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Il cinema americani classico, Capitolo 2. Lo stile classico, "…

- - - - questa classicità (risultato di varie sperimentazioni, progressioni e modifiche), non è soltanto una stabilità di produzioni e rappresentazioni, ma anche come l'espressione di una cultura capace di segnare un'epoca
        
        Andrè Bazin: critico francese che riconosce da subito questo tipo da cinema "tutti i caratteri della pienezza di un'arte classica"
        
        Gli storici vedono già dalla prima metà degli anni 10, questo cinema. In Europa, gli intellettuali si opposero allo snobismo della cultura accademica più retriva, ma celebrano con Holly. la nascita di un cinema nuovo e autonomo, in grado di utilizzare delle arti e forme culturali precedenti in una sintesi nuova
        
        esempio di questo fenomeno è il balletto meccanico (1924) di Fernand (pittore), e contribuirono Man Ray e Francis Picambia. Qui è presente una decostruzione delle forme artistiche tradizionali, e nel balletto ne deriva una celebrazione della nuova arte, con la presenza dell'icona di Charlot. Per Leger il cinema vale come provocazione contro vecchia arte, grazie al ritmo e alla dinamiche che il cinema dona
        
        Blaise Cendras: questo cinema è l'erede di tutte quelle tradizione e forme che lo hanno solidificato, è questo è dovuto anche alla connessione di altre paesi culturali (leggitimità antica)
        
        Eric Rohmer (1955), critico dei cahiers du cinema: Hollywood è la nuova patria del cinema, momento paragonabile al 400 dei pittori a Firenze. "l'America restituisce ciò che abbiamo dato (Europa)"
        
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- - - - Double plot: combinazione di due linee (presenti nel film classico), che riguardano i personaggi principali. Queste linee hanno un'organizzazione gerarchica, divisa da un'importanza reciproca e dall'altra relativa alla complessa del racconto, es: storia sentimentale e l'altra avventurosa (western)= affermare certi valori
        
        plot narrativo. è il motivo culminante che definisce il genere del racconto, come anche le tipologie delle trame
        
        genere: presuppone alcuni ruoli definiti ai quali si costruisce il sistema complessivo dei personaggi, sviluppo dell'azione determinata dal personaggio
        
        personaggio classico: è definito dalla finalità del racconto che ne determina l'azione. é formato da tratti psicologici e caratteriali, funzionali alla dinamica narrativa. La psicologia del personaggio si confonde con il suo agire. In questo caso, essendo in sede del cinema classico è correlato allo star system
        
        star: figure legate contrattualmente a determinati studios, confondono la loro maschera, la loro fisionomia divistica con i personaggi che devono mettere in scena. La logica produttiva ne determina l'immagine legata a ruoli rincorrenti= ci si aspetta determinati azioni e sviluppi narrativi
        
        sistematicità del racconto: permane una convenzionalità di meccanismo di variazioni sul tema e lo spettatore lettore in fabula (ruolo implicito interno al racconto) raccoglie indicazioni e interpreta alcune istanze attivando frammenti di sceneggiature implicite in base da supposizioni, desideri e attese orchestrate dalla macchina narrativa. Lo spettatore è gratificato nel vedere l'avverarsi delle sue supposizioni
        
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- - - - regole: queste conclusioni consentono di trovare delle recise regole di scrittura e rappresentazione un supporto fondamentale alla dinamica identificatoria. Queste regole toccano una serie di tabù o proibizioni. Non si dovevano mostrare le troupe e le tecnologie necessarie alla realizzazione del film, e gli attori non devono guardare l'obiettivo della macchina da presa. Gli ambienti dovevano essere i più verosimili e credibili
        
        questa frammentarietà del montaggio consente un effetto di continuità
        
        Bazin individue tre caratteristiche del decoupage: motivazione, chiarezza e drammatizzazione; non devono essere colti, tutto questo grazie a una serie di raccordi
        
        raccordo di sguardo: inquadratura in cui il personaggio guarda qualcosa e l'inquadratura dopo lo dimostra
        
        raccordo sul movimento: gesto o movimento iniziato in un'inquadratura termina nella successiva
        
        raccordo sull'asse: un'inquadratura mostra il momento successivo avviata nella precedente, con lo stesso asse di ripresa, ma a maggior o minor distanza del soggetto
        
        raccordo di posizione: due personaggi ripresa uno a sinistra e l'altro a destra, e nell'inquadratura successiva rimangono nella stessa posizione
        
        raccordo di direzione: personaggio che esce di campo a sinistra in un'inquadratura, rientra a sinistra in quella dopo, mantenendo la continuità della direzione
        
        spazio: 180 gradi, angolazioni della stessa metà dello spazio
        
        punteggiatura: segna dissolvenze, censure o transizioni con un significato, guidando in modo coerente privo di AMBIGUITà del percorso del racconto
- - - - attori: Sidney Greenstreet e Peter Lorre danno viva a quella dimensione noir che contribuisce a riempire lo schema narrativo di Casablanca
        
        processione di lavorazione: risultato di una catena di montaggio, di un lavoro plurale, condotto sotto la supervisione del produttore Hall Wallis che intervenì a diversi livelli, come la sceneggiatura, fino al montaggio finale. Anche in questo caso, è impossibile parlare di un autore in senso singolare
        
        sceneggiatura: persiste una polifonia di studio, ma anche la stratificazione narrativa tipica classica hollywoodiana. è unfrutto dello studio system, dato dalla molteplicità creativa di diversi menti; anche in senso geografico per la maestranza di origini europee impiegata negli studios
        
        non a caso, nel set del film sono affollati europei fuggiti dal nazismo. Ed è anche una logica di studio che fa sì che le ristrettezze economiche imposte al film com l'ingresso della guerra negli Stati Uniti dopo l'attacco giapponese. Vengono riciclate per esempio scenografie utilizzati in altri film
        
        Si aggiungono una rete di riferimenti all'attualità, storia che saldano un costruito di stereotipi propagandistici ideologici sul momento=il sacrificio amoroso di Rick a favore dell'impegno della resistenza contro il nazismo, racconta la necessità dell'intervento statunitense nel secondo conflitto e la fine della politica isolazionistica americana
        
        La geografia, luoghi e spazi disegnano un processo ideologico: l'America è la terra promessa e poi si aggiungono Parigi e Casablanca. Anche i personaggi sono in rappresentanza di qualcosa come Rick (outlaw Hero) e Laszlo (official Hero)
        
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- - - - le sequenze sulla presentazione di Rick giungono a colmare il desiderio dello spettatore e a rispondere alla sua attesa, quell'attesa che è alla base del film. Il film fu pubblicizzato con certe promesse narrative= lo spettatore seduto in sala attende che quelle promesse siano mantenute. Borgart e Rick sono una di quelle promesse
        
        Rick's cafe: luogo simbolico, non solo per l'intreccio narrativo ma anche per il nome proprio Rick anticipandone l'enunciazione orale. Durante la presentazione della voce over le aspettative dello spettatore vengono guidate e rilanciate
        
        Interno: tutto ricorda l'America con i montaggi e inquadrature. Alcuni movimenti di macchina danno da un lato fluidità al decoupage, dall'altro intensificano, con l'instabilità del punto di vista dell'obbiettivo, l'attesa. Dopo un paio di inquadrature sui clienti che chiedono di Rick, un raccordo di sguardo ci porta un croupier porgere un assegno a qualcuno, sicuramente Rick, ma non lo vediamo. Il raccordo dopo sul movimento e direzione del braccio del croupier che consegna l'assegno, e vediamo una mano firmare
        
        le inquadrature sono di pochi istanti, e poi uno stacco è sul braccio di prima, mostrato frontalmente con una leggere obliquità accanto a un bicchiere, una sigaretta e scacchiera. Gli oggetti e i dettagli mostrano e fanno intuire l'identità del personaggio; La m. da presa si muove in diagonale seguendo la traiettoria della sigaretta portata alla bocca, e mostrano un mezzo primo piano di Rick-Borgart, in smoking bianco, con un illuminazione contrastata, radente dura e irrequieta
        
        altre inquadrature lo riprendono mentre si limita a rispondere= è un solitario, uno scostante. Torna poi in mezzo prima piano, l'immagine poster
        
        continuity system: rende invisibile l'artificio su cui si basa l'apparizione mitica di borgart sullo sfondo di una colonna sonora di suono diegetici
- - - - Studio system: l'assetto industriale della Hollywood classica caratterizzato dal predominio di alcuni grandi studios capaci di realizzare e produrre film su larga scala. Operativo negli anni 20 e rimane in vita fino agli anni 50
        
        David Selznick, nel suo discorso menzione concetti come "catena di montaggio", "caporeparto" ecc, che rimandano all'universo della fabbrica; ma Janet Straiger sottolinea di non paragonare esattamente questo tipo di industria a una fabbrica, per via delle specializzazioni dei ruoli
        
        sempre nel discorso di S. promuove la transizione del passaggio dal "Central Producer system al Producer unit-system, perchè il pubblico divenne più selettivo, quindi si mutò il sistema di produzione
        
        -Metà anni 10 e fine 20: le case hollywoodiane operano sotto da un unico produttore
        -Primi anni 30: organizzazione più complessa (arrivo del sonoro), costituita da un gruppo di uomini supervisionava fra i 6 e 8 film all'anno e il produttore si concentrava su un particolare film
        
        In questa fase erano presenti le Majors (big five), delle case di produzione che esercitavano un potere oligopolistico: metro-goldwyn-mayer (MGM), warners Brothers, Paramount, 20th Century fox, radio Keith orpheum (RKO).
        Possiedono:
        -strutture (teatri di posa, studi per la post produzione, magazzini ecc)
        -contratti del personale: operano in base alle direttive dei vertici
        -propria politica che si specializza in alcuni generi o tipi di produzione (es: distinzioni dei musical della RKO e Warner per le scenografie in Deco, oppure coreografie)
        
        Negli anni 40\50 la produzione free unit, (MGM), presenta uno stile dei musical che vogliono colpire il pubblico con spettacoli grandiosi (linea con il pompierismo della compagnia);allo stesso tempo subentrano diversificazioni interne a seconda dei registi:
        
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        Le Majors distribuiscono i film sia sul mercato nazionale e sia all'estero: integrazione verticale, ovvero le major controllano la produzione, distribuzione e esercizio. In questo modo operano autonomamente, imponendo le loro condizioni ai proprietari delle sale
        
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- - - - Segre: il genere è un campo di tensione tra la norme e la violazione della stessa operata dal singolo autore. Difatti ogni casa di produzione si specializza in alcuni generi, fornendo una propria versione che si distingue dalle altre case
        
        Nel corso del tempo, i generi si modificano, esempio dalla seria B alla A come i western. Si dividono in sotto generi
        
        esempio i Musical: si articolano in 3 grandi classi, ovvero backstage musical, la fiaba e il musical folk
        
        Alcuni generi sono affini tra loro e possono raccontare la medesima storia una seconda volta, cambiando costumi e scenografie: Tamburi lontani remake di un film di guerra. Cambiano solo il luogo e il tempo dell'azione con trama analoga
        
        altri generi si ibridano fra loro: Notorius di Hitchcock un giallo con il dramma sentimentale
        
        Gli sceneggiatori della Warner riciclavano le storie= writing department, della casa soprannominata la "stanza dell'eco". Esempio con le notti di Chicago in cui il cattivo getta 10 dollari, umiliando il protagonista, stessa cosa in "un dollaro d'onore" con il cattivo che lancia una moneta
- - - - 1922: scandali a sfondo sessuale avevano coinvolti esponenti di Hollywood. Così danno vita alla Motion Picture Porducers and distributore of America (MPPDA), con a capo un ex esponente del partito repubblicano Will H. Hays, noto poi come Hays Office (struttura pensata per gestire i rapporti tra Hollywood e potere politico)
        
        1927: Introduzione del codice "autoregolamentazione", un elenco di argomenti "rischiosi" da evitare o da trattare con cautela. Negli anni 20, l'obiettivo principale era la difesa di Hollywood dalla legislazione antitrust
        
        primi anni 30: crescita della "licenziosità" dei film. Periodo duro per la Grande depressione e aumento dei costi per l'avvento del sonoro. I film assorbono gli stimoli della società attuale (alta criminalità), allo stesso tempo sono in arrivo scrittori cresciuti nei giornali e nei teatri di NY assunti dalle Majors per lavorare nelle sceneggiature nei nuovi film sonori
        
        portarono un nuovo linguaggio, che al pubblico conservatore trovò sconveniente, come nel film di Scarface di Howard Haws
        
        1930: Codice Hays (Production Code), ci furono due esponenti dell'intellettualità cattolica, il gesuita e docente universitario Daniel Lord e il giornalista Martin Quigley. Raccomandava prudenza o vietava riferimenti di qualunque genere come crimini, alcol, droga ecc. Hays cercò di far passare l'adesione del codice da parte dei membri del MPPDA come volontaria
        
        1934: Hays impone il Codice con la forza a causa del boicottaggio della Legione of Decency un'organizzazione cattolica. L'Office decretò che nessun film potesse essere distribuito nelle sale appartenenti alle Majors senza la sua approvazione preventiva. In caso di violazione la casa sarebbe multata
        
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- - - - Dagli anni trenta la Disney si affida ai colori per creare quel clima magico delle sue storie. I colori brillanti che caratterizzano Dorothy sono volutamente antinauralistici, pensati per una scena onirica-favolistica, che faccia assomigliare il film a un disegno animato. Nonostante alcuni elementi siano ispirati alla Disney, il film si vuole distinguere
        
        Nel 1938 la MGM era guidato da Mayers, ma fine alla metà degli anni 30 condivide la gestione con Irving Thalberg; la morte prematura avvenuta nel 1936 a T. lascia Mayer da solo al vertice della compagnia. M. affida il film a Mervyn Le Roy un ex regista della Warner, dove svolge funzioni da produttore
        
        M. risponde negativamente alle richieste di LeRoy. e in più gli impone di essere affiancato da Arthur Freed (musical).
        
        M. chiede prendere in prestito la bambina diva Sherley Temple (perché S. è una bambina), ma la scelta cadde su Judy Garland una giovane promessa della MGM. La resero con sembianze più infantili. La presenza di G sarà utile, non solo per il celebre over the Rainbow, ma anche per l'incontro con Arthur.
        
        Sceneggiatori: Mankiewicz nella quale stese un primo trattamento senza sapere che altri sceneggiatori, Ogden e Langley (avvenimento che accadeva spesso, per estromettere dal produttore il meno efficace). Nei titoli di testa si presentano Langley, Ryerson, e Edgar Allan Woolf, ma furono 10 scrittori
        
        regia: 1) Richard Thrope, ma viene allontanato perché LeRoy non lo ritiene all'altezza.
        2) Lo sostituisce George Cukor uno di registi più importanti dell'epoca (conosciuto come "regista di donne"). Resta tre giorni per seguire Via col vento. Importante furono i cambiamenti come la parrucca alla protagonista
        3)Giunse Victor Fleming artista artigiano, lontano da C. Lavora al film per 4 mesi, nei credits compare il suo nome; ma doveva dirigere anche lui via col vento.
        4) King Vidor , il più indipendenti della MGM (la folla), dove nei suoi film denuncia o riporta delle realtà attuali. Era un regista lontano dalla realtà di Oz, ma accettò comunque l'incarico. Non comparve sugli credit
        
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