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Expresionismo abstracto y Pop Art
Propuestas
Las obras creadas dentro del movimiento Pop Art expresan una crítica social a la realidad que se estaba viviendo en ese momento.
Por aquel entonces, la sociedad destacaba principalmente por el consumismo: todo giraba en torno a comprar y vender masivamente.
Pretende plasmar la realidad de la sociedad a través de sus obras, para crear conciencia en las personas.
El expresionismo abstracto propone formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces.
Los expresionistas abstractos fueron artistas fascinados por la soledad y el proceso.
El objetivo del expresionismo abstracto era capturar la sensación general de una escena o tema, en lugar de todos sus intrincados detalles visuales.
Antecedentes
Expresionismo abstracto
Los expresionistas tomaron del surrealismo el “automatismo psíquico” que hiciera salir de su mente símbolos y emociones universales.
Artistas surrealistas fueron mudando a Estados Unidos ya que para 1940, el centro del mundo del arte ya se estaba mudando a Nueva York,
Posterior a un ambiente solo 2 años de haber finalizado la segunda guerra mundial, al igual que la crisis económica del 29 son circunstancias explican, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos..
Pop Art
El Pop Art surgió como reacción al Expresionismo Abstracto a partir, fundamentalmente, de un cambio de fuentes: el Surrealismo de aquel se sustituyó por el Dadaísmo
Surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en Estados Unidos con la llegada de varios artistas a NY, convirtiéndose en el país abanderado para el movimiento
Técnicas de cada movimiento
Para el expresionismo era el Action Painting, con un uso suelto, dinámico de la pintura, y con trazos poderosos que se mezclan con otras técnicas "al azar", y la estructuración o fluidez de figuras
También se encuentra el All Over, donde el estilo de pintura con superficies de tela recibe un tratamiento uniforme con pocas diferencias de estructura.
En el Pop Art predominaba la serigrafía, una técnica de grabado de imágenes, al igual que el Ready-Made, que consistía en unir varios objetos encontrados para cambiar sy contexto.
Características plásticas y estilísticas
En el Pop Art consistía en seleccionar objetos o imágenes populares del momento y sacarlos de su contexto
Utilización de collage, serigrafía y sobreposición de las imágenes
En el Expresionismo Abstracto comprende estilos pictóricos muy diferentes tanto en la expresión como en la técnica empleadas
La espontaneidad y la expresión subjetiva inconsciente
Predominio de trazo gestual dinámico
Empleo de manchas y líneas con ritmo
Comparativa de ambas propuestas
El aspecto social y contextual son las principales diferencias, ya que gracias a los eventos históricos que antecedieron al expresionismo abstracto se basó en un movimiento espontáneo que prioriza las emociones y la expresión del sufrimiento crudo que transmite las ansiedades de la humanidad en esa época.
Por otro lado, el Pop Art se enfocaba más en una crítica hacia el consumismo y sistemas económicos de la época, una crítica metafórica hacia la sociedad, representándose en publicidad, marcas u objetos de la época.
Ambos movimientos, como todo el arte, surgieron como una crítica simbólica de lo queestaba sucediendo, y a pesar de que ninguno es mejor que el otro, el expresionismo abstracto tuvo mucho material a trabajar con las crisis que sucedían. Aun así me llamó más la atención el Pop Art por su premisa y diseño de arte
Comparando ambos movimientos, se nota que el Pop Art basaba más sus obras en el color, la relación con la publicidad y sobre todo los cambios de representación artística en su técnica, mientras que el Expresionismo buscaba una representación de las emociones en bruto de la época, de visibilizar las ansiedades pero también la esperanza de un futuro mejor
Representantes del expresionismo abstracto
Willem de Kooning
Como tema principal la figura humana, realizó su magistral serie de Mujeres, plasmadas de manera grotesca, realzando rasgos sexuales entre un caos de violentos brochazos de color.
Jackson Pollock
Desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este, jamás uso bocetos.
Arschile Gorky
Obras pobladas de figuras distorsionadas y amenazantes, se centraron en sus vivencias personales
Mark Rothko
Estilo de pintura pasando casi todos de sus cuadros a ser dos rectangulos confrontados.
Franz Kline
Su obra está basada en el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. Sin embargo fue practicada espontáneamente.
Sam Francis
Centrado en el color como eje fundamental de la expresión pictórica y la absoluta libertad del artista para llevar a cabo sus composiciones.
Mark Tobey
Inclusión de la técnica de la caligrafía oriental dotándolo de una expresividad contundente. Cataloga su arte como Escritura Blanca
Adolph Reinhardt
Pionero del Hard-edge, economía de las formas y deja bien nítidos los contornos de los colores con un borde que lo singulariza de los demás.
Yves Klein
Práctica artística de marcado carácter experimental, abundando en la poesía de lo ilimitado y con un evidente trasfondo espiritual, desafía a las nociones de valor en arte y una radical revisión del papel del artista y del espectador
Representantes del Pop Art
Richard Hamilton
Enfocado en la sociedad del consumo, reúne trabajos realizados a partir de imágenes difundidas por los medios de comunicación de personajes de cine y de la música.
Eduardo Paolozzi
Fundador del Independent Group, se dedicaría a cualquier cosa creativa: collage, serigrafía, mosaicos, diseño y posteriormente escultura.
David Hockney
Hockney deja patente su punto de vista, haciendo converger las líneas de perspectiva explícitamente para que se vea quién es el artista, el observador.
Roy Lichtesntein
Estilo basado en cómics y la parodia. Utilizaba una técnica de puntos para crear sus dibujos animados, y empleaba generalmente colores primarios.
Andy Warhol
La técnica serigráfica de repetición y clonación de imágenes usadas por el artista, va de acuerdo a la ética de reproducción masiva característica del pop art.
Jasper Jones
Utilizó una gama más oscura de grises, blancos y negros, dando nuevos significados a elementos cotidianos para dotarlos con una carga estética y volverlos en elementos iconográficos fuera de contexto.
Robert Rauschenberg
Desarrollo de los combine-paintings, combinaban los objetos cotidianos de la forma más rocambolesca. Su arte apostaba por introducir cualquier componente de la cultura popular de la época:
Tom Wesselman
Especializado en desnudos femeninos, paisajes y bodegones, son pintados con formas planas y colores brillantes, algunos parecen casi abstractos
Claes Oldenburg
Con preferencia en espacios abiertos, quiere que el espectador toque su obra, utilizando recursos como colores y formas que despiertan los sentidos. El tamaño y el color son sus mayores rasgos.
