Please enable JavaScript.

Coggle requires JavaScript to display documents.

L’ARTE CONTEMPORANEA - GODFREY L’ARTE E GLI ARTISTI CONTEMPORANEI, CROLLO…

- - - - Nonostante il disprezzo che Gombrich avrebbe mostrato per l’opera di Martin, si sarebbe invece trovato d’accordo su quanto diceva “Quando penso all'arte, penso alla bellezza. La bellezza è il mistero della vita, non è soltanto nell'occhio di chi guarda, è nella mente". Inoltre la presenza di Martin in questo libro dimostra due cose rare in quello di Gombrich: le artiste donne e le parole che gli artisti dicono e scrivono. Il punto fondamentale di questo testo è proprio mostrare come la percezione che l’arte sia frutto esclusivamente di uomini bianchi provenienti dall’America del Nord e dall’Europa occidentale si sia allargata a uomini e donne di ogni etnia e parte del mondo.
        
        Gombrich raramente cita le parole degli artisti, perché forse sentiva di poter parlare a nome loro. Oggi sarebbe impossibile perché l’arte è diventata sempre più variegata e molto più spesso gli artisti sentono il bisogno e il dovere di spiegarla,
        alcuni considerano addirittura la scrittura come parte integrante del loro lavoro.
        
        Una volta l’autore chiese ad una scultrice inglese quanto spesso visitasse il Victoria and Albert Museum, dove è conservata la collezione nazionale di scultura. C’era stata una volta, per guardare i tappeti. Infatti gran parte della scultura contemporanea non ha alcun legame con la tradizione. L’opera dell'artista americana Sarah Sze, mostra ben poca vicinanza con la scultura classica o modernista
        
        Se guardiamo “Triple Point” è più come vedere un film o un modello scientifico: i nostri occhi si muovono tra una moltitudine di dettagli combinati insieme. Molti artisti contemporanei si ritrovano nei musei ad ammirare l’arte tradizionale, ma rispetto a Gombrich, oggi si è molto più liberi nel decidere
        chi considerare un antico maestro.
        
        Due altre domande a cui Gombrich tentò di rispondere erano: "Perché l’arte è spesso novità?” e “l’arte come persegue l’espressività?” Oggi queste domande hanno la stessa rilevanza di allora.
        
        All’inizio l’arte concettuale era ritenuta difficile, ma a partire dagli anni ‘80 molti artisti concettuali cominciano a farsi notare da un pubblico più ampio. La loro opera era nuova, ma si occupava di temi reali, in cui chiunque poteva identificarsi: Damien Hirst, ad esempio, era ossessionato con la morte, il suo lavoro sembrò una novità sconvolgente e nonostante fosse ben distante dalle forme tradizionali della pittura, il pubblico capiva ciò che volevano esprimere e reagiva in modo emotivo. In “A thousand years” le mosche nascono, mangiano, depongono le uova nella testa di una mucca e prima o poi muoiono per una griglia elettrificata. Un intero ciclo vitale si svolge davanti agli occhi dello spettatore.
        
        1 more item...
- - - - In effetti questi due artisti pongono due domande cruciali per l’arte contemporanea: a chi è destinata, a cosa serve ? Uno degli aspetti degli anni del dopoguerra è la crisi della fede. Il sistema delle credenze tradizionali era, agli occhi di molti, del tutto screditato. Questo senso di perdita era particolarmente sentito in Giappone, infatti il caos del dopoguerra venne vissuto da molti come una crisi esistenziale personale. Atsuko Tanaka faceva parte del gruppo Gutai, un movimento d’avanguardia
        giapponese. Per “Electric Dress” indossa un abito composto da circa 200 lampadine di colori vivaci, che si accendevano e spegnevano ogni due minuti. Ma come gli altri del gruppo Gutai, smise di fare opere concettuali e si dedicò invece alla pittura. I suoi quadri traggono ispirazione dall’idea dei circuiti elettrici.
- - - - Nel 1964 espone alla Stable Gallery di New York una serie di scatole con il logo delle spugnette Brillo, zuppa Campbell’s e ketchup Heinz. Non erano autentiche, erano realizzate dal suo assistente con legno serigrafato. Se questa era arte, chi decideva che la confezione originale non lo fosse altrettanto? La scatola Brillo era diventata arte, perché il mondo dell'arte l’aveva accettata come tale.
        
        qualche anno dopo, , il Moderna Museet di Stoccolma, ospita il suo lavoro. Non c’erano abbastanza soldi per spedire tutte quelle scatole oltreoceano, quindi il museo decise di contattare la Brillo e ordinare 500 delle vere confezioni che vennero appiattite e spedite. Lo staff del museo le rimontò poi nella sala
        esposizione e la cosa interessante è che nessuno sembrò accorgersene.
        
        Da parte sua, Beuys, fece la conoscenza del coreano Paik grazie a Fluxus, un gruppo di artisti fondato da Maciunas all'inizio degli anni ‘60. Gli eventi di Fluxus rappresentavano l’arte sperimentale al massimo del caos e dell’antisenso, Fluxus era in effetti il primo movimento artistico globale. Era anche una grande opportunità per collaborazioni inaspettate: autodefinirsi i peggiori pianisti del mondo, come avevano fatto Beuys e Paik che si esibivano insieme in "concerti". La grande innovazione di Paik fu però il suo lavoro con i video. In "TV Garden", diversi televisori sistemati in mezzo a una serie di piante, mostrano svariate immagini in movimento alla rinfusa.
        
        A Beuys piaceva l’atteggiamento “tutto passa” di Fluxus, ma le loro performance erano più simili a cerimonie o riti di passaggio. Ad esempio lui sta 8 ore nascosto in un rotolo di feltro con
        una lepre morta a ciascuna delle estremità: questa performance, come altre, erano intese a mostrare la sua filosofia, il bisogno di guarigione psicologica, una consapevolezza della natura. Tutta l’opera di Beuys è modellata sul suo concetto di "scultura sociale", l'idea che ogni aspetto della vita può essere affrontato e trasformato attraverso la pratica artistica.
        
        Il "Revolutions Klavier" consisteva in un pianoforte verticale ricoperto di rose rosse. Incapsulato in una vetrina di cristallo contrassegnata da una croce marrone, il pianoforte era destinato a un silenzio eterno. Le rose appassite simboleggiano la scrittrice e attivista Rosa Luxemburg, assassinata dai criminali dell’estrema destra. Quando l’opera fu installata al Museo Abteiberg, Beuys si fece fotografare mentre aggiungeva rose
        fresche sul pianoforte.
        
        L’artista giapponese Kusama si trasferì a New York e divenne poi nota per i suoi dipinti “infinity net” Lavorando per ore senza sosta, ricopriva ciascuna tela con piccolissime forme. Da bambina aveva sofferto di allucinazioni e vedeva disegni minuscoli che si spandevano sopra ogni superficie, un’esperienza che potrebbe aver dato origine al suo comportamento ossessivo. Negli anni ‘60 cominciò ad applicare la stessa tecnica alla scultura e all’ambiente rivestendo ogni cosa con pois. La
        sua opera sembra del tutto priva di egocentrismo, ma voleva incarnare i concetti che stanno dietro le sue creazioni e amava quindi farsi fotografare di fronte o distesa su di esse. Il più ambizioso dei suoi ambienti è il suo “peep show” una stanza esagonale ricoperta di specchi, il cui interno è visibile da una fessura. Sul soffitto sono sistemate luci di Natale che si accendono e spengono creando dei riflessi negli specchi. Contemporaneamente risuona una cassetta dei Beatles con intermittenza uguale alle luci.
- - - - Le opere da essi prodotte erano per lo più realizzate con materiali naturali, come pietra o legno. Lee Ufan, il più noto del gruppo, definiva le sue opere “incontri”. Lui dichiarò che in America il minimalismo riduce l'arte in meri oggetti. Da questa causa, nei suoi incontri preferisce che lo spettatore si sposta dall'oggetto "a tutto il resto", perchè il suo scopo e mostrare quel tutto il resto. E’ significativo che le opere di Ufan siano sempre più d’effetto quando sono situate in un giardino o in un antico edificio.
        
        L’artista americano Richard Serra ha detto che “l’oggetto della sua scultura è l’esperienza stessa dello spettatore che ci gira intorno, perché ciò che sta facendo è dare una forma allo spazio” . Ciò si vede bene in “Spin out” , opera situata in un conca, composta da tre grandi lastre d'acciaio parzialmente infilate nel terreno. Si può camminare tra di esse oppure guardandole dall’alto. Circondato dagli alberi, questo lavoro rappresenta un intervento semplice e preciso nel mondo, che consente
        esperienze affascinanti ad ogni cambio di stagione.
- - - - L’arte concettuale era dunque stata creata all’ombra del Vietnam. Ma come possono la linea dritta nell’erba di Richard Long o “The pencil story ” essere una protesta contro l’intervento militare statunitense nel Vietnam? Ciascuna di esse metteva in discussione norme stabilite su ciò che l'artista deve fare, su cosa sia un’opera d’arte e a cosa serva l’arte. L'importanza che Long conferiva al camminare, non aveva forse qualche connotazione politica? Le prime opere di Long sono sul camminare e sul
        condividere quest’esperienza al meglio
        
        Quando aveva 22 anni andò dal suo college a Londra fino in aperta campagna, trovò un campo aperto e si mise a camminare avanti e indietro sull'erba finchè questa non fu completamente piatta. Prima di tornare indietro, scattò una foto e la intitolò “A line made by walking . Questa è diventata un’opera chiave rivoluzionaria per la sua radicale semplicità.
        
        Quando un pittore astratto americano si mise a sbeffeggiare l’arte concettuale dicendo “l’arte concettuale consiste nell’indicare le cose” , Baldessari decise di trasformare l’insulto in un progetto. Accompagnato da un amico, l'artista si mise a girare la sua città natale, San Diego, fotografando l’amico mentre indicava cose che gli parevano interessanti. Mostrò poi le immagini a svariati artisti e Accompagnato da un amico, l'artista si mise a girare la sua città natale, San Diego, fotografando l’amico mentre indicava cose che gli parevano interessanti. chiese loro di scegliere una delle foto e dipingerla. Infine Baldessari espose le tele a nome suo,
        normalmente ci si aspetta che l’artista sia colui che brandisce il pennello, ma lui rivendicava il diritto autoriale solo per esser stato l’ideatore dell’opera. Il divertimento stava nello stravolgimento delle nostre normali aspettative di autorialità.
        
        Per essere un artista concettuale non serviva un’educazione formale. Più di uno avrebbe preferito il termine “arte contestuale” nella convinzione che il loro lavoro fosse sempre la reazione a un
        contesto. Coniarono un termine che divenne molto diffuso, affermando di realizzare “interventi”
        
        Nonostante il successo ottenuto dai suoi primi dipinti, On Kawara ne era insoddisfatto. Nel ‘59 regalò quasi tutte le sue opere al National Museum of Modern Art di Tokyo e si trasferì in Messico, dando inizio a una vita di viaggi. Nel 88 realizzò i suoi "dipinti data". al momento della sua morte ne aveva realizzati quasi 3000. Ogni quadro rappresentava la data della sua creazione nella lingua e nelle convenzioni del paese in cui l'artista si trovava in quel momento. Se il quadro non era finito entro la mezzanotte del giorno indicato, veniva distrutto. Questi dipinti non dicevano niente con esattezza, solo la data in cui erano stati realizzati. Kawara non pensava più che l'arte potesse comunicare esperienze personali, considerava i dipinti con la sola data come una forma di meditazione, un modo di mettere da parte le distrazioni. Inizialmente l'artista metteva ciascun quadro in una scatola contenente un ritaglio di un quotidiano del giorno, a un certo punto però decise di liberarsi di quest’ultimo legame con la storia e lasciò che i dipinti parlassero da sé.
        
        Nel ‘64 Bruce Nauman scelse di smettere del tutto di dipingere, pur continuando ad andare ogni giorno nel suo studio per fare arte Lui iniziò a disegnare, fotografare e realizzare brevi filmati sulle attività più disparate che un artista compie nel suo studio: spazzare il pavimento, bere un caffé, ecc. Ne uscì “Dance or exercise on the perimetri of a Square". Quando lui realizza oggetti non si preoccupava tanto dell'aspetto formale della scultura, quando dell'interesse per lo scollamento tra le parole e le cose. "From and to mouth" gioca sull’espressione inglese che significa “vivere con lo stretto necessario"
        
        1 more item...
- - - - L’altra grande donna di questo tipo di lavori è la
        Abramovich E’ stata anche un’insegnante influente: chiedeva agli studenti di provare le sue stesse esperienze estreme, per esempio camminare 10 ore dopo 4 giorni di silenzio e digiuno. In una delle sue prime performance "Rhythm 5”, tutto ruotava intorno a una stella a 5 punte, simbolo del comunismo e usata anche nella magia, realizzata con rotaie in legno. Tra le rotaie erano stati messi mucchi di trucioli imbevuti di benzina, lei diede fuoco a quei trucioli mentre si tagliava ciocche di capelli e unghie. Si sdraiò poi al centro della stella circondata dalle fiamme. Per fortuna qualcuno si rese conto che era svenuta dopo che le fiamme avevano consumato tutto l’ossigeno e la tirò fuori.
        
        Susan Hiller seguì degli studi di antropologia, pur volendo diventare un'artista e si è dovuta confrontare con il pregiudizio che gli scienziati hanno a che fare con la ragione e gli artisti con l’immaginazione, ma secondo lei tutti dovevano fare i conti con entrambe. Hiller si è battuta contro altre dualità: mente-corpo, materia-intelletto. Per “Dedicated to the Unknown artist” lei ha
        raccolto una serie di cartoline di mari in tempesta e nelle note di accompagnamento scrive “ho potuto così espandere il lavoro degli artisti sconosciuti e collaborare con loro”. Molte immagini, sono ad esempio colorate a mano, ciascuna in modo diverso. “E’ inevitabile che aspetti dell'immaginazione o chissà che altro entrino a far parte del processo.Gli esseri umani non sono
        macchine, esprimono la creatività attraverso i gesti quotidiani, ed è quello che cerco di far vedere in quest’opera. Ciò che vedo è una serie di idee culturali che fondamentalmente sono il risultato di ossessioni sulla natura in relazione alla cultura. Ci sono lì nozioni di sessualità, maschio e femmina, attivo e passivo” . Per Hiller un'opera d‘arte non è un oggetto, bensì un luogo dove si può pensare, sentire, agire, ed è così che iniziamo a sviluppare nuove conoscenze.
        
        Bill Viola considera i video come l'equivalente della coscienza
        individuale, un mezzo per illuminare la vita interiore. In “The reflecting pool” lo vediamo camminare, fermarsi al bordo di una piscina e saltarci dentro. La sua immagine resta congelata a mezz’aria, mentre l’acqua continua a scintillare. A un certo punto l’immagine di Viola comincia a svanire, per poi scomparire. Dopo lui esce nudo dalla piscina e si ferma sul bordo, come se avvenisse una sorta di trasformazione spirituale.
        
        Nel 1977, esasperato dall'incapacità e dal rifiuto delle persone di interessarsi alla scultura contemporanea, Klaus Bussmann decide di fare qualcosa. Con l’aiuto di Konig, invitò alcuni artisti a realizzare una serie di opere progettate per alcuni spazi precisi nella città di Munster per mostrare ai cittadini cosa fosse la scultura contemporanea. Anche se l’esposizione non convinse tutti, l’amministrazione della città acquista due delle opere che diventano permanenti. La città ripetè l’evento anche 10 anni dopo, dando inizio ai decennali Skulptur Projekte Munster. Ciò che aveva sorpreso gli organizzatori della prima edizione era stato il gran numero di visitatori giunti in città per
        vedere la mostra, in fin dei conti poteva esserci un pubblico per questo genere di cose.
- - - - Ben pochi fuori dalla Germania si erano accorti della proliferazione di gallerie d’arte e musei di arte contemporanea a partire dal ‘45, nè dell’ambizione degli artisti tedeschi. La sede della mostra "Zeitgeist" era simbolica: un edificio proprio accanto al muro di Berlino. Una volta era sede del Museo delle Arti e dell’Artigianato, poi requisito dalla Gestapo, distrutto dai bombardamenti inglesi e semiabbandonato. Un luogo straordinario per una mostra d'arte di quel momento. Molti dei
        quadri degli artisti più giovani di questa mostra erano formalmente privi di complessità, ma sempre ricchi di energia. Sulle mura dell’atrio erano appesi i dipinti mentre al centro si trovava l’installazione "Hirsch Denkmaler" di Beuys. Intorno a un enorme mucchio di argilla c’erano una serie di banchi da lavoro, e sparsi sul pavimento alcuni oggetti simili a delle grandi
        salsicce. Erano forme di vita primordiale, il cui creatore fosse al momento assente
        
        Per l’artista qui il mitico e lo spirituale si incontrano in quegli stessi oggetti quotidiani e che il fare è sempre un atto creativo e terapeutico. Beuys era sempre stato provocatorio e lo erano anche questi pittori, in particolare Baselitz. Provocazioni e controversie avevano segnato l’inizio della sua carriera, il disgusto e il sentimento di isolamento alimentarono i suoi primi dipinti, nei quali esseri mutanti ed eroi vagano per lande desolate.
        
        Nel ‘69 iniziò a dipingere i suoi soggetti a testa in giù: “E’ il modo migliore per svuotare di contenuti ciò che si dipinge” . Baselitz è sempre stato contrario a tutto e a tutti. Da una parte ha sempre negato di essere stato influenzato dagli espressionisti, ma dall’altra ne ha fatto un riferimento diretto in quadri come “Nachtessen in Dresden” che ritrae Kirchner e altri membri del gruppo dell’espressionismo tedesco Die Brucke associandoli
        all’ultima cena di Cristo. Non è un artista facile da amare, ma le sue opere hanno sempre destato forti reazioni.
        
        Le azioni di Kiefer, altro artista, sono documentate nei suoi libri degli anni ‘70 e in una serie di acquarelli che suggeriscono una personalità più gentile e privata rispetto ai quadri che lo hanno reso famoso. Nell’acquarello “Everyone stands under his own dome of heaven” si vede un suo tipico elemento mistico: una personale “cupola del cielo” . I quadri più grandi erano così appesantiti da piombo e altri materiali che si avvicinano alla scultura, incoraggiando nello spettatore una reazione molto fisica.
        
        Nella tela intitolata “Nurnberg” , Kiefer mostra un campo arato con una chiesa solitaria sullo sfondo. La superficie è appesantita da gommalacca e paglia. 4 biglietti carbonizzati sono attaccati al
        dipinto, mentre in alto a destra le parole “prato del festival” identificano il campo come il luogo dei raduni di Norimberga. Le sue opere tendono all’ambivalenza, spesso contrapponendo agli
        emblemi della creatività, quelli delle forze distruttive. Il suo scopo era risanare la cultura tedesca e non di accusarla.
        
        Polke è divertente e giocoso. Negli anni ‘60 realizzò dipinti in stile Pop Art che ridicolizzavano il modernismo, negli anni ‘70 invece viaggiò e scattò fotografie. Quando gli fu chiesto perché aveva cominciato ad aggiungere foglie d’oro ai suoi
        quadri rispose che siccome questi adesso erano così costosi, si era sentito in obbligo di inserire un materiale prezioso
- - - - Cy Twombly, in un’intervista, parlò soltanto della poesia e del suo timore che fosse una forma d’arte in declino, proprio come si credeva della pittura negli anni 70. Le sue opere evocano spesso la poesia "non ho amo separato dalla letteratura perchè ho sempre fatto uso di citazioni". "Wilder shares of love" prende il titolo da un libro di Lesley Blanch, infatti i soggetti dei suoi dipinti
        sono spesso sofisticati, ma il suo modo di dipingere, simile ai graffiti, sembra abbastanza semplice o infantile. Ciò che tutti questi artisti hanno dimostrato è che la pittura poteva ancora provocare discussioni e dibattiti.
        
        Riguardo alla presenza femminile, diversi osservatori hanno fatto notare che degli artisti presenti in “A new spirit in painting” non c'era neppure una donna, e solo una in "Zeitgeist" , Susan Rothenberg. E’ difficile capire perché la pittrice austriaca Maria Lassnig non sia stata inclusa nei due eventi, perché lei era ancora più focalizzata su cosa voglia dire occupare il proprio corpo. Lassnig aveva iniziato a realizzare dipinti sulla “consapevolezza” nel ‘51, si trasferì poi a New York
        dove venne ignorata. Quando tornò in Austria si concentrò nuovamente sul senso interiore del corpo.
        
        Se uno degli aspetti del movimento femminista nell’arte era la protesta contro l’esclusione delle artiste donne dalle mostre più importanti, un altro aspetto fu la riscoperta di artiste del passato dimenticate. La più notevole fu Frida Kahlo, la cui mostra dedicata alle sue opere di Londra fu la prima ad aver luogo fuori dal Messico, suo paese natale. L’enfasi sulle esperienze corporee e le maschere, l'infinita autorappresentazione sia in pittura che in fotografia si sposavano perfettamente con la generazione successiva di artiste.
        
        Sembrava poi rendercisi conto che oltre agli Stati Uniti e all’Europa occidentale non esistessero altre scuole nazionali degne di nota. Uno di questi artisti era Sudjojono che cominciò a far uso di un’immaginario più espressivo e fantastico. “Fit under any kind of weather” è un autoritratto con una bottiglia di birra in equilibrio sulla testa e l’amata Rose sopra di essa. La vita
        sotto il regime repressivo era dura, ma questo dipinto ha come tema l’andare avanti, sia nel mondo reale che in quello immaginario
        
        Il pittore messicano Julio Galan attingeva a piene mani dal suo retaggio nativo, ma mentre Kahlo voleva incarnare la tradizione, lui era più distaccato e ironico. Anche lui inseriva spesso la sua stessa immagine nei quadri, ma si percepisce sempre un elemento di mascherata. In “Me quiero morir” l’artista appare in manette davanti alla bandiera messicana. I suoi primi lavori derivano dalla sua esperienza di omosessuale in una cultura in cui era proibito. Dopo essersi trasferito a New York riuscì ad essere più aperto rispetto alla propria sessualità, ritraendosi vestito da donna o pesantemente truccato da drag queen.
- - - - Non tutti gli artisti non occidentali selezionati erano completamente sconosciuti, Cildo Meireles scelse di mettere in mostra l’installazione “Missao/Missoes” , nella quale delle ossa di bue sono sospese sopra uno “stagno” di monetine delimitato da un pavimento in pietra, tra le ossa e le monete c’è una sottile pila di ostie da comunione. C’è anche un velo nero che circonda l’opera attraverso il quale bisognava passare. L'atto del passaggio attraverso il velo conferiva all’esperienza dello spettatore un senso sia privato che cerimoniale. Il significato sta nella colonizzazione del Brasile, che ebbe inizio con i missionari (ostie) e continuò con i ranch per il bestiame (ossa), le città (pavimentazione) e il capitalismo (monete). Quest’opera mette a fuoco anche un altro dei problemi cruciali dell’arte fortemente ideologica: è possibile comprendere a fondo l’argomento politico senza aver letto il testo di qualche curatore? Con tutte le sue pecche, questa mostra però riuscì davvero a far riflettere il pubblico. Da quel momento in poi, artisti al di fuori
        dell’occidente vennero invitati più spesso a esposizioni internazionali.
- - - - Alla fine degli anni ‘80, Richter veniva considerato ben più rilevante, forse il più importante artista del mondo. Nel 1989 mise in mostra un gruppo di 15 dipinti basati sulle fotografie dei componenti della Rote Armee Fraktion, il gruppo terroristico noto come banda Baader-Meinhof. In Germania era ancora un argomento scottante: i terroristi avevano ucciso diverse persone e fatto esplodere bombe nei negozi. I quadri presero nome di "October 18, 1977", ma non avevano nessuna spiegazione. Richter aveva in odio qualsiasi ideologia, non ha mai dato una
        spiegazione chiara sul perché avesse raccolto le foto del gruppo e perchè avesse sentito il bisogno di realizzare quei dipinti. A molti sembravano dipinti storici, altri ci sono rimasti male quando i dipinti sono stati venduti al Moma, perché hanno perso l’audacia connessa al trovarsi nel luogo dove i terroristi avevano ucciso ed
        erano morti, così sono diventati quadri e basta.
- - - - Alla fine degli anni ‘70 c’era più consapevolezza di
        come gli stereotipi mostrati dai media giocassero un ruolo importante nel definire le nostre personalità: ci vestiamo e comportiamo nel modo in cui l’abbiamo visto fare agli attori del cinema o della televisione. Sherman descrive questo progetto “i miei scatti descrivevano la falsificazione dei ruoli in gioco e allo stesso tempo il disprezzo per il maschio dominante che avrebbe erroneamente percepito le immagini come sexy” . Lei mostrò agli artisti come fosse possibile giocare con le nozioni di femminilità e rimanere critici allo stesso tempo.
        
        Richard Prince, il suo fidanzato dell’epoca, si occupava invece esplicitamente di fantasie maschili. Il suo “Spiritual America” è uno degli esempi più oltraggiosi di “appropriazione”: prendere l’immagine di qualcun altro e, ponendola in un contesto diverso, cambiare completamente l’esperienza e la comprensione dello spettatore. Tale strategia sembra essenziale per lui e per i critici influenzati dalla teoria della “morte dell’autore” , perché per loro la cosa più importante era l’esperienza dello spettatore, non quella dell’autore. Dopo aver trovato un’immagine di Brooke Shields a 10 anni nuda, Prince aprì una galleria chiamata “Spiritual America” in cui espose come unica opera una versione leggermente tagliata e ingrandita di quell’immagine. Non veniva fornita alcuna informazione, lui aveva solamente copiato il nome di un’opera di Stieglitz ed era per quest’ultimo il fatto che gli USA fossero la terra del desiderio represso. L’atto di appropriazione di
        Prince era inteso a farci riflettere sul significato di quell’immagine.
        
        Diversi artisti continuarono a usare la fotografia come mezzo di
        documentazione. L’uso più estensivo di quest’ultima come registratore nonimo ci arriva da “One year performance” di Tehching Hsieh. Per un anno intero, si scattava una foto ogni giorno, riunite insieme, queste istantanee sono finite in un film di 6 minuti. L’artista si era rasato completamente la testa in modo che la crescita dei capelli documentasse anch’essa il passare del tempo. Quando realizzò quest’opera, lui viveva illegalmente negli USA, il che ha portato qualcuno a pensare che la performance fosse un commento ironico sul lavoro che non poteva neppure cercare. Lui però ha sempre insistito che si trattasse di un’opera sull'esperienza del tempo e sul parlare della vita.
        
        Ugualmente sistematiche sono le immagini di architettura industriale di Bernd e Hilla Becher, di cui il progetto è durato per la loro intera vita. I risultati di questa collaborazione possono essere descritti come “archeologia industriale” fedeli ai loro principi documentaristici, i Becher lasciavano che le loro immagini apparissero senza alcuna mediazione. Si riferivano ai soggetti di queste foto come a "sculture anonime”
- - - - Anche Thomas Schutte era interessato ad altre forme, alla decorazione e ai modelli, infatti delle sue opere sembrano modelli di edifici “molti dei miei lavori hanno a che fare con il potere e sono intesi essere delle parodie. L’installazione delle mie opere è importante quanto la loro creazione." Senza dubbio si riferiva alla scultura realizzata per la seconda edizione di Skulptur Projekte Munster. Andando in giro per la città aveva scoperto una piazza che in quel momento era utilizzata come parcheggio e piena di cianfrusaglie, costruì così una colonna fatta della stessa pietra degli edifici storici e ci mise in cima due grandi ciliegie rosse. Il comune di Munster aveva deciso poi di sistemare la piazza
        eliminando il parcheggio e aggiungendo una fontana modernista di basso livello, le ciliegie avevano perso del tutto il contesto per cui erano state pensate.
        
        La scultrice tedesca Katharina Fritsch ha investigato nei suoi lavori un tema tradizionale della storia dell’arte: l’iconografia, ovvero quale può essere il significato delle immagini. Si è inoltre concentrata sulla reinvenzione degli stereotipi. Agli inizi si
        è fatta notare per la replica di un elefante verde a grandezza naturale. Lei è sempre attenta anche al modo in cui le opere vengono esposte. Per lo Skulptur Projekte dell’87 realizzò una versione a grandezza naturale della Madonna di Lourdes, giallo fosforescente. Nel mezzo di una delle piazze principali della città, avrebbe dovuto suscitare l'ira della gente e, in una cittadina devota al cattolicesimo, l’impresa è senz’altro riuscita. L’opera è stata vandalizzata dal punto di dover essere sostituita. Poco dopo realizzò una versione in miniatura della Madonna gialla e la mise in vendita in un'edizione illimitata a prezzo fisso. Questo lavoro non giocava solo sul tema degli stereotipi, ma anche sul confine scivoloso tra arte e merce. Non esisteva il concetto di edizione limitata in questi casi, come oggi per le statuine in plastica della Madonna che si comprano a Lourdes.
        
        Nella seconda edizione dello Skulptur Projekte presero parte ben 64 artisti, di cui solo 6 erano donne. Nessuno proveniva da altre parti del mondo e nessuno all’epoca sembrava farci caso. Anche Jeff Koons prese parte all’evento di Munster. Lui disprezzava l’uso delle mani, gli interessavano le merci. All’inizio degli anni ‘80 era diventato famoso per gli oggetti prodotti in serie presentati non nella loro semplicità, bensì trasformati in icone scintillanti del
        consumismo: aspirapolvere incastonati nel plexiglas, ecc., inoltre è diventato famoso per una serie di oggetti ordinari rivestiti in acciaio inossidabile lucidissimo, tra cui un coniglietto di plastica
        gonfiabile. Il concetto di brand si fece strada fino a diventare l’elemento chiave della vendita e artisti come Koons cominciarono a promuoversi come fossero essi stessi un brand. Munster fu molto importante per lui, da un lato era la prima volta che gli offrivano una commissione pubblica, dall’altro si trovò a dover cambiare il suo modo di lavorare. La sua intenzione iniziale era quella di realizzare una copia esatta, rivestita d'acciaio inossidabile, della statua kitsch di un uomo che si reca al mercato con un cesto di vimini sulla schiena. Questo era impossibile quindi dovette fare una sua versione, ovviamente non con le sue mani, ma fatto da qualcun altro.
        
        Nella sua mostra “Banality” lui converte alla tridimensionalità immagini popolari di cui si è appropriato, ad esempio Michael Jackson con il suo scimpanzé. Per promuovere le sue sculture, arrivò al punto di pubblicare 4 inserzioni pubblicitarie, da lui stesso ideate, in diverse riviste d’arte. Lui pensava che il film e la pubblicità fossero molto più efficaci nel manipolare, sedurre e educare il pubblico e che l’arte dovesse mettersi in
        competizione con loro oppure scomparire.
        
        Alla fine degli anni ‘80, capitali culturali come New York e Londra, furono devastate dall’Aids, il sesso era diventato qualcosa che poteva uccidere invece di dare piacere. Le due figure a grandezza naturale in cera di Kiki Smith sembrano cristallizzare le paure e la fascinazione per le ferite, malattia e decadimento. Lei emerse come artista a New York durante questa epidemia, negli stessi anni presentò al pubblico 12 giare d’argento, ciascuna riempita con una particolare secrezione corporea come sangue, muco, ecc. Realizzò anche un utero in bronzo, uno stomaco in vetro, ecc. tutto per dire che il corpo per lei è importante perché tutti ne abbiamo uno. Anche costruire
        per lei è importante perché è ciò che riescono a fare le mani e il corpo. Tutti i materiali, pur diversi che siano, chiedono a gran voce di essere manipolati e trasformati.
        
        Sempre negli anni ‘80 l’installazione prese piede come forma d'arte a sé stante, un modo diverso di pensare agli oggetti e allo spazio. Come dichiara Boltanski è “un’arte in cui il corpo dello spettatore è all’interno dell’opera” Artisti come lui o la Hamilton non solo volevano che gli spettatori sperimentassero una relazione fisica più profonda con il mondo materiale, ma anche che fossero consapevoli delle associazioni storiche e culturali che i luoghi e le cose portano con sé. In un mondo dove le persone tendono a spostarsi sempre di più, il bisogno di dare un senso più profondo a un posto in particolare è diventato un desiderio fortissimo. Il visitatore quindi non può fare altro che diventare parte dell’opera. Hamilton prese parte a una mostra chiamata “Places with a past” . Decise di realizzare la sua installazione in un garage abbandonato mettendosi a indagare le condizioni dei lavoratori del posto. Il colore blu indaco era stato un
        tempo di importanza cruciale per le aziende manifatturiere, ordinò quindi più di 6 tonnellate di indumenti usato da lavoro blu, rendendosi conto che questi abiti erano stati indossati da operai licenziati o le cui fabbriche avevano chiuso
        
        2 more items...
- - - - La mostra che mostrò nel modo migliore questo nuovo modo di fare arte fu “Cities on the move” che si concentrava su artisti asiatici e sullo sviluppo delle megalopoli in Oriente. L’inaugurazione fu a Vienna e poi si spostò in tante altre città, diventando diversa in ciascun luogo. Un visitatore
        inconsapevole aveva due possibilità: pensare che la mostra presentasse un nuovo approccio all’arte, oppure che non si trattasse affatto di arte, ma di antropologia urbana. L’oggetto più
        significativo era un risciò motorizzato decorato da Tiravanija, presentato insieme con un manifesto che pubblicizzava un film
        fittizio, diretto da lei, in cui l’autista viaggia fino a Vienna e lì si innamora di una ragazza
        
        Anche l’artista sudcoreana Kimsooja venne invitata e per il suo
        progetto le tornò in mente il lavoro del padre nell’esercito, quindi la famiglia era costretta a spostarsi più volte. "il titolo della mostra mi ricordava la nomadica della mia famiglia e ha ispirato la performance “Cities on the move- 2727 kilometres Bottari truck” in cui tornavo in tutti i luoghi dove avevo vissuto nell’infanzia, un viaggio di 11 giorni attraverso la Corea"
        
        Il Bottari è una cosa tipicamente coreana, si tratta di un pezzo di stoffa, spesso fatto cucendo insieme degli scampoli, usato per infagottare i propri beni. Kim realizza i suoi Bottari unendo tessuti usati da persone sconosciute, che ne conservano i segni e l’odore. Dopo questa mostrà andò a vivere a New York e in Francia continuando ad utilizzare tessuti coreani, con l’evidente associazione al paese e alla femminilità, ma ha sempre ribadito di non essere una femminista attiva e considerava il suo lavoro esclusivamente nazionale: il suo interesse è
        rivolto all’esperienza universale, al senso di unità
        
        Nel ‘99 realizzò la prima delle sue performance “Needle woman” in cui se ne stava in piedi, immobile, nel bel mezzo di una strada trafficata. Durante le esposizioni alcuni di questi video, ambientati in città diverse, vengono mostrati in contemporanea, lei è sempre ripresa di spalle assolutamente immobile. La visione dell’artista impassibile mentre la gente si muove intorno è un’esperienza meditativa anche per lo spettatore.
        
        Tania Bruguera si occupa di conflitti, non umorismo o ironia. La sua carriera è iniziata con la riproposizione delle performance di Ana Mendieta che, essendo cubana come lei, era un’ovvia figura di riferimento. Presto cominciò a produrre performance originali. Quando parla di “El peso de la culpa” ispirata dal rifiuto degli indigeni di sottomettersi agli spagnoli con il gesto di mangiare il fango. La performance si manifesta in forma di rituale solenne, che comprende anche acqua salata a simboleggiare le lacrime versate sulla terra e un agnello senza testa appeso al collo che ha una funzione protettiva ed è anche, per il suo peso, simbolo di sottomissione. Più che l’attività religiosa, questo lavoro si approccia allo spirituale e al mistico, tutti questi elementi hanno un peso simbolico che va ben oltre qualsiasi religione perché fanno parte di un vocabolario iconografico universale.
        
        Bill Viola ritiene che le religioni sono tutte connesse e compatibili e condivide il desiderio che le sue opere possano essere comprese da un musulmano, come da un buddhista o cristiano. Uno dei messaggi più consolidati dell’arte contemporanea è che l'esperienza spirituale è universale. L’opera “The messenger", commissionata originariamente esposta nella cattedrale di Durham, presenta un video girato da lui, proiettato
        su uno schermo montato sul lato interno all’estremità della chiesa. Si vede un piccolo punto nell’oscurità che man mano cresce fino a diventare un uomo, mentre l’oscurità si rivela essere l’acqua in cui galleggia. Emergendo dall’acqua l’uomo apre gli occhi e respira, poi precipita nuovamente nel buio e questa azione si riproduce in loop. A disposizione dei visitatori vi erano alcuni opuscoli con citazioni tratte dai Salmi Nonostante sia stato accusato di creare opere emotivamente manipolatorie, non c’è dubbio che Viola sia oggi uno degli artisti più popolari.
        
        1 more item...
      - Nessuno più di Cattelan rifuggiva dalla pretenziosità e nessuno come lui la evitava in modo così implacabile. Nel ‘96 accettò di esporre alla galleria De Appel di Amsterdam, con il pretesto di non avere nessuna idea nuova, entrò di nascosto in un’altra galleria, ne rubò il contenuto e lo mise in mostra con il titolo “Another fucking readymade”. Invitato alla Biennale di Venezia del ‘97, dove sarebbero stati presenti molti artisti italiani più importanti e anziani, decise di trovare il modo di prendersi gioco di loro. Fece catturare e tassidermizzare uno stormo di piccioni, poi li sistemò sui muri divisori e sulle travi che sovrastano le opere degli altri. “Dobbiamo uccidere il padre, o finiremo per leccargli i piedi" . Cattelan è probabilmente il più grande burlone della storia dell'arte
        
        Lui può prendersi gioco della pomposità, tuttavia la
        malinconia e il tragico tendono a insinuarsi nel suo lavoro. “Bidibidobidiboo” è divertente e insieme triste. Per vedere l’opera ci dobbiamo chinare, è una cucina semplice con uno scoiattolo tassidermizzato che giace morto, con la testa appoggiata al piccolo tavolo. A terra accanto a lui la pistola con cui si è sparato.
- - - - opere come questa biblioteca mettono in luce uno dei principali problemi delle mostre di oggi: per poter avere una piena comprensione dell'opera bisognerebbe mettersi a leggere per almeno 2 ore, ma dovendo proseguire la visita e guardare tanti altri artisti, come si può dedicare così tanto tempo a un singolo lavoro?
        
        Prima dell’apertura del Tate Modern nel 2000 si tennero alcuni seminari dove architetti e curatori discutevano sulla loro visione del museo. Alcuni dei collaboratori parlarono del senso di meraviglia che avrebbero dovuto provare gli spettatori che fossero entrati in quella centrale elettrica dismessa. Alla fine si decise che quello spazio monumentale avrebbe ospitato ogni anno una nuova opera, commissionata appositamente. Quindi Eliasson vi installa la sua opera “Weather project” , ciò che lo spettatore si trovava di fronte era un sole gigantesco in fondo alla sala. Molti visitatori si sono sdraiati sul pavimento, proprio come se fossero in spiaggia Alzando lo sguardo i visitatori si sarebbero visti riflessi sul soffitto, rivestito di specchi, così come il sole in realtà era solo una forma a metà, il resto era anch’esso riflesso. Il suo lavoro è sempre più incentrato sull’ecologia e intende sfidare le nostre conoscenze, metterci di fronte alla nostra capacità di vedere e agire
        
        L’americano Barney prende le cose molto sul serio. Il ciclo filmico
        “Cremaster I-V” dura più di 6 ore con poche battute di dialogo ed è accompagnato da disegni, fotografie, sculture e installazioni. Lui sostiene che sono le sculture la parte più importante del lavoro e che il film è esso stesso una scultura. La trama è una sorta di parabola su come il muscolo cremastere alzi e abbassi i testicoli e come il genere sessuale viene determinato nel feto. Come spettacolo il film è magnifico, ma lentissimo. Quando fu installato al Guggenheim, proiettato su grandi schermi appesi al soffitto, con gli oggetti del film tutt’intorno, la reazione è stata “wow" , specialmente perchè la terza parte era stata girata lì. Barney stesso si è arrampicato sulle mura del museo indossando un kilt e un cappello di pelliccia sintetica rosa. Poi incontra una fila di ballerine vestite da agnelli, due gruppi heavy metal, ecc.
        
        Vicino a Newcastle c’è “Angel of the North” di Gormley, molte persone saranno intente a esaminare l’etichetta che racconta come la scultura è stata costruita: sono fondamenta di 500 tonnellate di cemento ancorate alla roccia 21m sottoterra, la scultura in sé è realizzata con acciaio inossidabile. Nonostante questa scultura abbia incontrato molte resistenze prima del completamento, tra cui il costo e la posizione in un'area devastata dalla disoccupazione postindustriale, la comunità si è infine affezionata. Il suo lavoro ha sempre riguardato il corpo, come comprendiamo lo spazio attraverso il corpo e come esso sia a tutti gli effetti un luogo
        
        Vent'anni dopo aver realizzato una scultura in un parcheggio, per poi rimanere deluso dal cambiamento operato sul contesto, a Schutte venne offerta la possibilità di vendicarsi. Il rifacimento della piazza consisteva nell’aggiunta di una fontana, giudicata anche dai curatori come “malriuscita” , si decise così di invitare Schutte a ricoprirla. L'artista decise di usare uno dei progetti su cui lavorava già dagli anni ‘80 “Modell fur ein Museum” , la scultura sembra suggerire un museo dedicato alla distruzione più che alla preservazione di un’opera d’arte. Non si capiva se la torretta di plexiglass gialla fosse destinata agli uffici amministrativi o se fosse una ciminiera, questa ambiguità è tipica di Schutte. La piccola figura in bronzo all’interno sta contemplando la fontana o la schernisce?
        
        Le “sculture senza titolo” installate nella cattedrale di Liverpool
        da Salcedo parevano più un invito rivolto ai senzatetto a entrare per ricevere assistenza. C’erano mobili attaccati l’uno all’altro, riempiti di cemento e a volte incorporati a pezzi di tessuto. La domesticità degli oggetti e il silenzio accentuano lo spazio. Le sue opere iniziano sempre con un dialogo con le vittime di qualche violenza, in questo caso i sopravvissuti alla guerra civile del suo paese, la Colombia. Oggetti appartenuti alle vittime sono spesso parte integrante del suo lavoro
        
        1 more item...
- - - - Le migrazioni e l’esilio sono temi cari anche a Shirin Neshat, nata in Iran, trasferitasi poi negli USA. Tornando dopo 10 anni nel suo paese, sentì il bisogno di esplorare la cultura iraniana a partire dalla Rivoluzione islamica, il risultato è “Women of Allah” una serie di fotografie in bianco e nero di donne in posa da martire, armate e con indosso il chador. Sulle parti scoperte del corpo appaiono dei testi in farsi. La serie “The book of kings” consisteva di 58 grandi ritratti fotografici suddivisi in tre gruppi: masse,
        patrioti e cattivi. I corpi sono ricoperti da testi di poeti iraniani o tratti dal Libro dei Re. Tutti i soggetti rappresentati erano stati coinvolti nella Primavera araba e anche senza capire il farsi, le scritte furono mostrate sotto una luce diversa e iniziamo a chiederci che cosa vorrebbero dirci.
        
        Agli esordi della sua carriera, Sikander, aveva appreso le tecniche per la creazione delle miniature moghul e le aveva adattate al mondo moderno. Ha lasciato il Pakistan per trasferirsi a New York, prendendo infine la cittadinanza americana. “The last post” ” Nel costruire quest’opera ha usato sia le tecniche tradizionali delle miniature, sia i software moderni di montaggio delle immagini per combinare le singole scene. La trasformazione è ciò su cui verte ogni suo lavoro.
        
        “The Bodies” un dipinto di Borremans è palesemente l’immagine di due uomini addormentati nel letto, è affascinante e disturbante insieme. Borremans fa anche film e in questi sembra non accada mai nulla, ma che qualcosa sia capitato o sta per capitare. In “The storm” un cortometraggio di un minuto in loop, si vedono soltanto tre uomini seduti.
        
        Il pittore Neo Rauch è nato e ha studiato nella Germania Est, quindi molti danno per scontato che la sua opera si concentri sulla dissoluzione ufficiale del paese nel ‘90. Lui ha sempre sostenuto di non aderire ad alcuna ideologia, ma di voler solo dipingere “ciò che voglio nella pittura è che tutto deve suggerire una tensione sul punto di sfociare in qualcosa. Le figure hanno in tutto ciò un ruolo importante, sempre che ne siano in grado” infatti le sue figure sembrano incerte, come se non sapessero bene se si trovano nel mezzo di una tragedia o commedia. Del dipinto “Warten auf die Barbaren” possiamo dire che alla lettura del
        titolo e dalla presenza di figure tipicamente germaniche, simboleggi gli orrori del ‘45, ma l’atmosfera di festa del paese suggerisce il contrario. Deriva da una poesia greca in cui dopo
        una lunga attesa per l’arrivo dei barbari, un gruppo di cittadini viene informato che questi non ci sono più. Ma perchè un uomo sta mettendo una maschera da toro, mentre un altro con la stessa maschera è legato a un palo?
        
        Come è cambiato lo storytelling nell’arte, è cambiato anche l’astrattismo. L’arte astratta non è scomparsa dopo quella concettuale, nonostante la derisione costante a cui è stata sottoposta dal concettualismo per la sua supposta arroganza. Molti artisti degli anni ‘70-’80 volevano rendere l’astrazione più dinamica, da una parte riconnettendosi all’insieme della ricca tradizione, dall’altra dipingere il mondo contemporaneo in continuo cambiamento. Gran parte di questo discorso aveva
        luogo a New York dove sono emerse personalità importanti, ciascuna con posizioni distinte.
        
        Jonathan Lasker è noto per voler tracciare una strada tra solidità degli espressionisti astratti e l’ironia dei neoconcettualisti. Lui come altri ha dovuto sviluppare una posizione personale e argomentarla. Formula teorie su cosa sia la pittura e che posto essa occupi nel nostro corpo o nella nostra coscienza del mondo. Lui pone la relazione tra figura e sfondo nel modo astratto, cosicché quando guardiamo i suoi quadri spesso ci troviamo
        a cercare di rintracciare le forme sulla tela e vederle come persone che si muovono all’interno di una stanza o di un paesaggio. In “The quotidian and the question” c’è un gioco di rilievo e planarità tra la vischiosità dell’area in giallo e la nitidezza meticolosa degli scarabocchi e del nodo allentato di linee
        più spesse che sembrano fluttuare. Dietro a questo lo scopo è la riflessione sulle istanze della percezione, la difficoltà di determinare la realtà.
        
        1 more item...
- - - - Adrian Ghenie descrive l’esperienza di vedere quadri che ha venduto per poche migliaia di euro arrivare alle aste e venire aggiudicati per milioni. I collezionisti erano felicissimi di sapere che Ghenie era così povero agli inizi da dover taglire i peli al gatto per farci i pennelli. Le opere sono avvincenti perché non si riesce esattamente a capire cosa siano o dove risieda il loro fascino. “Persian miniature” è un titolo fuorviante per il dipinto
        che raffigura un uomo, un autoritratto in effetti, in una foresta, oppure un Oscilla fastidiosamente tra l’astrazione e il figurativo
        
        Questa mania verso la nuova arte è un fenomeno globale, in Indonesia per esempio, la rincorsa per il prossimo pezzo di cui parleranno tutti è intensa quanto in Occidente e la speculazione imperversa. In una serie di dipinti e disegni simili a cartoni
        animati Hahan ha parodiato questo mondo di speculatori, cercatori di fama globale, un mondo dove molti artisti faticano ad arrivare al successo e ben pochi ci riescono. Nel 2016 ad Art Jog, una fiera a Yogyakarta stranamente diretta da artisti, lui ha esposto “Speculative entertainment no.1” C’erano anche molti assistenti e il martelletto che si usa nelle aste. Sul quadro era proiettata una griglia e uno per uno dei quadratini venne messo in vendita, con il sistema delle offerte, poi ritagliato e consegnato al collezionista. Un modo brillante per prendere in giro il sistema, anche perché una volta venduto un buon numero di frammenti sul muro si vedeva la scritta “la vera arte è la sua vendita”
        .
        
        La domanda fondamentale è: chi decide quali opere valgono milioni e quali no? Non esiste più un consenso generalizzato su cosa sia buono e cosa no, come una volta. La stampa di settore si è molto indebolita, nessuna rivista ha la circolazione o l’autorevolezza di “Artforum” negli anni ‘70. C’è molta comunicazione aggressiva, giudizi spesso distorti, perché ben pochi critici sono appassionati di pittura.
        
        Il cinese Liu Xiaodong lavora come un impressionista, portando fuori il cavalletto per dipingere ciò che vede, ma si comporta come un vero artista del XXI sec. Le ragazze di “Out of Beichuan” sono lì per essere dipinte, ma anche per raccontare
        chi sono e come la frana mostrata sullo sfondo abbia distrutto la loro cittadina e le loro vite. Alla prima presentazione del quadro alla Biennale di Shanghai l’artista ha anche esposto fotografie e video, potrebbe essere definito un progetto di ricerca in cui l'elemento principale è un dipinto. Molto del suo lavoro si focalizza sul trauma dell’urbanizzazione e della spoliazione ecologica in Cina e altrove.
        
        Il quadro recente dell’artista Dana Schutz “Mountain Group”
        potrebbe essere interpretato come una nuova versione dell’incisione di Goya “il sonno della ragione genera mostri” . Qui i mostri però sono più giocosi e la protagonista non dorme, ma continua a dipingere la montagna come se i mostri non le stessero bloccando la vista, ma fossero solo nella sua mente. Nella mostra successiva in cui presentò questo quadro, non cercò di giustificare ciò che aveva fatto, ma mostrò immagini
        sul fare cose e immaginare mondi.
        
        Imran Qureshi si è formato alla scuola di pittura miniaturistica
        di Lahore, e come Sikander, per lui questa pittura si è trasformata nel modo in cui parlare di eventi contemporanei, soprattutto di
        violenza. Negli Emirati Arabi vide un cortile che gli ricordò i giardini interni del Pakistan e decise di riempirlo di fiori rossi nell’opera “Blessings upon the land of my love” Da lontano sembra un bagno di sangue, ma da vicino ricorda le forme canoniche delle foglie nelle miniature indiane.
        
        1 more item...
- - - - artista perfettamente a suo agio con la tecnologia come Hito Steyerl? Nella sua installazione per lo Skulptur Projekte del 2017
        “HellYeahwefuckDie” alcuni monitor trasmettevano video animazioni di robot creati per salvare le persone nelle zone colpite da disastri. Su un altro monitor dei bambini in zona di guerra chiedono a Siri quando arriveranno i robot a salvarli. Alcune pedane luminose su cui ci si può sedere mostrano invece le 5 parole più utilizzate nella canzone contemporanea, ovvero quelle del titolo. I suoi video sono più dei saggi provocatori, collage di riprese di documentari. Utilizza gli strumenti della post produzione per aggiungere elementi di complessità, per riconfigurare e sovvertire le immagini. Non solo lui è in guerra con la mercificazione dell’arte e il potere corrosivo del mercato, ma rappresenta un nuovo paradigma dell’artista non come genio
        solitario, ma come pensatore interconnesso
        
        Il pubblico chiede: chi sono i grandi artisti di questo periodo? Di recente Kiefer, Kusama, Serra, Nauman, Rauch e persino Grotjahn descritti come i “maggiori artisti viventi” . Si dubita però che uno solo di loro sia influente quanto Warhol o Beuys, non pare che nessuno di loro abbia la varietà o la fecondità di Picasso. Cy Twombly aveva senz’altro sviluppato uno stile particolare negli ultimi anni prima della morte, anche Richter è rimasto enormemente produttivo. Lo humor negli ultimi lavori di Maria Lassnig è più crudo, uno stile ridotto all’osso, infatti “du oder ich” è probabilmente uno degli autoritratti più brutali della storia.
        
        Durante la Biennale di Bangkok del 2018, in un centro commerciale, c’era l'enorme installazione di Kusama “Pumpkins” e l’autore si è chiesto se rappresentasse il suo stile tardo. Il concetto di “stile” pare appropriato per la mania ossessiva di Kusama di coprire il mondo di pois. Quello che è cambiato è l’atteggiamento e la comprensione del pubblico nei
        confronti del suo lavoro: tra le altre cose, la gente è impressionata dalla sua costanza e oggi fa la fila in tutto il mondo per entrare nelle sue “infinity mirror rooms” nonostante non
        siano così diverse da quelle che realizzò 50 anni prima.
        
        Alla fine degli anni ‘90, Damien Hirst è stato uno degli artisti migliori e più creativi al mondo, ma poi ha ripetuto se stesso e pubblicizzato i suoi lavori per i successivi anni. Lo stesso vale per Koons o Prince, con quotazioni alle stelle gli artisti al top possono permettersi assistenti che aumentino al massimo la produzione. Non è soltanto il mercato, anche i musei vogliono la stessa cosa
        
        E’ finita l’era dell’artista individuale? Alcuni pensano di sì. Oggi è diventato molto comune lavorare in gruppo, ma non è un fenomeno del tutto nuovo: diversi artisti di cui abbiamo già parlato hanno lavorato in collaborazione con altri. A partire dagli anni ‘60 il bisogno dell’artista di lavorare da solo è stato spesso messo in discussione, soprattutto dai gruppi femministi o da coloro che pensano all’arte come una prassi sociale. Il gruppo danese “Superflex” ammette di essere, come altri collettivi contemporanei, influenzato dai social dove le persone sono in contatto costante fino al punto di fondersi. Lavorare insieme è forse anche una reazione necessaria all’individualismo narcisistico del fenomeno selfie.
        
        I tre componenti del gruppo Fenger, Christiansen e Nielsen si sono riuniti nel ‘93. I loro lavori contengono di solito messaggi
        anticapitalisti e sono in public domain. Nel 2017 hanno esposto nella Turbine Hall della Tate Modern, riempiendo la sala con una
        serie di altalene dove i visitgv atori potevano dondolare, da soli o in gruppo La maggior parte dei visitatori avrebbe fatto probabilmente spallucce di fronte alla pomposità della descrizione: si stanno solo divertendo. E’ altamente improbabile che molti abbiano capito che la mostra riguardava l’apatia della società rispetto alla crisi politica, ambientale ed economica della nostra epoca.
        
        1 more item...