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AVANGUARDIE - Coggle Diagram

- - - - Colore: Usato in modo arbitrario, violento, puro e innaturale, separato dal suo scopo descrittivo; è l'elemento visivo indipendente
      - Forme: Semplificate, appiattite e con contorni netti
      - Tecnica: Abolizione di prospettiva, profondità, chiaroscuro ; pittura a macchie pastose
    - - Ritratto di Madame Matisse, 1905, Matisse
        
        primo piano della moglie
        
        no disegno preliminare
        
        pennellate energiche
        
        colore a macchie dense e informi
        
        fascia verde di colore dalla fronte al collo separa il volto in porzioni dalle cromie diverse. per svelare luci e ombre del soggetto
        
        sfondo tripartito
      - Lusso, calma e voluttà, 1904, Matisse
        
        influenzata dal puntinismo di Seurat nell’uso di piccoli tocchi di colore
        
        contrasto tra la violenza espressiva e la serenità
        idillica del soggetto dipinto
        
        Tratto dalla poesia Invito al viaggio di Charles Baudelaire, è un armonioso paese ideale
        dove appunto “tutto è ordine e bellezza, lusso, calma e voluttà”
        
        gli aranci, i gialli, i verdi e altri colori
        mantengono tutti i propri posti discreti sul piano dell’immagine, non fondendosi mai del tutto come nel puntinismo
      - La gioia di vivere, 1906, Matisse
        
        forti contrasti visivi
        
        nudi di Matisse sono in una beatitudine sensuale, collegati tra loro e al paesaggio da una sinuosa rete di
        linee curve e di colori vivaci non naturali
      - Montagne a Collioure (1905), Derain
        
        pennellate isolate, influenzate dalla pittura
        divisionista, per strutturare gli alberi e il terreno del suo paesaggio
  - - - OPERE
        
        "Lo sguardo rosso" Arnold Schönberg
        
        volto maschile frontale al centro della tela
        
        ieratico e severo
        
        ridotto a forma elementare di un triangolo
        
        solo pennellate essenziali
        
        suggestione arte africana e maschere
        
        forse autoritratto
        
        Max Pechstein, "Plein air", 1910. Olio su tela
        
        imitazione di Gauguin e Cezanne
        
        no prospettiva
        
        stilizzazione delle figure
        
        campiture regolari
        
        colore denso
        
        colori stesi diversamente, ad esempio, il cielo è frutto di più operazioni rispetto alle macchie di colore che compongono le figure
        
        Erich Heckel, Franzi con la bambola, 1910
        
        bambina che non si atteggia come tale, ha la seduzione negli occhi
        
        denuncia della società
        
        ombra di gambe di un uomo dietro
        
        "Marzella", 1910, Kirchner
        
        modella dell'artista sul divano
        
        tristezza data dal formato e dal colore
        
        toni freddi che dimostrano la capacità di enfatizzare le sensazioni con il colore
        
        "Marzella" 1908, Kirchner
        
        corpo fanciullesco
        
        gambe incrocate(seduzione) VS braccia(pudore)
        
        tratti adulti: forma volto, occhiaie, trucco pesante
        
        tratti da bambina: acconciatura e fiocco bianco
        
        tensione trasmessa dal colore giallo e dalla mancanza di punti di riferimento
        
        linee di contorno marcate
        
        corpo risulta piatto a causa delle pennellate rosa
        
        simile a "Pubertà" di Munch
        
        Kirchner, "Tre bagnanti", 1913
        
        figure espressive
        
        linea spezzata
        
        foglie sul fondo annullano la rappresentazione spaziale
        
        le ragazze nude sono dure, rigide,
        percorse da una tensione innaturale e si muovono con una
        meccanicità quasi burattinesca
        
        Kirchner, Strada a Berlino, 1913
        
        personaggio di spalle e folla di persone
        
        immagine caotica
        
        artista vede una società che non riconosce più
        
        "cinque donne per strada", Kirchner
        
        dipinte con colori disturbanti, in cui prevalgono il giallo e il verde acido
        
        mostrate attraverso forme aguzze, puntute e taglienti.
        
        Simili a pericolosi rapaci, si guardano attorno in cerca della loro preda
        
        Una ruota di automobile in basso a sinistra e il cenno di un palazzo d’abitazione a destra sono le uniche testimonianze dell'ambientazione urbana
        
        Autoritratto da soldato, 1915, Kirchner
        
        l’artista si dipinse simbolicamente con la mano destra mozzata, quella con cui dipingeva
        
        gli artisti non avevano più alcun potere né alcuna possibilità di cambiare il mondo, di educare la gente, di orientare le coscienze.
    - - Rifiuto delle convenzioni accademiche
      - Denuncia delle ipocrisie sociali.
      - Ricerca della spontaneità assoluta
    - - Visione Drammatica e Pessimistica dei tempi
      - Linguaggio Crudo
      - Deformazione: Forme aguzze, metalliche, scomposte; volti mostruosi e deformi.
      - Colore: Violento, acido, stridente e in forti contrasti. Il pittore espressionista dipinge il proprio stato interiore: disagio, tormento, rabbia
      - L'attenzione per il contenuto supera l'interesse per la perfezione formale
- - - - Valentine de Saint-Point gli risponde con il manifesto della donna futurista e il manifesto della lussuria. Emancipazione della donna e rivendica il valore positivo del piacere e della sensualità
  - - - la serie degli "Stati d'animo"
        
        "gli addii", 1911
        
        locomotiva che sembra la prua di una nave, ma invece di dividere le acque divide il paesaggio
        
        la locomotiva non ha segni distintivi se non il numero che ce la indica
        
        pochi colori fondamentali e fumo bianco
        
        tumulto tra il treno che arriva e le persone al binario
        
        la scomposizione viene dall'idea di dinamismo, non dalla sintesi dei punti di vista come per i cubisti
        
        "quelli che vanno"
        
        teste delle persone nel treno
        
        linee oblique in direzione del movimento pur non essendo visibile il binario
        
        le linee sono le linee di forza del movimento
        
        "quelli che restano"
        
        malinconia data dal colore e dalla linea cadenzata che indica il movimento lento di chi è rimasto al binario e se ne va
      - "la strada entra nella casa", 1911-1912
        
        figura femminile di spalle che viene travolta da quanto le appare subito dopo aver spalancato la finestra
        
        non ci sono stacchi tra i piani della scena
        
        si fatica a trovare un centro
        
        cavallo da traino che ha appena attraversato il busto della donna
        
        esperienza emotiva più che fisica
        
        "la sensazione dominante è quella che si può avere aprendo una finestra: tutta la vita, i rumori della strada, irrompono contemporaneamente come il movimento e la realtà degli oggetti fuori."
      - "La città che sale", 1911
        
        cantiere affollato da operai e cavalli da tiro
        
        sulla scena irrompe uno stallone imbizzarrito trattenuto a fatica da alcuni uomini
        
        cavallo che si torce fino alla deformazione
        
        più che un animale sembra una vampata di fuoco che surriscalda anche l'ambiente
        
        illuminato dalla luce di un tramonto di fine estate
        
        figure tagliate ai margini per suggerirne la continuità oltre i limiti della tela
        
        frantuma la superficie pittorica con colpi di pennello di colori tra loro dissonanti
      - "rissa in galleria", 1910
        
        Una rissa tra due donne (forse prostitute) davanti a un caffè nella Galleria Vittorio Emanuele II a Milano. Una folla di curiosi si raccoglie intorno all'evento.
        
        La modernità, il dinamismo e la vitalità della metropoli moderna
        
        Struttura circolare/vorticosa delle figure che spingono lo sguardo verso il centro della mischia.
        
        Il movimento è reso attraverso le linee curve e la disposizione dinamica della folla.
        
        Uso di colori accesi e accostati
        
        La luce artificiale dei lampioni elettrici
      - "Materia", 1912
        
        Ritratto della madre dell'artista, Cecilia Forlani, seduta su un balcone o terrazza
        
        La compenetrazione e la simultaneità tra la figura umana (la materia stabile della madre) e l'ambiente circostante (materia in movimento della città).
        
        La figura della madre è monumentale e centrale, ma il suo corpo si scompone e si fonde con l'ambiente urbano circostante (tetti, ciminiere). Le mani incrociate in grembo sono un elemento focale che sembra irradiare energia.
        
        Tecnica/Stile Forte influenza del Cubismo analitico (scomposizione dei piani del volto e del corpo) unito al Dinamismo Futurista. Uso di linee-forza e compenetrazioni dinamiche (ad esempio, la ringhiera del balcone che si interseca con il corpo).
        
        Colore e Luce Colori intensi e materici. La luce non è naturalistica, ma dinamica, scomposta in fasci e linee che suggeriscono il movimento e l'energia (simultaneità luminosa).
        
        La madre non è solo un ritratto, ma un'icona della materia, della stabilità e della tradizione, che viene investita e trasformata dall'energia e dal movimento della modernità urbana (il Futurismo).
    - - Dinamismo di un cane al guinzaglio, 1912
        
        Un bassotto (cane) condotto al guinzaglio da una donna che cammina lungo una strada. Della donna si vedono solo i piedi, la parte inferiore della gonna e la mano che tiene il guinzaglio.
        
        La rappresentazione analitica del movimento e della velocità (il "dinamismo") attraverso la scomposizione e la moltiplicazione delle forme. L'opera è un'indagine sul movimento in sé.
        
        Tecnica di Rappresentazione Simultaneità visiva e Tecnica del "fotogramma": Balla moltiplica i contorni e gli arti (zampe, coda, piedi, guinzaglio) dei soggetti, sovrapponendo le diverse fasi del loro spostamento rapido. Questo crea l'illusione ottica della velocità.
        
        Guinzaglio Simbolo di dinamismo e velocità, è rappresentato con linee curve e ondulate che si moltiplicano, fissando sulla tela la sua vibrazione metallica nell'aria.
        
        Colore e Stile La tavolozza è volutamente limitata (principalmente nero, grigio, bianco, con sfumature di rosso e viola per le traiettorie), per non distrarre l'osservatore dal soggetto principale: il movimento. La tela ha uno sfondo quasi neutro.
      - bambina che corre sul balcone, 1912
        
        La figlia dell'artista (probabilmente Elica) che corre lungo un balcone.
        
        Tema Principale La decomposizione scientifica del movimento (in questo caso la corsa) e la sua fusione con l'ambiente circostante. L'opera traduce in pittura il concetto di persistanza retinica dell'immagine.
        
        Tecnica di Rappresentazione Successione di "fotogrammi": La figura della bambina è ripetuta decine di volte in posizioni leggermente sfalsate (gambe, braccia, testa). Questa sequenza ritmica simula l'effetto della corsa veloce, come in una sequenza cinematografica o cronofotografica.
        
        Composizione La composizione è dominata dalla griglia ortogonale della ringhiera del balcone, le cui linee verticali si compenetrano con le linee di movimento orizzontale della bambina, creando un tessuto unitario e dinamico.
        
        Stile/Colore Balla torna a usare in modo forte il Divisionismo per rendere il colore e la luce vibranti. L'artista utilizza piccoli tasselli di colore puri e accesi (azzurro, verde, marrone, bianco) che, accostati, creano un mosaico dinamico e frammentato, enfatizzando la vivacità della scena.
        
        Differenza con opera precedente Rispetto al Dinamismo di un cane al guinzaglio, qui la scomposizione e la moltiplicazione della forma sono ancora più esasperate e coinvolgono l'intera figura, non solo gli arti, rendendo la velocità un elemento che pervade l'intera scena.
      - le mani del violinista, 1912
        
        Le mani e il manico del violino di un violinista in piena esecuzione musicale.
        
        Tema Principale La simultaneità e la velocità del gesto musicale. Balla cerca di rendere visibile il suono e la frequenza vibratoria attraverso la scomposizione del movimento della mano.
        
        Composizione e Movimento L'opera è un primo piano estremamente ravvicinato, quasi fotografico, che isola l'azione dal contesto. La mano dell'artista è moltiplicata e quasi astratta, resa come una vibrante scia di linee e forme che simula il rapidissimo movimento dell'archetto e delle dita sulle corde.
        
        Tecnica Pittorica Scomposizione Dinamica: Vengono applicati i principi della cronofotografia (come in Dinamismo di un cane al guinzaglio), ma in modo più astratto. La mano e le corde sono trasformate in linee-forza in successione.
        
        Colore e Stile La tavolozza è più scura e sobria rispetto ad altre opere di Balla, con colori che vanno dal nero al marrone scuro, al bianco e al giallo per la luce e la vibrazione. L'attenzione è concentrata sull'energia cinetica e non sull'ambiente.
    - - "ritratto di Marinetti", 1911
        
        seduto al tavolo da lavoro, Marinetti proteso in avanti
        
        circondato da un energico colore rosso
        
        le sue sembianze riconoscibili sono mescolate a movimenti robotici
        
        orologio dietro segna la mezzanotte inoltrata
  - - - distruzione della sintassi
      - disposizione casuale delle parole
      - uso del verbo all'infinito
      - eliminazione della punteggiatura
      - abolizione di avverbi e aggettivi
      - assenza di psicologismo
      - poemetto Zang Tumb Tumb (1914), ispirato all'assedio di Adrianopoli del quale egli stesso era stato testimone. Vuole offrire al lettore un'esperienza coinvolgente. I caratteri sono di varie dimensioni e ci sono molte onomatopee
  - - - vuole rompere i ponti con il Verismo ottocentesco
      - concentrarsi solo sulla figura in movimento
      - riferimenti ad altri artisti
        
        muscolature gonfie e potenti di Michelangelo
        
        slancio impetuoso dell'Apollo e Dafne di Bernini
        
        il concentrato di energia di Rodin
      - Forme uniche della continuità nello spazio,1913, Boccioni
        
        dinamismo non solo come movimento del corpo, ma come interazione e compenetrazione tra il corpo in movimento e lo spazio circostante
        
        Realizzata in gesso; le fusioni in bronzo furono postume
        
        personificazione del movimento
- - - - Il Cavaliere Azzurro (1913, Kandinsky)
        
        Il colore azzurro (o blu), come spiegato da Kandinsky, simboleggia l'elemento maschile, spirituale e profondo, la tensione verso l'infinito
        
        Il dipinto mostra una figura enigmatica a cavallo avvolta in un mantello blu, che cavalca veloce attraverso un paesaggio montano autunnale dai colori accesi (verde, giallo, rosso)
        
        Il cavaliere è l'emblema dell'artista che avanza con coraggio attraverso la natura, superando gli ostacoli della realtà materiale per raggiungere il piano spirituale.
      - Il cavaliere, Kandinskij
        
        sullo sfondo tipiche città russe
        
        vestiti con abiti tradizionali russi
        
        rappresentazione di San Giorgio e della principessa
      - "I grandi cavalli azzurri", Franz Marc, 1911
        
        Tre cavalli monumentali, stilizzati e dipinti interamente di blu intenso, che occupano quasi tutta la superficie della tela
        
        Blu = Principio maschile e spirituale
        
        Giallo = Principio femminile, allegro e sensuale.
        
        Rosso = Principio brutale e pesante
        
        figure sono fortemente stilizzate e geometriche
        
        lo spazio è appiattito
        
        grandi curve armoniose che unificano gli animali e il paesaggio circostante
        
        La profondità e la tridimensionalità sono suggerite dalla sovrapposizione degli animali e dall'uso del colore
        
        L'animale, in particolare il cavallo, è visto da Marc come una metafora di purezza e innocenza
      - "la mucca gialla" Franz Marc
        
        mentre salta
        
        L'uso di questo colore in un animale apparentemente poco "leggiadro" come la mucca serviva a sottolineare che la grazia è presente in ogni creatura
        
        paesaggio fantastico
      - "Composizione VII", Kandinskij, 1913
        
        La tela è un vortice dinamico di linee, forme e macchie di colore apparentemente casuali, ma in realtà disposte secondo una struttura ritmica e armonica ispirata alla musica
        
        totalmente astratta
- - - - Astrattismo geometrico → ordine, disciplina, forme pure (Costruttivismo, Suprematismo, De Stijl, Minimalismo)
        
        COSTRUTTIVISMO arte funzionale, utilitaria
        
        Termine usato nel 1913 da Nikolaj Punin
        
        Movimento avviato nel 1920 da pittori di sinistra e ideologi rivoluzionari
        
        Obiettivo:
        
        Arte come strumento sociale e politico → esaltazione del proletariato.
        
        Confronto diretto tra arte e rivoluzione
        
        Esponente principale:
        
        Vladimir Tatlin → “Tatlinismo”.
        
        Progetto simbolo: Monumento alla Terza Internazionale (spirale metallica 400 m, mai realizzato).
        
        Cubo (legislativo, rotazione annuale).
        
        Piramide (esecutivo, rotazione mensile).
        
        Cilindro (stampa, rotazione giornaliera).
        
        Caratteristiche:
        
        Arte socialmente utile, funzionale.
        
        Materiali innovativi: plastica, metallo, vetro, fili.
        
        Interesse per spazio, solidi, incidenza visiva.
        
        SUPREMATISMO arte pura, non-oggettiva
        
        Origini:
        
        Creato da Kazimir Malevič (1913).
        
        Manifesto 1915 con Majakovskij.
        
        Saggio 1920: Il Suprematismo, ovvero il mondo della non rappresentazione
        
        Obiettivo:
        
        Arte libera da fini pratici ed estetici.
        
        Primato del sentimento puro.
        
        Arte fine a se stessa
        
        Caratteristiche:
        
        Grammatica basata su forme geometriche semplici (quadrato, cerchio).
        
        Colore come unico elemento essenziale.
        
        Filosofia anti-utilitaristica, anti-materialistica
        
        esponente principale
        
        Malevič
        
        Quadrato nero, 1915
        
        ne fece quattro varianti
        
        frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto
        
        come provocazione era stato appeso all'angolo, dove nelle case russe veniva messa l'icona
        
        bianco= somma di tutti i colori è come lo sfondo dorato delle icone
        
        nero= è il soggetto semplificato nella forma del quadrato
        
        Quadrato bianco su fondo bianco, del 1918
        
        l'opera ha valore fine a se stessa
      - Astrattismo lirico/non geometrico → intuizione, emozione, spontaneità (Kandinskij, Espressionismo astratto, Informale)
  - - - LA LINEA
      - LA FORMA
      - IL COLORE
    - - Prima fase → forme informi, colori mescolati.
      - Seconda fase (Bauhaus) → ordine geometrico, metodo didattico
    - - Giallo, rosso, blu, 1925
        
        protagonista del quadro è solo il colore, che qui viene impostato soprattutto sui tre primari
        
        l’armonia dei colore corrisponde a quella dei suoni musicali
      - Primo acquerello astratto, 1910
        
        la prima opera totalmente astratta di Kandinskij
        
        manca una qualsiasi spazialità
        
        macchie di colore e segni neri che non
        compongono delle forme precise e riconoscibili
        
        Ogni frammento, comunque preso, piccolo o grande che sia, ha una sua valenza estetica affidata solo alla capacità del colore di sollecitare una sensazione interiore
      - Alcuni cerchi, 1926
        
        uno studio sulle forme e sui colori, in cui una serie di cerchi di varie dimensioni si staglia su uno sfondo scuro, quasi nero
        
        si ha come l’impressione di smarrirsi in una visione fatta di corpi celesti
        
        Il cerchio è visto come un simbolo del cosmo e del divino
  - - - ritiene che l’arte si avvicini alla natura non perché la imiti, ma perché riesce a riprodurne le intime leggi della creazione
    - - Dapprima innalzatosi dal grigiore della notte, 1918
        
        unione di pittura e poesia in un’opera
        
        «quadri-poesia»
        
        Le strofe sono scritte in grafia corsiva nella parte alta del quadro e poi riscritte nei quadretti colorati
        
        Nei quadretti vengono inserite le singole lettere in grafia stampatello maiuscolo con tratti neri molto sottili
        
        La prima e la seconda strofa sono divise da una striscia di carta argentata
        
        La forma geometrica delle lettere (cerchi, triangoli, archi) determina la campitura dei colori
      - Strade principali e secondarie, 1929
        
        le linee orizzontali blu-azzurre sono mare/cielo
        
        riflessione sulle nuove realtà metropolitane degli anni Trenta
      - Ad Parnassum, 1932
        
        mantiene la linea nera
        
        il senso del colore è dato dai piccoli spazi bianchi
        
        trattini danno un senso di leggerezza
      - 🌞 case rosse e gialle a Tunisi (1914)
        
        Acquerello nato dal viaggio in Tunisia.
        
        Composizione astratta → griglia di rettangoli e quadrati.
        
        Toni caldi (rosso, giallo, arancione) evocano luce e calore nordafricano.
        
        Influenza del Cubismo (piani geometrici), ma usati per esplorare il colore.
        
        Effetto di polifonia luminosa → paragonato alla musica.
        
        Momento decisivo: Klee si sente pienamente pittore.
      - 🌸 Mito Floreale (1918)
        
        Sintesi fantastica di elementi botanici → non naturalistici, ma simbolici.
        
        Segni fluttuanti in spazio bidimensionale, privo di gravità.
        
        Forme semplificate (petali, steli, gemme) su sfondo tenue.
        
        Colori trasparenti (pastelli, acquerelli) → atmosfera poetica e misteriosa.
        
        “Mito” = narrazione interiore, visione spirituale/onirica della natura.
        
        Lontano dalla logica cubista → più vicino a un linguaggio infantile/esoterico.
      - 🏠 Villa R. (1923)
        
        Periodo Bauhaus.
        
        Struttura geometrica (forme rettangolari) → suggerisce architettura di una casa.
        
        Influenza Cubismo (piani intersecanti), ma con colori vivi e vari.
        
        Velature delicate → equilibrio tra rigore e fantasia.
        
        Segni e frecce → suggeriscono movimento e percorsi.
        
        Villa = architettura mentale, costruzione intellettuale oltre la rappresentazione fisica.
      - 🐦 Paesaggio con uccelli gialli (1923)
        
        Tecnica: acquerello.
        
        Paesaggio stilizzato, misterioso.
        
        Toni scuri e freddi (blu, viola) → contrasto con uccelli gialli.
        
        Uccelli = simboli grafici → luce e vitalità.
        
        Lame bianche/grigie → tensione e dinamismo.
        
        Interpretazione ambigua: foresta o fondale marino.
        
        Uccelli = simboli di libertà/spiritualità.
        
        Colore espressivo e simbolico → risonanza emotiva oltre la descrizione visiva.
    - - 📍 Nato a Münchenbuchsee (Svizzera).
      - 👨‍👩‍👦 Famiglia di musicisti → padre professore, madre cantante.
      - 🎻 Eccellente violinista → musica influenza profondamente la sua arte.
      - 🎨 Studi a Monaco → crisi creativa → avvicinamento all’Espressionismo tedesco.
      - ✨ 1914 viaggio in Tunisia → scoperta del colore (“Il colore mi ha preso…”).
      - 📚 Insegnò al Bauhaus.
      - Stile unico: mescola Cubismo, Espressionismo, Surrealismo → elementi infantili, onirici, simbolici.
  - - - Arte astratta, essenziale, geometrica.
      - Solo linee rette e segmenti → esclusione di curve e decorazioni.
      - Uso di colori primari (rosso, giallo, blu) + bianco, nero, grigio.
      - Obiettivo filosofico: equilibrio e armonia universale → riflesso di ordine materiale e spirituale.
      - Manifesto del 1918 → codifica i principi.
    - - Composizione in blu, grigio e rosa (1913)
        
        elementi in forme essenziali
        
        permangono pochi elementi curvilinei
        
        colore ancora libero, non dentro la griglia
        
        griglia ancora leggera
        
        colori che sembrano gradazioni
      - Albero Rosso
        
        colori forti, la realtà viene interpretata in modo fauves
        
        Albero grigio del 1911
        
        Melo in fiore del 1912
        
        immagine praticamente irriconoscibile, forme sintetizzate in linee orizzontali e verticali
        
        si elimina il colore per lavorare sulla forma
      - Composizione n°10 (molo e oceano)
        
        Le linee rimaste sono verticali
        e orizzontali e lo spazio bidimensionale del piano
        
        l’addensamento delle linee verso l’alto concede un minimo di movimento allo spazio che sembra curvarsi e assecondare la superficie sferica del contorno
      - Composizione con Blu oppure Composizione in Bianco e Blu
        
        due linee perpendicolari nere e una piccola forma triangolare colorata di blu
        
        Le linee si estendono fino ai bordi della tela, quasi dando l'impressione che il quadro sia solo un frammento di un'opera più grande
      - New York City (1942)
        
        complessa grata di linee rosse, blu e gialle, che si allacciano occasionalmente creando un senso di profondità
      - Broadway Boogie-Woogie
        
        influenza per la scuola della
        pittura astratta geometrica
        
        quadrati tremolanti di colore luminoso e brillante che balzano dal quadro, quasi ad uscirne, sembra quasi luccicare, attirando lo spettatore e circondandolo quasi di luci al neon
- - - - Raoul Hausmann, Lo spirito della nostra epoca, 1919
        
        assemblaggio
        
        testa in legno di un manichino da parrucchiere
        
        In alto si trova una tazza telescopica. Lateralmente poi sono fissati una custodia in pelle e un portagioie. Sulla fronte compare un cartoncino bianco con il numero 22 e un pezzo di metro da sartoria. Al posto dell’orecchio sinistro è fissato un doppio decimetro. Infine fanno parte della scultura l’ingranaggio di un orologio, un rullo per inchiostro da stampa e un cannello di pipa.
  - - - Nato in Normandia nel 1887, morto nel 1968.
      - Inizia a dipingere a 14 anni (ritratti, paesaggi).
      - Influenze: Impressionismo → Fauvismo → Simbolismo → Cubismo → Futurismo.
      - Non si riconosce in nessun movimento.
      - 1908: espone al Salon d’Automne.
      - 1912: Nudo che scende le scale n. 2 rifiutato → troppo futurista.
      - Opera diventa celebre a New York → Duchamp si trasferisce lì nel 1915.
      - 1923: smette di dipingere.
      - Collabora con Katherine Dreier e Man Ray → fondano la Société Anonyme (1920).
      - Attività come consulente e collezionista
    - - Concetto nato nel 1913 con Ruota di bicicletta (non puro).
      - Primo ready-made puro: Scolabottiglie (1914).
      - Filosofia:
        
        L’arte non è manualità → è ingegno e significato.
        
        Oggetto quotidiano = opera d’arte se inserito in nuovo contesto.
      - Legame con Dadaismo → derisione dell’arte tradizionale.
      - Opera simbolo: Fontana (1917) → orinatoio, prima opera concettuale, definita la più influente del XX secolo
    - - Si definisce non-artista (mai anti-artista).
      - Conia termini: inestetico, anartistico.
      - L’opera può essere qualsiasi cosa, anche involontaria.
      - Arte = problema estetico, teorico e storico della riconoscibilità
    - - Creato nel 1920.
      - Nome = gioco di parole: Rose → eros; Sélavy → c’est la vie.
      - Critica sociale: rompe schemi di virilità, mette al centro minoranze (donne, ebrei, omosessuali).
      - Opera: Belle Haleine, Eau de Voilette (1921) → bottiglia di profumo con foto di Rose (scattata da Man Ray).
      - Messaggio: donna non solo oggetto del desiderio → anche soggetto desiderante.
      - Duchamp usa ironia e provocazione per smascherare stereotipi e ruoli sociali.
  - - - 📍 Germania, membro del gruppo dadaista berlinese (1917–1922).
      - Formazione: scuola di arti applicate a Berlino.
      - Relazione con Raoul Haussmann → introdotta nei circoli artistici.
      - Unica donna alla Prima Fiera Internazionale Dada (1920).
      - Opera chiave: Schnitt mit dem Küchenmesser → denuncia politica e sociale, condizione femminile, voto alle donne.
      - Tecnica: fotomontaggi da riviste illustrate, opuscoli, foto private.
      - Lavorò come grafica per Ullstein (1916–1926).
      - Anni ’30: pressioni del Terzo Reich, bollata come “culturalmente bolscevica”, vietata l’esposizione.
      - Conservò l’archivio dadaista a rischio della vita.
      - Riconoscimento tardivo (mostra 1971, rivalutata negli anni ’80 dal femminismo).
    - - 📍 Germania, vita povera e avventurosa.
      - Attrice itinerante, cabarettista, poetessa.
      - Problemi personali: tossicodipendenza, prostituzione, prigione.
      - Con Hugo Ball fonda il Cabaret Voltaire (Zurigo, 1916).
      - Specializzazione: recitazione teatrale, poesia espressionista (solitudine, morte, tossicomania).
      - Sposa Ball nel 1920 → romanzo Das Brandmal.
      - Dopo il dadaismo → avvicinamento al cattolicesimo, amicizia con Hermann Hesse.
      - Muore in povertà
    - - 📍 Germania/USA, performer e poetessa.
      - Vita caotica, esibizionista, anticonformista.
      - Figura femminile Dada per eccellenza.
      - Relazione con Duchamp (si dice abbia ispirato Fontana).
      - Attiva nel Greenwich Village (New York).
      - Poesia visionaria e provocatoria → pubblicata postuma nel 2011.
      - Muore in miseria a Parigi (incidente domestico, forse suicidio).
      - Considerata anticipatrice di mode e tendenze.
    - - 📍 Svizzera, artista poliedrica.
      - Studi di arti applicate a Monaco e Amburgo.
      - Sposa Jean Arp (1922).
      - Partecipazione al Cabaret Voltaire (burattini, scenografie, ballerina).
      - Insegnante alla Scuola d’Arte di Zurigo (1916–1929).
      - Anni ’20: design d’interni (Café Aubette, Strasburgo).
      - Anni ’30: si avvicina al Costruttivismo (Cercle et Carré, Abstraction-Création).
      - Fondatrice del giornale Plastique.
      - Colonia d’arte a Grasse (1941–1943).
      - Muore in Svizzera per incidente domestico (1943)
- - - - Opera simbolo: Les Demoiselles d’Avignon (Picasso).
      - Influenze dirette: arte africana, Cézanne.
      - Figure solide, angolari, quasi scultoree.
      - Colori terrosi (ocra, rosso-bruno).
      - Inizio fusione sfondo-figure.
    - - Massima scomposizione → oggetti frammentati in piccoli piani geometrici.
      - Oggetto e sfondo si fondono in griglie/cristalli.
      - Tavolozza monocromatica (grigi, marroni, ocra scuri).
      - Dettagli minimi (pipa, bottone) come indizi per riconoscere il soggetto.
    - - Reazione alla complessità analitica → maggiore chiarezza.
      - Sintesi dell’oggetto con forme grandi, piatte, simboliche.
      - Ritorno al colore saturo e decorativo.
      - Introduzione del collage e papier collé → frammenti di realtà tangibile.
      - Apre la strada all’astrattismo e nuove avanguardie.
    - - Estremizzazione del Cubismo Analitico.
      - Massima frammentazione → soggetto quasi indistinguibile.
      - Tavolozza monocromatica (grigi, ocra, bruni, nero).
      - Riferimenti nascosti (chiave di violino, lettere di giornale).
      - Pittura complessa, difficile da leggere → richiede analisi prolungata.
  - - - 📍 Nato ad Aix-en-Provence (1839).
      - 👨‍👦 Rapporto difficile con il padre (banchiere, contrario alla carriera artistica).
      - 🤝 Amicizia con Émile Zola.
      - Vita ritirata, lontano dalla mondanità parigina.
      - Inizialmente vicino all’Impressionismo (partecipò alla prima mostra).
      - Si distacca presto → ricerca di solidità e struttura.
      - 📅 Muore ad Aix-en-Provence nel 1906.
    - - 🌍 Natura ridotta a forme geometriche elementari: cono, sfera, cilindro.
      - 🔄 Abbandono della prospettiva tradizionale → visione plurima/modificata (oggetti inclinati, angolazioni diverse).
        
        Anticipa il Cubismo.
      - 🎨 Uso del colore per modellare le forme (modellato cromatico):
        
        Toni caldi (rossi, gialli) → oggetti avanzano.
        
        Toni freddi (blu, verdi) → oggetti arretrano.
  - - - 📍 Nato a Malaga, Spagna (1881).
      - 🎨 Talento precoce, istruito dal padre pittore.
      - Studi a Barcellona → trasferimento a Parigi.
      - Periodi stilistici principali:
        
        Periodo Blu (1901–1904) → tristezza, povertà, malinconia.
        
        Periodo Rosa (1904–1906) → circo, saltimbanchi, toni caldi.
        
        Cubismo (dal 1907) → rivoluzione visiva.
      - 📅 Muore in Francia nel 1973.
    - - 🎼 L’Accordatore (1903)
        
        Transizione Blu → Rosa.
        
        Uomo solitario, curvo, intento al lavoro.
        
        Atmosfera malinconica ma con dignità silenziosa.
        
        Colori terrosi e rosa sfumati.
        
        Tema: concentrazione, empatia verso emarginati/artisti.
      - 👴 Vecchio cieco e ragazzo (1903)
        
        Periodo Blu.
        
        Due figure emarginate → vecchio cieco e giovane.
        
        Toni freddi (blu, indaco).
        
        Figure allungate, scultoree.
        
        Simbolo: dipendenza reciproca, povertà legata all’arte (strumento a corda).
        
        Pathos intenso, rassegnazione dignitosa.
      - 🎭 Famiglia di saltimbanchi (1905)
        
        Capolavoro del Periodo Rosa.
        
        Personaggi circensi → metafora dell’artista e della condizione umana.
        
        Paesaggio desolato, figure isolate.
        
        Toni rosati e terrosi → quiete malinconica.
        
        Arlecchino centrale = simbolo dell’artista.
        
        Tema: solitudine, sospensione, isolamento dell’individuo.
    - - 🏭 Fabbrica all’Horta de Ebro (1909)
        
        Paesaggio catalano → transizione al Cubismo Analitico.
        
        Architetture semplificate in forme geometriche (cubi, prismi, piramidi).
        
        Prospettiva tradizionale annullata.
        
        Tavolozza terrosa (ocra, marroni, verdi spenti).
        
        Influenza di Cézanne → natura come solidi geometrici.
      - 👩‍🎨 Les Demoiselles d’Avignon (1907)
        
        Manifesto del Cubismo.
        
        Cinque figure femminili nude (bordello).
        
        Corpi deformati, spigolosi, fusi con lo spazio.
        
        Volti: iberici antichi + maschere africane (arte negra).
        
        Sfondo frammentato, superficie piatta.
        
        Tensione aggressiva, sguardi inquietanti.
        
        Tema: rottura con tradizione, visione multipla e simultanea.
    - - 👤 Ritratto di Ambrose Vollard (1910)
        
        Mercante d’arte scomposto in faccette geometriche.
        
        Figura quasi irriconoscibile, fusione con sfondo.
        
        Tavolozza monocromatica (grigi, bruni, ocra).
        
        Dettagli minimi (fronte, naso, barba) → indizi per riconoscere il soggetto.
        
        Tema: rapporto tra apparenza e realtà, ritratto come diagramma visivo.
      - 🎶 Ragazza con mandolino (1910)
        
        Figura e strumento frammentati in rete di piani geometrici.
        
        Struttura cristallina, sovrapposizione di faccette.
        
        Tavolozza monocromatica (bruni, grigi).
        
        Volume suggerito da linee e tratteggi → profondità annullata.
        
        Pochi riferimenti (contorno mandolino, tratti del volto).
        
        Tema: percezione totale dell’oggetto nello spazio e nel tempo.
- - - - Nasce ufficialmente nel 1917, ma l'ispirazione risale al 1910 a Firenze.
      - De Chirico, osservando il monumento a Dante in piazza Santa Croce, intuisce che le ombre sono proiezioni di qualcosa di più profondo.
      - Obiettivo dell'Arte: Non deve riprodurre l'apparenza della realtà, ma indagare ciò che è nascosto (il trascendente).
      - L'Artista-Filosofo: De Chirico utilizza l'arte come forma dinamica e comunicativa della filosofia.
    - - Motto: "Et quid amabo nisi quod rerum metaphysica est?" (Cosa amerò se non la metafisica delle cose?).
      - Significato: L'enigma rappresenta il mistero eterno della vita, dell'arte e la ricerca di uno scopo nell'esistenza.
      - Metafora di Edipo: Il pittore si vede come un "Edipo dell'arte" che deve risolvere l'indovinello della "Realtà-Sfinge".
      - Effetto Emotivo: L'incapacità di trovare risposte porta a un senso di malinconia e profonda frustrazione.
    - - Il Velo di Maya: Come Schopenhauer, De Chirico vuole "squarciare il velo" per ritrovare la realtà in sé (noumeno).
      - Forme a Priori (Tempo e Spazio):
        
        Costituiscono il principium individuationis.
        
        Rendono ogni raffigurazione unica, asimmetrica e snaturata.
      - Rottura della Causalità: A differenza di Schopenhauer, De Chirico rompe il principio di causa-effetto per creare ambientazioni irreali che generano inquietudine e alienazione.
    - - Mondo Fenomenico: Illusione e apparenza.
      - Mondo Noumenico: L'essenza delle cose, identificata con la Volontà (forza cieca e irrazionale).
      - Il Ruolo del Corpo: La via per accedere al noumeno passa attraverso il corpo, che avverte l'impulso della volontà.
      - La Volontà dell'Artista: Si manifesta nel gesto di dipingere per cogliere l'essenza del tutto
    - - Natura: Modello plastico, macchina e insieme essere soprannaturale androgino (senza genere).
      - Funzione: Corpo puro privo di soggettività; funge da ponte tra la volontà dell'osservatore e il mondo irraggiungibile.
      - Manifestazioni: Solenne e conturbante, assume diverse identità:
        
        Ettore e Andromaca
        
        Le Muse Inquietanti
        
        Il Trovatore / Il Filosofo / L'Archeologo
- - - - obbiettivo di diffondere le contemporanee ricerche artistiche europee, ma anche di promuovere il recupero della tradizione pittorica italiana tramite la rilettura delle forme plastiche e delle scelte cromatiche del tardo Gotico e del primo Rinascimento toscano
    - - Il manifesto programmatico di «Valori Plastici» viene pubblicato nel primo numero della rivista a firma di Alberto Savinio
  - - - pubblicano un pamphlet dal titolo «Contro tutti i ritorni in pittura» con cui criticano aspramente l’attività di «Valori Plastici»