di Merriam era la lista di 12 aree di inchiesta e di problema, che hanno caratterizzato la doppia natura di etnom e l’intento di conoscere l’uomo in quanto produttore di musica. Con questo studio ha sperato di stimolare gli etnom ad
        adottare un nuovo approccio nella ricerca.
        
        Queste 12 aree erano:
        1) concetti culturali condivisi della
        musica;
        2) la relazione tra il sonoro e altri modi di percezione;
        3) il comportamento fisico e verbale in relazione con la musica;
        4) i musicisti come un gruppo sociale;
        5) imparare e insegnare della musica;
        6) il processo di composizione
        7) lo studio del testo della canzone;
        8) l’uso e la funzione della musica;
        9) la musica come comportamento simbolico (il significato della musica);
        10) estetica e interrelazione delle arti;
        11) la storia della musica e della cultura;
        12) la dinamica della musica e della cultura.
- - - - la etnom matura dal 1978 in poi si è mossa verso lo studio
        urbano, popolare e forme ibride, fusioni, comprendendo tutti i tipi di musica. Abbracciando la musica moderna sono riusciti a fornire risposte convincenti alle domande sul perché e come l’essere umano è musicale.
        
        I primi a muoversi verso questa direzione scaturivano dal movimento dei diritti civili e femministi, così gli studiosi hanno iniziato a prendere come oggetto di studio donne e minoranze etniche. Domande: perché le musiche delle donne non sono state incluse nella storia standard della musica o l’etnografia di una particolare cultura musicale?
        
        questi studiosi hanno lanciato una critica dello studio etno. degli altri specialmente contribuendo alla struttura di potere e egemonia nell’accademia. Un altro sviluppo riguardava ’interesse etnom in tutta la musica e “musica come cultura” e l’effetto che ha avuto sul lavoro di studiosi di tutto il mondo che studiano la musica locale. Oggi il paradigma dello studio locale tradizionale, molti tra cui quelli dell’università americani inglesi e australiani, stanno tornando sulle domande sul significato e la funzione della musica nelle loro società, sulla nozione della cultura musicale; abbracciano il multiculturalismo e lo studio della musica della minoranza etnica
        
        In alcune parti ci sono tensioni riguardo a queste due tematiche ma in parti locali e internazionali si stanno mescolando e creando dialoghi sulla questione di come l’essere umano è musicale.
        
        Dal 2000 è tornato l’interesse per la comparazione, l’evidenza di questo si vede Deep listeners: music Emotion, And tracing , music as Social Life, And Music And Technoculture. Libri come questi invitano comparazione radicate nelle teorie scientifico-sociali invece di metodi comparativi. È necessaria la comparazione se gli etnom vogliano bilanciare la loro funzione in modo che la musica funziona in una particolare cultura.
        
        Il campo ha ottenuto un solido rispetto, e in qualche modo un posto marginale nell’università del mondo inglesi, e un crescente riconoscimento nell’università in giro nel mondo.
- - - - Tra gli anni ’80 e 2000 ci si rivolse al discorso di genere e alla musica, all’effetto dei media e della tecnologia sulla musica,
- - - - Solitamente tutti possono imparare la musica, che sia un’attività di routine per i bambini, un requisito per il passaggio all’età adulta o un elemento indispensabile per socializzare in età adulta. Un esempio, i nativi di Flathead, Merriam scoprì che ogni uomo doveva imparare una canzone nel corso della loro “ricerca della visione” adolescenziale, in cui privati di sonno e di cibo e vagando in natura, avrebbero scorso uno spirito sotto forma di animale, che gli avrebbe cantato una canzone man mano più chiara conl’avvicinarsi dei due. Ricorrendo a questa canzone “personale” nel momento del bisogno avrebbe avuto fortuna in amore, nella vita e nel gioco.
        
        Nelle società, come quella Euro-Americana, in cui per tutti è possibile in qualche modo imparare la musica, soprattutto pagando, quella ineguale distribuzione di capacità, abilità e interesse è solitamente attribuita al talento, oppure nel caso di esperienze musicali legate all’infanzia, si parla di eredità e genetica (è il caso delle famiglie dei Jackson, dei Mozart)
        
        Imparare la musica è spesso un’attività collegata al contatto col sovrannaturale o con i sogni, come tra i Flathead o più comunemente come avviene con i cosiddetti sciamani (sapere musicale). Anche quando però la musica è accessibile a tutti, certe parti del repertorio di quella cultura potrebbero essere limitate solo ad alcuni a seconda di razza, ceto, etnia, età e soprattutto genere.
- - - - Gli etnomusicologi poi hanno dimostrato che la performance musicale aiuta a costruire l’identità sociale fornendo un limite sonoro, una differenza tra gruppi etnici o sociali. Per Chris Goertzen i piccolo gruppo di etnia Occaneechi in North Carolina ha cercato di usare la musica in questo modo: come altre tribù della North Carolina essi hanno perso le loro tradizioni musicali e adottato il powwow delle pianure negli anni ’60 per affermare la propria identità contro la cultura bianca che gli veniva imposta. Gli Occaneechi sfortunatamente adottarono il powwow e la sua musica molto tardi rispetto agli altri e sono stati rifiutati dalla commissione per gli affari Indiani dello stato per la loro performance non adeguata.
        
        Allo stesso modo, così come la musica aiuta a costruire confini, può servire a sbiadirli all’occorrenza, come quando una chitarrista rock sfascia il suo strumento sul palco per per contraddire le norme che regolano il suo comportamento
- - - - Nella cultura euro-americana invece i cori femminili sono composti con l’intento di creare uno spazio sicuro di cooperazione e indipendenza che può spingere verso il cambiamento. Questa potenza attribuita alla musica è dovuta ai suoi poteri "magici" con cui riesce a comunicare con il mondo sovrannaturale
        
        Un'altra questione importante è il modo in cui la musica partecipa dell’inculturazione delle identità di genere. Tra gli albanesi musulmani del Lago Prespa in Macedonia il canto è polifonico e composto di parti femminili cantate in un modo e parti maschili cantate in un altro, che riflettono (sono quindi “icone”) nelle modalità il comportamento che gli è richiesto (le donne cantano in una maniera più controllata rispetto agli uomini)
- - - - Negli anni ’60 il neurobiologo Andrew Neher affermò che la trance era una diretta conseguenza della musica, per poi essere smentito 20 anni dopo da Gilbert Rouget e dal suo studio comparativo: in primo luogo egli notava che non tutta la musica che porta alla trance è strutturata allo stesso modo (es: percussioni ripetute e forti) sebbene quelle caratteristiche definiscano la cosiddetta “trance music”; in secondo luogo non tutti quelli sottoposti a quella musica cadono in trance, lo fanno solo alcuni e quasi mai i musicisti.
        La trance, per lui, è un comportamento sociale indotto dalla congiunzione di diversi elementi, presso i Tumbuka del Malawi, ad esempio quelli che cadono in trance sono “trancers” allenati,
        
        comprendere la trance dal punto di vista di chi cade è complesso. Nel rituale di guarigione presso i Tumbuka chiamato vimbuza Steven Friedson ha suggerito che la musica crea uno spazio mentale dove gli spiriti possono “vedersi” e dove è messa in pratica la divinazione attraverso uno stile che può variare ma che porta a sfocare le barriere percettive fra soggetto e oggetto, giocando tanto sul tema del doppio. Per R. la musica stimola la trance, ma non la causa
        
        Judith Becker afferma che gli “ascoltatori profondi” che vengono spinti alle lacrime da certi brani intensi nella nostra cultura non sono poi così diversi da quelli che cadono in trance. Riconosce ovviamente l’elemento sociale e culturale dell’esperienza, ma afferma che ci sono delle capacità o delle disposizioni (es: sensibilità emotiva, resistenza allo sforzo, predisposizione alla perdita di sé) che accomunano le persone che, nei modi più diversi, reagiscono emotivamente alla musica.
        
        L’etnografia musicale però si concentra sui casi singoli e non si occupa di generalizzazione, cio nonostante lo studio di casi singoli porta a deduzioni di carattere generalizzante sulla natura della musica che sfidano neurologi, biologi e psicologi e la loro mancata attenzione verso la cultura e la specificità.
- - - - Gli etnomusicologi non studiano solo le forme ibride che si creano a seguito di ciò, ma anche il modo in cui i musicisti locali le usano per migliorare le condizioni sociali e personali e resistere alla distruzione socio-culturali. La globalizzazione ha infatti creato gravi svantaggi per gruppi e individui e si teme che la mercificazione, insieme alla grave disparità di ricchezza fra est ed ovest, tolga potere ai musicisti locali e finisca per far sparire quelle pratiche musicali che invece non sono mercificabili; ma tutto questo finisce inevitabilmente per produrre musica, in quanto le conseguenze della globalizzazione richiedono una “cura” musicale alle crisi di identità sociale e personale
        
        Steven Feld ha scritto che la globalizzazione musicale è sperimentata e narrata sia in termini positivi che negativi, in quanto si possono avvertire segnali sia di diversità musicale aumentata che diminuita. Sebbene alcuni etnomusicologi si preoccupino degli effetti omologanti della globalizzazione, altri celebrano la capacità dei musicisti locali di reagire in maniera creativa agli effetti dirompenti
        
        La musica commerciale creato da artisti europei e americani considerati degli approfittatori del divario economico con i musicisti collaboratori è un'altra questione attuale moderna. Es: Gli album di Simon che dipendono dai musicisti e gli stili musicali del Sud Africa e del Brasile sono una lama a doppio taglio: il denaro, il prestigio e il copyright è di Simon mentre i musicisti locali godono piuttosto di gloria riflessa, che possono utilizzare localmente. Feld si preoccupa che possa essere guidata da un controcanto di potere, dominio e controllo
        
        Nell’analizzare l’album Graceland e la sua ricezione, Louise Meintjes ha trovato una situazione complessa e delicata a più livelli:
        -tra i neri c’era chi si rallegrava di questa esposizione internazionale
        -chi guardava con sospetto temendo che questa mercificazione delle loro tradizioni avrebbe tolto alla comunità questo loro elemento caratteristico, con eguale sospetto quelli del movimento per la liberazione
        -per i bianchi conservatori migliorava le espressioni culturali africane e sfidava la “stupidità” delle misure prese in Sud Africa; per i liberali una “porta sul futuro” e una forma di rispetto.
        
        Gli etnomusicologi stanno documentando come i musicisti immigrati nelle metropoli del mondo si inseriscono nella categoria commerciale della world music; essi sono spesso sconnessi dalla loro terra d’origine, ma nemmeno ancora connessi o perfino marginalizzati in quella d'acquisizione= queste musiche si espongono a livello mondiale; quindi si confrontano con tante influenze musicali sulle quali formare un proprio stile, al fine di cercare manifestazioni tradizionali e autentiche
        
        Nel rivolgersi alla musica popolare americana, ci si imbatte in un problema dato dal metodo etnografico: i fan, i produttori, i proprietari dei club e i musicisti sconosciuti è possibile studiarli, ma i grandi nomi non accettano di farsi studiare, intuendo che non ci sia nulla da guadagnare se non uno scrutinio critico. Ci si avvale quindi spessissimo di archivi, analisi di registrazioni e interviste preesistenti
- - - - Il riconoscere l’importanza dei media e della tecnologia, non solo in quanto mezzo di registrazione ma come fatto fondamentale della vita musicale moderna, ha portato alla cosiddetta “tecnocultura” (René Lysloff). Suggerisce che si studi la tecnologia musicale tanto quanto le performance musicale non-mediate.
        
        Un tema piuttosto attuale riguarda l’inserimento di strumenti elettronici nelle performance e nei complessi musicali tradizionali, per fare in modo che suonino “più moderni”. Alcuni hanno lavorato su come le persone utilizzino prodotti musicali come i dischi, le audiocassette e i CD preesistenti per creare nuovi prodotti, performance live. Charles Keil, pioniere in questo studio, sottolinea il tentativo di umanizzare i processi meccanici, che cerca di restituire il controllo del processore
        
        Alcuni etnomusicologi si sono concentrati sui contesti di produzione musicale, come gli studi di registrazione, che si rivelano interessanti luoghi di manipolazione e creazione musicale. Anche le piattaforme musicali sono oggetto di studio
- - - - Nel caso dell’HIV la musica invece è stata utilizzata come strumento di informazione in certe parti dell’Africa dove l’ignoranza (talvolta voluta) delle persone sul tema è diffusa
- - - - Una delle scoperte più amare è stato il rilevare come la musica sia spesso uno strumento adoperato fra gruppi per antagonizzare, esacerbare le differenze e perfino terrorizzare; non necessariamente una forma espressiva di risoluzione, pace e guarigione. Un esempio è l’Irlanda del Nord durante i Troubles, e la creazione di una tradizione “Ulster-Scots” che enfatizzava il suono di pifferi e tamburi e la performance minacciosa e militare.
        
        Ciononostante, è più facile trovare esempi positivi, in cui la musica diventa un ponte o uno spazio per il dialogo e la mediazione pacifica (come nel caso di Brasiliani e nativi Suya).
        
        Infine, ci sono stati degli studi incentrati sui territori completamente devastati dalla guerra. Durante l’occupazione sovietica dell’Afghanistan molti musicisti sono stati uccisi o sono emigrati, le scuole di musica, le università e le radio sono state profondamente indebolite e il tipostesso di musica e i suoi temi sono stati modificati e politicizzati. Nel 2005 nessuna donna è stata istruita in musica, e gli insegnanti dimusica erano difficili da trovare poiché quasi tutti emigrati.
- - - - Questo fenomeno è fisico ed emotivo, intimamente connesso all’esperienza della “verità” e sprona questi studi a rivolgersi alle sensazioni, alle emozioni e alla fisicalità. Ad esempio, Tina Ramnarine descrive l’acustemologia dei Sami, che eseguono il joik (vocalizzare con frasi irregolari ed un particolare timbro vocale che sale con picchi microtonali), per “manifestare” persone, paesaggi ed animali, per portarli vividi innanzi a sé, collocando se stessi all’interno dell’ambiente; Sami associa questi suoni anche a dei rumori di macchine . Da questo tipo di studi e lavori è nata la possibilità di un’ “etnomusicologia ambientale”
        
        Nancy Guy spinge, analogamente, per una sensibilità che sia “ecocritica” nel campo dell’etnomusicologia. Fa riferimento nei suoi studi alla musica popolare Taiwanese e alle canzoni dirette alla natura, al fiume Tamsui. prima della WWII queste cantavano il fiume con amore e rispetto, dopo diventò inquinatissimo e addirittura schermato da alte mura. Negli anni’80 fu nuovamente oggetto di canzoni che ne denunciavano le condiizoni. Guy si chiede se l’“ecomusicologia” possa essere effettivamente una risorsa utile alla nostra sopravvivenza
- - - - Gli etnomusicologi sono spesso incaricati di curare e allestire concerti e festival che propongono artisti delle culture da loro studiati. Un esempio del lavoro degli etnomusicologi nel mondo del cinema è il ruolo che ha avuto WandaBryant nell’assistere il regista James Cameron per il film Avatar, nella quale B. raccolse centinaia di di campioni da tutto il mondo
- - - - Al di fuori dell’università, il loro lavoro può essere volto al miglioramento delle condizioni di gruppi minacciati dal conflitto, dalla guerra, dalla disuguaglianza, dalla malattia.
        
        Oggi ci si approccia al mondo della musica per come è, non per come si vorrebbe che fosse: sono stati abbandonati i pregiudizi sulle nuove forme musicali che sono il risultato di mutate condizioni politiche e sociali, le si accoglie con interesse. Lo studio della musica tradizionale ha insegnato agli etnomusicologi la funzione psicologica e sociale della musica, aprendo la strada lla comprensione dell’esplosione moderna e postmoderna delle nuove forme musicali che accompagnano le trasformazioni repentine e i disagi del mondo moderno.
- - - - Nel 1960 Alan Merriam la definì come lo studio della musica
        nella cultura, per poi implicare lo studio della musica come un aspetto universale dell’attività umana.
        
        Negli anni comincia a esserci un interesse verso questo campo, ma inizia a essere complesso durante l'epoca moderna: causa la frammentazione e la ricombinazione di molte società e culture= gli individui trovano vantaggioso fuggire dalle proprie radice, oppure creano gruppo sottocultura o microculturali; questo avvenimento porta ad abbandonare il nome stesso del campo
  - - - Problema della prima definizione: Jaap Kunst nel 1950, ne limitava la portata= “l'oggetto di studio dell'etnom, o come era chiamato in origine musicologia comparata, è la musica tradizionale e gli strumenti musicali di tutti gli strati culturali dell'umanità, dai popoli primitivi alle nazioni civili. La nostra scienza indaga quella tribale e popolare in ogni genere, ma la musica d'arte europea e popolare non appartengono al campo. La definizione lo studio delle forme tradizionali di musica non occidentale o mondiale presenta vantaggi: facile da capire per i non specialisti ed è una descrizione accurata, nei limiti, di ciò che fanno effettivamente gli etnom. Si usa quando altri chiedono cosa sia la loro ricerca. Ma non è una definizione molto popolare all'interno del campo, perché pone l'Occidente al centro ed emargina la stragrande maggioranza degli esseri umani.
  - - - metodo: gli etnomu chiedono domande sul campo ai musicisti su cosa significhi la musica per loro, invitandoli a dormire un "discorso ragionato", in effetti diventare musicologi. Tuttavia sarebbe coretto definire l'etno. come una disciplina accademica basato su un discorso ragionato a parole sull'intera gamma, in tutti i luoghi e periodi di tempo, della produzione musicale umana.
        
        definire l'etnom non è cosa semplice perché ogni definizione ci dice qualcosa di diverso da ciò che fanno le
        persone che si definiscono etnom e ciascuna è utile per specificare gli obiettivi intellettuali del campo, il suo argomento, i suoi metodi e le pratiche effettive o le sue differenze rispetto ad altri campi.
- - - - Gli studi rivolti agli innovatori musicali tendono ad avere un approccio storico e contestuale quindi, come agenti di cambiamento che riflettono cambiamenti sociali. Sono più frequenti gli studi rivoli a personaggi chiave nella tradizione (personaggi popolari e importanti o particolarmente rappresentativi di quello stile). Quindi questi studi sono più rivolti a musicisti eccezionali, ma altri si sono anche concentrati ai performer per osservare come riescono a coinvolgere gli ascoltatori
        
        Si sostiene, nella disciplina, che anche gli ascoltatori, gli organizzatori, i produttori e i tecnici del suono andrebbero considerati musicisti e che anche questi meritino di essere studiati sul serio, cosa che in pochi lo hanno fatto
        
        Un esempio è il lavoro di Lise Waxer su alcuni inprenditori che avevano aperto delle salsoteche a Cali, Colombia, negli anni ’80, che intendevano unire la gente meno abbiente e gli intellettuali di sinistra lasciati fuori dai locali di musica dal vivo associati ai cartelli e ai loro proventi.
- - - - Infine, gli etnomusicologi oggi si rendono conto della portata della loro presenza sul campo, come interlocutore e si includono nella narrazione. Un esempio particolarmente evidente è quello Katherine Hagedorn e del suo lavoro sulla santeria afro-cubana che inizia con un sogno riguardante uno spirito religioso
- - - - i primi studi si concentravano sul contatto fra le culture del nuovo mondo e i colonizzatori europei e i loro schiavi. Gli etnomusicologi presero a prestito il termine “sincretismo”(Convergenza di elementi ideologici appartenenti a dottrine religiose e filosofiche diverse in un nuovo sistema) dagli studiosi delle religioni per dare un nome a quelle forme musicali degli schiavi africani e dei loro discendenti associate alle nuove pratiche religiose che fondevano con elementi del cattolicesimo e l'animismo africano
        
        Col tempo queste forme si combinarono nelle melodie e armonie di derivazione europea e crearono la grande varietà di tradizioni popolari latinoamericane (es: somiglianza delle musiche africane con quelle spagnole nel 500\600). gli etnomusicologi ritengono che il fattore determinante al sud sia stato il ruolo della chiesa romana cattolica, che favoriva i sincretismi nella teologia e nella musica, in contrasto alle pratiche religione pagane africane forzando l’espressione degli africanismi in canali diversi come gli spiritual, le canzoni da lavoro, e dopo jazz e inni gospel
        
        Gli studi negli ultimi trent’anni tendono a guardare al cambiamento nella cultura musicale come qualcosa di naturale, che si è sempre verificato e non un “sintomo di declino”.Le persone hanno sempre utilizzato le loro tradizioni musicali in modo dinamico e inventivo e strategico, a seconda delle circostanze e esigenze
        
        Più che i contatti fra culture, oggi si studia più frequentemente il cambiamento interno alle culture e alle società, specie in occasione delle migrazioni urbane, dell’educazione universale dell’industrializzazione e del capitalismo, delle ideologie come il nazionalismo e il comunismo, e della globalizzazione= in questo caso si creano delle dinamiche fra gli i potenti e gli oppressi, la creatività degli individui o l’effetto sulla musica delle situazioni economiche
        
        Gruppi folk: dopo la scomparsa delle vecchie credenze di magia e misteri contadini, nascono questi nuovi gruppi per esibirsi ai festival diventando un genere nostalgico
        
        Un’altra teorizzazione sulle cause delle trasformazioni musicali si basa sulla produzione musicale; uno dei più chiari esempi di questa posizione Marxista è lo studio di Peter Manuel sulla “cultura delle cassette” in India. Con l’avvento delle cassette come mezzo di produzione e l’attrezzatura per creare registrazioni essendo economica e facile da reperire, si raggiunsero più fette della popolazione e stimolò un rinnovato interesse per la musica “tradizionale” regionale,
        
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        Gli etnomusicologi infatti tendono a pensare che l’ambito musicale e le sue pratiche risentano deicambiamenti circostanti, con le vecchie forme musicali che si adattano, si rinnovano ecc. Es: anni 50 in USA creò un senso di ottimismo intorno all’idea di poter guadagnarsi l’uguaglianza che non trovava nessun riscontro nella musica di quelle comunità: il gospel
        
        Nell’ex Yugoslavia negli anni ’60 emerse la “nuova musica popolare” che, per Ljerka Rasmussen esprimeva il bisogno di creare un ponte fra la società rurale e quella urbanizzata e di percepirsi come moderni ed europei Quando la Yugoslavia si dissolse negli anni ’90, ciascun paese prese dal suo stile qualcosa che andasse a rappresentare le sue tendenze nazionalistiche
        
        A volte è un interesse specificamente accademico o politico che guida i cambiamenti musicali. In Bulgaria durante l’epoca comunista dal ’44 all’89 l’intelligentsia si appropriò della musica contadina bulgara per farne un simbolo d’identità nazionale, trasformato in una forma orchestrale con armonie tonali europee; un modo per conservare la tradizione