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Storia dell'arte raccontata da Gombrich, L'arte sperimentale: la…

- - - - Ogni generazione scoprì roqueforti di convenzione che portavano
        gli artisti ad applicare forme imparate invece di dipingere ciò che realmente vedevano e i ribelli dell'Ottocento proposero di fare piazza pulita finché non si arrivò la precisione scientifica dell'atto
        della visione. Ma ciò che chiamiamo vedere è plasmato dalla nostra conoscenza di ciò che vediamo. Quindi si comincia sempre da certe linee o forme convenzionali, l'egizio in noi Non può essere mai completamente sconfitto. L’entusiasmo per la scultura nera fu comune ai giovani artisti durante questo movimento rivoluzionario, che raggiunse gli apici negli anni subito precedenti alla WWI.
        Guardando questo capolavoro della scultura africana capiamo perché artisti di questa generazione siano rimasti molto colpiti. Opere così contenevano proprio ciò che gli europei avevano smarrito: la forza espressiva, la struttura lineare e la tecnica semplice. Né la fedeltà alla natura né la bellezza ideale
        erano preoccupazioni di questi artigiani.
        
        Espressionismo: il termine è un’utile etichetta opposta all’impressionismo. Van Gogh mutava colori ambientazione dopo aver dipinto un ritratto esatto. Come una caricatura che deforma per esprimere i tratti umoristici. Gli espressionisti sentivano profondamente la sofferenza umana tanto da considerare
        brutta l'insistenza sulla bellezza nell'arte, essi volevano affrontare nelle loro opere i fatti crudi dell'esistenza; l'arte dei maestri classici gli sembrava falsa e ipocrita. Volevano esprimere sentimenti attraverso l'arte. Si guardava oltre il piacevole della vita, verso la sofferenza, miseria, violenza e passione per rifiutare l'idealizzazione
        
        Edvard Munch, pittore norvegese, realizzò la litografia L'urlo,
        tutte le linee convergono verso la testa urlante che è il centro della rappresentazione, come se tutta la scena partecipasse all'emozione e angoscia dell'urlo. Una sensazione improvvisa può trasformare tutte le nostre impressioni sensibili.
        
        Käthe Kollwitz, sensibile ai problemi dei poveri, nell’illustrazione
        Bisogno si ispira ai drammi della condizione degli operai tessili della Slesia, qui è la scena di un bambino morente. Esecuzione realistica priva di eufemismi, senza mostrare la dignità come Millet, ma evocando la rivoluzione. Un gruppo di pittori tedeschi fondò la società Il Ponte (Die Brücke) per dare un taglio netto con il passato e lottare per una nuova idea; si concentravano nella resa dell'espressione. Tra questi:
        
        Emil Nolde, pittore tedesco, fece Il profeta, incisione in legno che illustra bene gli effetti forti ai quali questi artisti tendevano. Stilizzazione al servizio dell’enfasi e la concentrazione della contemplazione estatica del mistico. L’espressionismo trovò il terreno più fertile in Germania ma nel 1933, con l'ascesa del nazismo, l'arte moderna fu bandita e molti artisti ne rimasero vittime, come Ernst Barlach: scultore di Pietà!, la donna si copre il capo con un mantello ma si intuisce tutta la disperazione, accentuando il patetico richiamo.
        
        Oskar Kokoschka, pittore austriaco espressionista, scandalizzò il pubblico rifiutando di vedere solo il lato piacevole delle cose. In Bambini che giocano ha colto la pensosità e il carattere sognante, non graziosi e contenti, ma angosciosi e disarmonici. Simile al vero nella mancanza di esattezza.
- - - - Negli anni precedenti alla WWI a Parigi nacque un movimento, che allontanò ancora di più l'arte dalle tradizioni consolidate. Non si proponeva di abolire la rappresentazione figurativa, ma di revisionarla.
        
        Un punto cruciale era il conflitto tra disegno e senso del volume, ottenuto tramite la sfumatura, il venir meno della luce. Volevano riconciliare la rappresentazione della realtà con un segno incisivo, ora il problema era dare priorità all'elemento decorativo sacrificando l’antica prassi della modellatura delle forme in luce e in ombra. Van Gogh e Gauguin avevano incoraggiato gli artisti ad abbandonare l'arte raffinata per forme e schemi cromatici schietti e immediati, per amare i colori semplici e le audaci armonie barbariche.
        
        Nel 1905 un gruppo di giovani pittori francesi Les Fauves (“bestie
        feroci/selvaggi”) allestì una mostra a Parigi, amavano i colori violenti e rifiutavano il naturalismo. Il più celebre del gruppo fu Henri Matisse, esponente con La Desserte, in cui i colori smaglianti e i contorni semplici hanno un che dei disegni infantili, verso la semplificazione decorativa. Si spinse nella trasformazione in ornamento dell'impressione visiva come nel gioco della carta da parati e il tessuto. Non rinunciò al intellettualistica raffinatezza.
- - - - Picasso non pensava che ciò potesse sostituire gli altri metodi, così tornava di tanto in tanto a rappresentare soggetti nelle forme tradizionali, e talvolta abbandonava la pittura dedicandosi alla ceramica. Es. Testa rappresentata in modo realistico e dall’altro lato come un feticcio primitivo, per scoprire fin dove si potesse spingere il tentativo di ricavare dalle forme e materiali più eterogenei l'immagine di una testa. Incredibile pensare che entrambe le teste sono state realizzate dallo stesso artista. Negò sempre di fare esperimenti: non cercava, trovava. Il piatto di ceramica con l’Uccello mostra la sua nostalgia della
        semplicità. I soggetti ora diventano un modo per approfondire i problemi dell'arte pittorica; non si parte più dal soggetto. Gli artisti moderni sceglievano in funzione ai problemi formali che volevano elaborare.
        
        Paul Klee, pittore e musicista svizzero, inventò un nuovo modo di giocare con le forme dando vita ad un equilibrio, disegnava ed aspettava che piano piano le forme suggerissero alla sua immaginazione un soggetto reale o fantastico. Seguiva i suggerimenti dalle forme e in questo modo poi creava le immagini. Nella breve favola del nano si può seguire la metamorfosi del protagonista.
        
        Lyonel Feininger, americano, testimonia il modo in cui gli artisti moderni scelgono il loro soggetto in funzione di problemi formali, come quello di rappresentare la profondità spaziale su una superficie piatta senza compromettere la nitidezza del disegno. La sua tecnica prevedeva forme sovrapposte che paiono trasparenti suggerendo una successione di strati e l'idea di profondità e permettendo di creare un quadro semplice ma non piatto. La regata di Barche a vela, dà senso di spazio e moto insieme.
        
        Constantin Brancusi, scultore rumeno, tentò di raggiungere il massimo della semplificazione nelle sue opere. Ritorna l'idea di Michelangelo che la scultura è estrarre la forma dormiente nel blocco di marmo. l bacio nella forma di cubo. Voleva capire quanto si potesse conservare della pietra originale
        trasformandola in un gruppo umano. Crebbe l'interesse per i problemi formali tentando esperimenti con il presupposto che la pittura è costruzione come l'architettura.
        
        Piet Mondrian, olandese, voleva costruire quadri con gli elementi più elementari quali le linee rette e i colori. Un'opera d'arte chiara che riflette l'oggettività delle leggi della natura. Ben Nicholson si occupò del rapporto fra le forme semplici (cerchio e rettangolo), incidendole spesso su basi bianche, convinto che ciò che cercava fosse la realtà e l'arte è un'esperienza religiosa. Alexander Calder con le sue opere voleva riflettere le leggi matematiche dell'universo e perciò non poteva essere rigida e statica; l'universo è in movimento enuto insieme da forze che gli danno equilibrio.
        
        Il nuovo artista vive una situazione di incertezza maggiore del pittore religioso rinascimentale, perché può tentare un numero infinito di possibilità senza sapere quando fermarsi. Inventò le composizioni mobiles. Cosa dovrebbero rappresentare
        queste opere, se l’interesse non sta nel soggetto né nella forma? L'artista moderno vuole creare oggetti che non esistevano prima. Il sentimento di unicità irripetibile dell’oggetto dovuto alle mani magiche dell’uomo.
        
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- - - - Salvador Dalì nei suoi quadri mescola frammenti incoerenti del mondo reale dandoci la sensazione che ciò che vediamo debba avere un senso. Ha tentato di imitare la magica confusione della nostra esistenza onirica. Il paesaggio rappresenta allo stesso tempo il muso di un cane e una montagna. La coincidenza di varie cose in ogni singola forma può tirare l'attenzione su diversi significati possibili di colore e forma, un po' come l'antico idolo Tlaloc (ma lì era il sogno di un popolo intero, qui è individuale).
        
        Per produrre una per la perfetta, l'ostrica ha bisogno di un corpo estraneo. Se il senso del colore della forma deve cristallizzarsi non opera perfetta anche l’artista ha bisogno di un nucleo e compito definito per cui possa profondere le sue doti. Prima la comunità affidava i compiti all'artista, che è abile se ci fa
        dimenticare le sue intenzioni d’origine. Ma anche quando gli incarichi i precisi si fecero rari, rimase uno solo di problemi nella cui soluzione l’artista poteva di spiegare la sua maestria. Quando i problemi non erano proposti dalla comunità, venivano posti dalla tradizione che introduceva l'indispensabile granelli di sabbia
        
        Così si stimola l'ingegnosità dell'artista verso la conquista dell'impossibile facendo scaturire sempre nuovi problemi. Ogni lavoro accenna al futuro e ricorda il passato, una catena vivente collega l'arte dei nostri giorni alle piramidi. Si può essere favorevoli o contrari all'arte moderna ma, l'originalità e l'apparente mancanza di senso delle opere di questi artisti vanno giustificate dal fatto che il pubblico non gli chiedeva nulla di specifico. L'unico compito additato è la creazione di qualcosa di nuovo. Non c'è una cosa che possa essere chiamata Arte, vi sono artisti che hanno un'integrità di carattere tale da rifiutare ogni soluzione parziale e sono pronte a rinunciare ai facili effetti e al successo pur di affrontare il travaglio e la fatica di un lavoro sincero.
        
        La storia dell'arte è la storia di una continua tessitura di una collana di perle e trasformazione di tradizioni dove ogni lavoro accenna il futuro e ricorda il passato
- - - - Nasce la preoccupazione per lo stile corretto: si sviluppa la reviviscenza greca e stile neoclassico in Inghilterra. Sir John Soane, architetto, ideò la Dorset House di Cheltenham sul puro stile ionico dei templi greci. Un progetto di casa di campagna è es. di rinascita dello stile dorico puro greco.
- - - - Iniziarono ad allestire esposizioni annuali, per far sì che venissero comprate anche opere contemporanee e non solo quelle dei grandi maestri passati Veri e propri avvenimenti sociali, in cui si
        tentava di scegliere soggetti meno drammatici per far leva e sbalordire, con dimensioni ed effetti di colore, a scapito di opere semplici e sincere.
        
        Molti autori genuini disprezzavano così l'arte ufficiale delle accademie. I pittori si misero alla ricerca di nuovi soggetti e qualsiasi cosa per suscitare interesse per le loro opere. Divennero indifferenti ai soggetti tradizionali biblici o profani. Non è un caso che spesso in America il pittore erano più liberi di tentare esperienze nuove, meno vincolati dalle tradizioni
        
        John Singleton Copley fece scalpore quando espose per la prima volta una pittura di vaste dimensioni con un soggetto insolito: Carlo I chiede la consegna di cinque deputati al parlamento, ma il presidente si rifiuta contestando l'autorità del re; il tema allude allo scontro tra il re e i coloniali (firma del trattato di pace) avvenuto da poco tempo negli USA. Si impadronì bene dei fatti storici consultando molte fonti, e riportò con massima accuratezza ogni particolare della scena. Cercò pareri di storici e ritratti dei membri del Parlamento all'epoca, nella ricerca erudita di far rivivere l'immagine dei momenti essenziali del passato.
        
        La Rivoluzione Francese del 1789 diede grande impulso all'interesse per le raffigurazioni storiche. Jacques-Louis David era un pittore ufficiale del governo rivoluzionario. raffigura uno dei capi della rivoluzione, Marat, tratto in inganno e ucciso da un'avversaria. David riuscì ad infondere eroicità a una scena inadatta per un quadro solenne. Dell'arte classifica imparò a tralasciare tutti i particolari non essenziali in vista dell'effetto principale: la commemorazione di un eroe
        
        In Inghilterra William Blake, poeta e mistico inglese, campava realizzando acqueforti per passione o per illustrare poesie; disprezzava l'arte accademica. Era tanto immerso nelle sue visioni, si rifiutava di disegnare dal vero e prendeva spunto solo dal suo occhio interiore, non curandosi dell'aspetto
        esteriore: ciò che le sue figure trasmettevano doveva bastare all'osservatore. L’onnipotente è la visione di un vecchio che misura la terra con un compasso (anche un passo della Bibbia riporta una scena simile). Il vecchio non è Dio, ma un soggetto della sua immaginazione, il malvagio Urizen. (si basava solo sul suo occhio interiore)
        
        La novità è il paesaggio, fino ad allora considerato un genere pittorico minore, che diviene ora un genere valido. I pittori di paesaggi vennero considerati veri artisti, come Turner e Constable. J.M. William Turner ambiva a raggiungere gli effetti di Claude Lorrain, ma rispetto a lui i suoi quadri erano dinamici e abbaglianti, mentre Lorrain riporta un mondo calmo e semplice. Es. Didone fonda Cartagine. Bastimento nella tempesta ha una nave in piena burrasca, ci offre una visione della natura colta nei suoi aspetti più romantici. Si limita a darci l'impressione senza marcare i contorni dei vascelli (a differenza dei fiamminghi), ma l'osservatore può ricostruire le figure senza alcuno sforzo. La natura riflette sempre i sentimenti.
        
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- - - - tra questi il più preparato fu il Palladio (Andrea di Pietro della Gondola). La sua famosa villa La Rotonda a Vicenza con la sala centrale ispirata al Pantheon. Magnifica, ma era così impegnato a esaltarne l'effetto estetico si dimenticò del fine principale dell'architettura, quello funzionale: far sì che un edificio sia abitabile volentieri.
        
        Benvenuto Cellini è il tipico prodotto del suo tempo, presuntuoso
        orafo e scultore fiorentino; per lui essere artista significava essere un virtuoso, non più solo un rispettabile proprietario di bottega. La concezione celliniana dell'arte consisteva nei tentativi di creare
        opere più originali e interessanti dell'arte precedente. Una delle sue poche opere giunte a noi è una saliera d'oro realizzata per il re di Francia di cui racconta nel suo libro minuziosamente; le gambe intrecciate delle 2 figure ci dicono come si compenetrano Terra (giovane donna nuda con in mano un corno e un tempietto ionico) e Mare (giovane uomo nudo e stringe un tridente e una barca), sopra creature marine. Il Parmigianino (Francesco Mazzola) era pittore con spirito celliniano, seguace del Correggio. Si vede l’affettazione e cerebralità. La Madonna dal collo lungo è aggraziata ed elegante ma con proporzioni distorte, non per ignoranza o per errore dell'artista, ma perché queste forme avrebbero garantito l'effetto; la disposizione delle figure non è tradizionale (una schiera di angeli uno sull'altro in un angolo stretto rispetto al vuoto di dx con la colonna) gli artisti del tempo puntarono a creare qualcosa di nuovo e inatteso sacrificando la bellezza stabilita dai grandi maestri, furono forse i
        primi pittori moderni.
        
        Giambologna (Jean Boulogne) fu scultore fiammingo. Mercurio, messaggero degli dei, tocca con la sola punta del piede terra, o meglio lo sbuffo d'aria che esce dalla bocca di una maschera che simboleggia il vento del Sud. L'artista ottenne l'effetto che voleva: la statua è così equilibrata che pare si muova con rapidità e grazia.
        
        Il Tintoretto (Jacopo Robusti) fu il più grande dei maestri del tardo '500, visse a Venezia. Decise di raccontare le storie sacre in un modo diverso per comunicare all'osservatore l'intensa drammaticità degli eventi. Vasari lo criticò condannando la sua opera per la scarsa cura dei dettagli e l'eccentricità
        del gusto, ma in quel periodo, Tintoretto volle mostrare le scene in un nuovo modo ( no assimilazione delle tecniche dei maestri)
        
        Una rifinitura liscia non lo interessava e poteva distrarre dagli effetti drammatici. Ritrovamento dei resti di S. Marco a prima vista sembra un dipinto confuso, con una disposizione delle figure poco chiara. A sx Marco indica con un gesto una scena che
        si compie sul lato opposto concentrando lì l'attenzione dell'osservatore; due uomini stanno calando il corpo del santo dalla tomba; il dipinto rappresenta la storia di come i resti vennero trasferiti da Alessandria a Venezia. Il corpo ritrovato giace ai piedi del Santo inondato di luce; il soggetto in ginocchio è colui che ha commissionato il quadro; forti contrasti di luce e ombra. Scandalizzò e contemporanea per la sua eccentricità e la mancanza di armonia nei gesti. Lotta fra S. Giorgio e il drago, la principessa pare fuggire dal quadro, mostra come i toni spezzati e la luce irreale accentuino la forte drammaticità. L’eroe è confinato in fondo.
        
        El Greco (Domenikos Theotokopoulos), pittore di Creta (rimasta ferma ai bizantini), venne a Venezia, poi a Toledo e sviluppò tali metodi. Le sue opere sono caratterizzate da forte innaturalezza (sia di forme che di colori). Superò perfino il Tintoretto per la noncuranza della forma e per la forza drammatica. L’Apertura del quinto sigillo, episodio dell'Apocalisse di S. Giovanni, in estasi, e le figure nude sono i martiri che si alzano dalle tombe, molto allungate. Terribile visione asimmetrica. Scopo del mistico fervore religioso. Ritratto di un frate spagnolo soddisfò le molte ordinazioni. Ci dice che in Spagna l'arte di El Greco non fu considerata così bizzarra come Tintoretto dagli italiani.
- - - - Nicholas Hilliard fece ritratti tendenti al manierismo. Una miniatura raffigura Giovane uomo fra le rose, inglese del periodo Elisabettiano, la mano dx premuta sul cuore indica che era forse un dono del giovane alla dama corteggiata, reca anche un'iscrizione che lo conferma, gioco grazioso.
        
        L’arte di un solo paese protestante europeo sopravvisse alla Riforma, i Paesi Bassi, dove gli artisti non si limitarono a fare solo ritratti ma si dedicarono anche a soggetti contro cui la Chiesa protestante non poteva sollevare obiezioni: le pitture di genere. I fiamminghi erano perfetti imitatori della natura, per pazienza e accuratezza, essenziale era la stupenda abilità e fedeltà della rappresentazione.
        
        Pieter Bruegel il Vecchio fu il maggior maestro di pitture di genere, lavorò ad Anversa e a Bruxelles. Il genere che scelse fu quello delle scene contadine: nella vita rustica, meno camuffata dalle convenzionalità, si ritrovavano comportamenti bizzarri, commedie umane. I modelli erano spesso di basso ceto sociale.
        
        Un magnifico disegno raffigura il pittore orgoglioso della sua opera e l’acquirente occhialuto e stupido che sbircia da dietro l'artista l'opera. Nelle Nozze contadine la sposa ha un sorriso soddisfatto su un volto idiota, lo sposo è indaffarato ad ingozzarsi; è un quadro di ghiotti innocenti, stupisce la capacità
        di osservazione e la disposizione ardita che non fa risultare l'opera caotica. Lo sfondo cerca di entrare in scena. Espediente della tavola sfuggente e le figure in continuo movimento.
- - - - il libro si impegna a evidenziare le intenzionalità delle opere, poiché ogni opera si appella alla sensibilità ad essa contemporanea, rivoltandosi contro i predecessori, l'artista sente il bisogno di essere diverso; per comprenderlo bisogna capire ciò da cosa si vuole differenziarsi, attraverso un continuo distacco (dialettica imitazione-contraddizione)
        
        emerge una contraddizione in questo contesto: il confondersi nell'affermare il continuo cambiamento, quando in realtà, nonostante gli artisti siano sempre convinti di aver superato i predecessori, bisogna sempre considerare che l’evoluzione non aumenta oggettivamente il valore artistico.
        
        la pittura fra le opera è la più privilegiata, perchè nelle illustrazioni perde meno un'opera pittorica rispetto a una scultura. Ogni capitolo è stata inserita una breve parte tratta a trattare l'evoluzione dell'artista nel mondo mostrando il rapporto con esso e i cambiamenti di natura sociale all'interno del contesto storico in cui si trova
- - - - es: scena al chiaro di luna, preso da un romanzo persiano (incontro al principe Humay) del XV secolo. Presentazione delle loro abilità, ma si nota la mancanza di pratica dello scorcio nel chiaroscuro e l'avvicinamento al vero
- - - - uno dei più antichi testi a rotolo giunti a noi tratta le virtù femminili e risale al pittore Ku K'ai-chi (IV secolo). Questa scena con scopo didattico raffigura un marito che rimprovera la moglie. Si osserva la presenza della padronanza del movimento
        
        la religione buddista era d'ispirazione all'arte cinese,, fornendogli temi da rappresentare e un nuovo modo di considerare un quadro (es. Testa di un Lohan). Le religioni orientali nutrivano tanto interesse per la meditazione (pensare per ore sulla stessa cose senza distrarsi), focalizzandosi sulle parole e agli elementi della natura
        
        lall'arte cinese vennero applicate meno le dottrine religiose, per via dell'attenzione sulla meditazione. I cinesi furono il primo popolo a non considerare la pittura un'opera servile, ponendo il pittore al pari del poeta ispirato. Gli artisti dipingevano acqua e montagne per fornire all'osservatore elementi su cui meditare, non per ornare. i loro disegni erano in scrigni preziosi e venivano srotolati solo in momenti tranquilli, es Passaggio al chiaro di Luna
        
        Gli artisti cinesi prima imparavano il mestiere dai celebri maestri e, una volta padroni della tecnica, cominciavano a contemplare la bellezza e a coglierne le sfumature, spesso con metodi di meditazione e concentrazione. Volevano avere una tale disinvoltura da poter trascrivere la loro visione mentre l'ispirazione era fresca.
        
        consideravano puerile (infantile) ricercare i dettagli nei dipinti da confrontare con la realtà, preferiscono cogliere il sentimento. Es: Pesaggio dopo la pioggia e Tre pesci (forse di Liu Ts’ai) rende l'idea di studio e osservazione per ore che si cela dietro a questi disegni. Volontà di rifugiarsi nei motivi semplici della natura
        
        Con l'andare del tempo l'arte cinese venne codificata dalla tradizione; fu il Giappone, erede dell'arte cinese, a introdurre novità dopo essere entrati in contatto con l'Occidente nel XVIII sec.
- - - - La Cattedrale di Notre-Dame è esempio della maestosa
        ossatura gotica. L'interno della Cattedrale di Amiens ci pone davanti il gioco di spinta e controspinta. Nella Sainte-Chapelle a Parigi anche sulle vetrate si ha un gioco di linee che si intrecciano sui vetri istoriati, costituiscono un ornato in armonia con la struttura. Le nuove cattedrali (trono del vescovo) davano ai fedeli l'idea di Gerusalemme celeste sceso da cielo in terra
        
        La facciata di Notre-Dame è armoniosa da far dimenticare all'osservatore il peso della pietra con cui costruita. Non erano fredde e scostanti, ma ornate per abbandonarsi a contemplazione.
        
        L’artista che lavorò al portale nord della Cattedrale di Chartres animò le figure, paiono muoversi e guardarsi, la morbidezza del panneggio pare indicare che sotto l'abito si cela un corpo.
        
        Ogni figura è concepita per essere riconosciuta con i suoi simboli nell’AT. La Cattedrale di Strasburgo di inizio XIII riporta la morte della vergine in un portale: l'artista conserva la simmetria, dando vita a personaggi con volti con espressione dolorosa e reintroducendo l'abilità classica di far intravedere la struttura del corpo sotto il drappeggio (es. mano di Cristo sotto il panno e piedi della vergine)
        
        gli artisti gotici si posero lo scopo di narrare la storia sacra nel modo più chiaro, commovente possibile per il suo messaggio al fedele: si pongono problemi espressivi, considerano la natura non per imitarla, ma per rendere persuasive le figure
        
        Ai pittori gotici era affidato spesso il compito della miniatura di manoscritti: un salterio ci illustra la Sepoltura di Cristo e l'importanza ora per l'artista di esprimere il sentimento delle figure e racchiuderle in ua composizione, più importante del reale
        
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- - - - La pittura italiana trovò il suo genio in Giotto di Bondone, artista
        fiorentino, che diede inizio ad un'epoca totalmente nuova. Le sue opere più famose sono pitture murali o affreschi (dipinti quando l'intonaco è ancora fresco/umido). Fra il 1302-1305 ricoprì i muri della Cappella degli Scrovegni a Padova: es. l'immagine della Fede, somiglia alle sculture gotiche, siamo di fronte a una pittura che l'illusione di essere una statua a tutto tondo= aveva riscoperto l'arte di creare la profondità su una superficie piatta
        
        Es. il Lamento sul corpo di Cristo morto, pare di
        essere testimoni dell'evento come se si stesse svolgendo in quel preciso momento; la drammaticità della scena è concentrata nel dolore persuasivo nei volti. Tiene conto dello sfondo. Abbandona l’idea di mostrare tutta la figura intera, creando individui rannicchiati
        
        la fama di Giotto arrivò lontana ; la gente si interessava anche alla sua vita e ne raccontava aneddoti: anche questo un fatto nuovo, poiché li artisti del tempo non erano interessati alla fama e spesso non firmavano neppure le opere. La storia
        dell'arte con lui, prima in Italia, poi all'estero, iniziò un capitolo nuovo: gli artisti.
- - - - Le chiese non erano più le principali imprese, ora gli architetti si dedicavano anche a edifici secolari. (municipi, ponti, porte cittadine); di tali costruzioni uno degli edifici più celebri è il Palazzo Ducale di Venezia.
        
        Le sculture più caratteristiche del periodo non sono quelle realizzate per le chiese, ma in metallo prezioso e in avorio spesso realizzate per privati. Es. una statuetta in argento dorato e smalto della Vergine con bambino, creata da un orafo francese, intende ispirare amore e tenerezza. Concepisce la vergine come la vera madre, inclinando la figura (metodo in voga) e Gesù come un vero bambino
        
        Salterio della regina Maria rappresenta Cristo bambino che, seduto, spiega la dottrina facendo un gesto con la mano (il maestro), gli scribi ebrei e i genitori di Cristo alzano le mani in segno di meraviglia. È evidente che l'artista non conosce ancora il modo giottesco di dare vita a un episodio. In fondo alla pagina un'altra scena: non ha nulla a che vedere con la scena sacra sovrastante, è di vita quotidiana, La caccia all'anatra con il falco, questo forse perchè le immagini bibliche incutevano troppo rispetto a introdurre immagini di vita reale, e separò la narrazione miti di simboli di facile lettura del secondo disegno
        
        A Siena, grande rivale di Firenze, i pittori non ruppero in modo rivoluzionario con l'arte bizantina; Giotto rivoluzionò l'arte di Firenze e delle zone al di la delle Alpi
        
        Duccio di Buoninsegna, tentò di immettere nuova vita nell'arte bizantina senza eliminarla. Es. pala d'altare realizzata da Simone Martini e Lippo Memmi, allievi di Duccio, che rappresenta
        l'Annunciazione. L'arcangelo Gabriele è appena sceso dal cielo per salutare la Vergine, stringe un ramoscello d'ulivo (pace) e la mano destra è alzata (atto di parlare); la Vergine è sorpresa, stava leggendo; tra i due il vaso di gigli bianchi indica la verginità; la colomba in alto rappresenta lo Spirito.
        
        Simone e Lippo hanno in comune con i pittori inglesi del tempo la predilezione per le forme delicate (corpi snelli, drappeggio fluente) e il sentimento lirico. Le figure spiccano sullo sfondo oro, la loro disposizione è perfetta; le conquiste di Giotto le ritroviamo anche qui: vaso, libro, pavimento, banco sono veri
        
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- - - - Una pagina di un calendario (Maggio) che rappresenta la festa di primavera, realizzata dai fratelli De Limbourg ci mostra pitture dal vero vivaci. Le figure presentano abbigliamenti del tempo,
        sfarzo multicolore nel caratterizzare ogni individuo come Chaucer, vi sono fronde e fiori. si avvicina a una scena reale, ma non del tutto : gli alberi sono uno stesso modello ripetuto, i volti sviluppati secondo un'unica formula.
        
        Dal 1300 si richiedeva all'artista un'ulteriore abilità oltre alla chiarezza: essere capace di fare studi dal vero e inserirli nei dipinti. Uno studio di scimmia dal vivo realizzato da
        Antonio Pisano il Pisanello, che dimostra come gli artisti si dedicassero con minuzia a questo compito.
        
        Quando l'interesse degli artisti medievali divenne il raggiungimento di una dettagliata conoscenza
        delle leggi dell’ottica e del corpo umano così da poterlo rappresentare (come avevano fatto greci e romani), si può dichiarare il superamento dell'arte medievale e di essere giunti al Rinascimento
- - - - I pittori e gli scultori nordici nel '400 non erano ancora turbati dai problemi di prospettiva e resa anatomica; sotto questo aspetto si può dire che erano ancora artisti medievali, seguendo i costumi, le invenzioni di Eyck e non la scienza.
        
        Il pittore tedesco Stefan Lochner lavorò a Colonia verso la metà
        del '400, fu un Beato Angelico del nord. La Madonna dell'umiltà vede la Vergine seduta a terra sotto una cornice di rose; il fondo oro è diventato un tessuto decorato riccamente, con scena reale. Altri come Jean le Tavernier corrispondevano più a Gozzoli. Nella scena dell'artista che porge l'opera finita al mecenate il tema parve banale all'autore così la ambientò in un vestibolo (ingresso tra esterno e interno) mettendo fedele in scena affari di vita quotidiana medievale, pieno di vita cittadina. L'arte nordica, meno preoccupata di raggiungere armonia e bellezza ideali, favorì questo genere di opere.
        
        Jean Fouquet fu il maggiore artista francese dell'epoca, si recò in Italia in gioventù. Il ritratto di donatore Estienne Chevalier con accanto il suo protettore S. Stefano con in mano un libro e un sasso appuntito che ci ricorda che morì lapidato. Usa la luce come Piero della Francesca. Figure calme e statuarie. Diverso dagli italiani nell'interesse che nutre per la materia e la superficie degli oggetti secondo la tradizione nordica.
        
        Altro grande artista nordico che si recò a Roma fu Rogier van der
        Weyden, vissuto nel sud dei Paesi Bassi. Una pala d'altare che raffigura la Deposizione di Cristo. Non meno di Eyck sapeva riprodurre ogni particolare e di fronte al problema di realizzare una scena sacra capibile, visibile da lontano ed omogenea allo sfondo egli propose una composizione dove Cristo è al centro, mentre i personaggi lo incorniciano ai lati, e lo sfondo è oro con effetto armadio, per non distrarre l'osservatore da ciò che stava accadendo nella scena su fondale neutro e teatrale da tableau
        vivant. Maria somiglia a Cristo, perché vive con tanto dolore come lui la passione.
        
        I nordici tentarono di conciliare le nuove esigenze artistiche (già affrontate in Italia) con l'antico fine religioso. Hugo van der Goes (che visse un ritiro monastico ossessionato e triste) rappresenta la Morte della Vergine, con i 12 apostoli intorno che hanno reazioni varie dinanzi a Maria defunta; solo a lei è concessa la visione del figlio che la accoglie a braccia aperte Cercò una composizione vera che non lasciasse nel pannello spazi vuoti o privi di significato, con lo sforzo di distribuire le figure ben in vista
        
        Lo scultore Veit Stoss di Norimberga scolpì l'Altare della chiesa di Nostra Signora a Cracovia (Polonia); riuscì nell'intento di realizzare una scena visibile da lontano ai fedeli; al centro è rappresentata la morte della Vergine, più in su la sua anima (bambina) accolta da Cristo, nel punto più alto Dio e il figlio che la incoronano. Solo da vicino si nota l'esattezza e l'espressività nelle teste meravigliose del reliquiario.
- - - - Gli artisti del tempo avevano ambizioni ancora più alte e la xilografia si adattava male alle loro esigenze, così venne introdotta l'incisione su rame (negativo della xilografia): permetteva di ottenere effetti più raffinati grazie al bulino, che con la sua punta incideva la lastra di rame; l'inchiostro che rimaneva nelle righe scavate colava sulla pagina realizzando il disegno.
        
        Maestro dell'incisione su rame fu Martin Schongauer, vissuto nell'odierna Alsazia. Nella Natività ogni particolare è estremamente curato, sembra di toccare le superfici degli oggetti tanto sono rifiniti (mattoni, erba…); sembra impossibile ottenere questo risultato senza il sussidio di un pennello. Il problema della composizione e della resa spaziale della Fedele imitazione del vero non deve turbare l'equilibrio dell'insieme. Scelse
        come cornice una rovina che gli consentiva di inquadrare solidamente la scena con le macerie attraverso cui guardiamo e il permise di dare spicco alle figure collocandole su fondo nero.
        
        l'arte della xilografia e dell'incisione si diffusero in tutta Europa per scambiare idee e l'arte rinascimentale uscì dall'Italia, ponendo fine all'arte medievale nel Nord.
- - - - L’edificio ideale inglese del '700 non fu il castello ma la casa di campagna. Una certa follia però toccò Blenheim Palace, eccezione. Gli architetti di queste evitavano le stravaganze barocche preferendo le regole dell'architettura classica, servendosi delle regole che gli artisti del Rinascimento avevano riunito in volumi. Si ispirarono agli scritti di Palladio definendo un loro stile alla maniera palladiana, moda all'ultimo grido.
        
        Lord Burlington e William Kent progettarono e decorarono Chiswick House. Muri semplici e disadorni. Anche il parco/giardino della villa doveva essere in armonia con la maniera classica, venne inventato così il giardino panoramico, lontano dalle artificiosità rococò. Scenari armoniosi ispirati a Lorrain.
        
        I parchi di Stourhead nel Wiltshire con struttura palladiana, lago e ponte rievocano le costruzioni romane. La gente alla moda del tempo non si opponeva alla pittura per motivi puritani, ma non ordinava volentieri opere ad artisti inglesi emergenti, preferiva comprare da un maestro italiano.
        
        Ciò scaturì la rabbia di un giovane pittore ed incisore inglese, William Hogarth. Tentò di creare un nuovo tipo di pittura realizzando numerosi quadri che illustrano i premi delle virtù e le conseguenze dei vizi nella Carriera del libertino e I quattro stadi della crudeltà. Storie edificanti e ammonitrici di facile comprensibilità, sermoni figurati e didattici. Paragonò la sua nuova arte al commediografo o regista, metteva in luce il carattere del personaggio nella pittura attraverso volto, costume, portamento.
        
        In un episodio il libertino è diventato pazzo ed è stato messo in manicomio, sono rappresentati tanti tipi di pazzi a Bedlam che fanno da cornice alla scena di lui incatenato. Abile nella pennellata di luce e colori e nella composizione dei gruppi. Scrisse The Analysis of Beauty in cui sostiene che la linea ondulata è più bella che ad angolo, apparteneva al secolo della ragione e credeva nelle norme oggettive del gusto.
        
        Sir Joshua Reynolds con la sua pittura soddisfece la società inglese; era stato in Italia e i maestri del Rinascimento erano per lui esempi di autentica arte, a differenza di Hogarth. Espose la sua dottrina accademica nei Discourses dove sosteneva che il pittore doveva tentare di migliorare le imitazioni dei grandi maestri con le sue idee. All'epoca erano preoccupati a lottare contro lo snobismo di chi disprezzava il lavoro manuale del pittore, sostenendo di essere degni di entrare in società. Giunsero a
        mettere in luce l'importanza dell'invenzione poetica nell'arte, ma il mestiere non basta: ci vuole erudizione e fantasia. Questo pregiudizio non è vero, nessun genere di lavoro manuale compromette la dignità dell'uomo. Credeva nella superiorità della pittura di argomento storico ma l'unico genere d'arte richiesto al tempo era la ritrattistica.
        
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- - - - Jean-Honoré Fragonard fu pittore seguace di Watteau nella scelta di temi fiabeschi e malinconici, pittoreschi. Disegnò la veduta del Parco di Villa d'Este a Tivoli, ha saputo cogliere la grandiosità del paesaggio incantevole.
- - - - Durante l'800 gli artisti si divisero in due: coloro che ubbidivano alle convenzioni per soddisfare le esigenze del pubblico, e coloro che seguivano la propria indole artistica senza dare ascolto alle mode e per questo spesso non apprezzati dal pubblico. Fra artisti e pubblico la sfiducia era reciproca, si smarrì il senso di sicurezza. Il pubblico infatti predilige opere che somigliavano ad altre che ha apprezzato. Lo stile è come un'uniforme e col passare del tempo il margine di libertà concesso all'artista si allargò sempre di più. Gli artisti cominciarono a considerarsi una razza a parte accentuando il disprezzo per le convenzioni
        
        Nonostante spesso facessero la fame, fu nell'800 che si capi per la prima volta che l'arte è il miglior mezzo per esprimere l'individualità (purché l'artista abbia un'individualità da esprimere). L'idea che il vero fine dell'arte sia l'espressione personale poteva affermarsi solo quando l'arte si fosse liberata da ogni altro fine. Si aprì un abisso tra gli artisti di successo che contribuivano all'arte ufficiale accademica e gli anticonformisti, apprezzati spesso dopo la morte.
        
        Dall'800 la storia dell'arte acquistò un altro significato: il coraggio e la tenacia di essere anticonformisti, di superare senza timore le convenzioni predominanti per creare nuove possibilità. Pitture che prima risultavano nuove ora persero il loro fascino, tanto che nessuno ricorda gli artisti ufficiali più pagati del periodo. Parigi divenne il centro artistico per eccellenza, una Firenze del '400, attirando da tutto il mondo giovani desiderosi di acculturarsi.
        
        Jean Auguste Dominique Ingres era pittore con tendenze
        conservatrici, allievo e seguace di David per l'ammirazione dell'antichità classica. La bagnante mostra la sua maestria nel modellare le forme con levigata perfezione e l'armonia della composizione, nulla è in disordine.
        
        Eugène Delacroix era opposto a Ingres, apparteneva ai grandi rivoluzionari che non accettavano i canoni accademici. Riteneva che in pittura fosse più importante il colore del disegno, ammirando i veneti. Non accettava i canoni accademici né i verbosi richiami agli antichi. Nella Carica della cavalleria araba i contorni sono indefiniti, il suo scopo è farci partecipare a uno stato d'animo teso. Nulla è ben modellato o patriottico. Si fece ispirare dal mondo arabo quando andò in Africa.
        
        Jean-Baptiste Camille Corot, paesaggista, voleva rendere più fedelmente possibile la realtà. Nei Giardini di Villa d’Este (stesso soggetto di Fragonard) per rendere un giorno d'estate al sud si concentrò sulla resa armoniosa dell'insieme nella forma e nel colore. Ha catturato la luce e la foschia della scena. Spesso il colore entra in conflitto con le gradazioni tonali, così Si è tenuto entro una gamma che non inghiottisce i colori, ma li collega armoniosamente.
        
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- - - - na litografia (disegno realizzato su pietra e stampato su
        carta) rappresenta una corsa di cavalli, a primo impatto uno scarabocchio; ma Manet è intento a dare l'impressione della scena che l'occhio umano registra in un momento fuggente (es. cavalli con due sole zampe).
        
        William Powell Frith, pittore inglese a confronto con Manet con Il giorno del Derby: la folla accuratamente disposta è fatta da tante scenette che con un solo sguardo non possono apparirci contemporaneamente. Spesso vediamo solo confuse macchie. Ci induce a scrutare una ad una le scene, a differenza di Manet, che ci riporta l'impressione che l'occhio umano coglie.
        
        Il suo seguace Claude Monet aveva fatto adattare a studio una barca e Manet lo ritrasse perché affascinato dalla serietà con cui il giovane aveva seguito le sue idee. La natura/il motif muta ogni istante, il pittore spera di cogliere un aspetto caratteristico velocemente e non ha tempo di fissare con calma i colori sulla tela, perciò ricorre a rapidi colpi di pennello. Ogni pittura per lui andava finita sul
        
        posto, curandosi dell’effetto d’insieme, non dei dettagli. Questa mancanza di rifinitura fece infervorare i critici. 1874: gli impressionisti si unirono e allestirono la mostra Impression: soleil levant nello studio di un fotografo che destò scalpore. Un criticò li definì “impressionisti” in modo dispregiativo, però accettarono di essere chiamati così e come tali sono conosciuti. Nonostante l'aspra incomprensione del pubblico, ebbe un trionfo completo. Anche la scelta dei soggetti era scandalosa.
        
        Gli effetti di luce e atmosfera contavano più del soggetto. La stazione Saint-Lazare è l'impressione di una scena della vita di ogni giorno. Il soggetto è l'effetto della luce che entra dalle finestre e si riflette sul caos
        
        Pierre Auguste Renoir nel Ballo al Moulin de la Galette mostra il suo interesse nel riportare i colori brillanti e l'effetto del sole sulla gente. Le forme sullo sfondo si sciolgono in pennellate arbitrarie.
        
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- - - - Quando Gombrich scrisse il capitolo XXVII, ancora non era a conoscenza della presenza in Inghilterra di un emigrato tedesco, la cui opera si sarebbe mostrata di grande importanza. Si tratta di Kurt Schwitters, che raccoglieva biglietti dell’autobus, ritagli di giornali e altri scarti per creare simpatiche, e gradevoli composizioni. Il suo rifiuto di servirsi dei convenzionali metodi di pittura e della tela tradizionale era connesso alle teorie propugnate da un movimento estremista sorto a Zurigo durante
        la WWI, i dadaisti.
        
        Desideravano divenire simili a bambini e si beffavano della solennità enfatica dell’arte con la A maiuscola, appianando la differenza tra arte e manifesti. Uno dei principali esponenti fu Marcel Duchamp, famoso per aver preso un qualsiasi oggetto, chiamato da lui preconfezionato (readymade), firmandolo col suo nome.
        
        In Germania, Joseph Beuys seguì le sue orme, dichiarando di aver allargato o esteso la nozione di arte. Ma arte significa cose diverse in tempi diversi (es. calligrafia come arte). Parliamo di arte ogni volta che è una cosa hai fatto in modo così superlativo da farci dimenticare la domanda del suo significato.
        
        Un aspetto che non sembrava ancora essere mai stato esplorato fu la disposizione dei colori come fine a sé stessa, trascurando qualsiasi altro scopo. La corrente che concentrava il suo interesse sul egno/macchia lasciata dal pennello fu chiamata in Francia tachisme, ma fu soprattutto l’artista americano Jackson Pollock a suscitare interesse con i nuovi modi di applicare il colore. Si era dapprima avvicinato al surrealismo, ma poi abbandonò le arcane visioni che avevano predominato nei
        suoi quadri per esercitarsi nell’arte astratta intollerante dei sistemi convenzionali, pose la tela sul pavimento e vi fece gocciolare i colori in modo da formare sconcertanti raffigurazioni: tecnica della
        action painting/espressionismo astratto.
        
        Non tutti i pittori appartenenti a questa corrente usano i
        metodi drastici di Pollock, ma tutti sono convinti dell’esigenza di cedere all’impulso più schietto. Tali dipinti devono essere eseguiti rapidamente e di getto, simili a uno sfogo spontaneo infantile. E questo metodo casuale e respirato all’arte cinese e al misticismo del buddismo zen, per liberarsi di ogni logica convenzione essere illuminati.
        
        Franz Kline intitolò il suo quadro Forme bianche con lo scopo evidente di richiamare l’attenzione dello spettatore non solo sulle linee, ma sulla tela che in qualche modo modificano; pur sobrie che siano le sue pennellate, si risolvono in un senso di disposizione spaziale come se la parte inferiore si allontanasse verso il centro. Le sfumature vigorose del tachiste Pierre Soulages provocano il senso delle tre dimensioni, ma al tempo stesso la qualità pittorica sembra più gradevole. Vogliono che la loro opera sia irripetibile, specie su grandi dimensioni, e subendo il fascino del mezzo
        
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- - - - L’arte non vuole procedere pari passo con scienza e tecnica, ma vuole anche cercare una via di scampo per sottrarsi ad essi. Si è giunti a evitare il razionale e il meccanico, aderendo alla mistica teoria che esalta il valore della spontaneità e delle individualità. L’arte sembra rappresentare l’unico rifugio dove sono ammessi e apprezzati estro e iniziative personali. Il mondo di arte ed efficienza tecnica hanno raggiunto il modus vivendi, l’artista può ritirarsi nel suo mondo e occuparsi di sé.
        
        Nozioni influenzate da presupposti psicologici legati alla teoria dell’autoespressione, l’influsso di Freud, la ferma convinzione che l’arte sia espressione del proprio tempo, portando a credere che l’artista non ha solo diritto, ma dovere di abbandonare ogni autocontrollo. Conta far fronte a tale realtà che ci aiuta a diagnosticare il nostro stato. La teoria opposta (solo l’arte è in grado di offrire la perfezione in questo imperfetto mondo) è condannata come evasione dalla realtà. La psicologia ha fatto sorgere interessi che hanno portato a esplorare zone della psiche prima rifiutate da tabù.
        
        Ciò ha influenzato anche musica e letteratura, ma l’arte differisce dalle altre forme di creazione in quanto meno legata a intermediari. I libri devono essere stampati e pubblicati, drammi e musica devono essere rappresentati. Fra tutte le arti la pittura ha dimostrato di essere più suscettibile all'innovazione ardite. In definitiva l'artista ha bisogno di un intermediario, il mercante che espone e diffonde le sue opere e i critici conservatori dell'ultima generazione si lamentavano della presenza invasiva del mercante, ma restano i servitori del mercato, non i padroni.
        
        Nell'insegnamento dell'arte si è avvertito il primo mutamento rivoluzionario dell'educazione moderna. A inizio 900 gli insegnanti si rendevano conto che potevano ottenere molto di più abbandonando i metodi tradizionali. Pionieri come Franz Cizek volevano che il talento dei fanciulli si esplicasse liberamente, apprezzando l'ideale di autoespressione anche come svago. Il rapido aumento dei dilettanti incide in vari modi alimentando l'interesse ben accetto agli artisti, alcuni ansiosi di sottolineare la differenza che corre tra il modo di una professionista di trattare il colore e quello di un dilettante
        
        La discussione della fotografia come rivale della pittura. Il legame con la natura costituiva un punto di riferimento e un problema stimolante che occupa per secoli i migliori artisti. Ma ora fotografico è divenuto un dispregiativo nella valutazione di artisti e docenti d'arte, la tesi che l'arte deve ora cercare di offrire un'alternativa alla rappresentazione della natura è per molti plausibile.
        
        In vaste parti del mondo è impedito agli artisti di cercare alternative. Le teorie marxiste consideravano gli esperimenti un sintomo di decadenza della società capitalistica e l'arte comunista doveva celebrare le gioie del lavoro con un tentativo di controllo dall'alto. Ciò ha trascinato le arti sul terreno politico mutandole in un'arma, per il contrasto tra società libera e dittatura.
        
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- - - - Ci serviamo solo del riflesso sull'arte della ceramica e le copie varianti, ma grazie al ritrovamento della tomba reale a Vergine, nel nord della Grecia, forse di Filippo II. Non solo mobili,gioielli e tessuti, ma affreschi come quello del Ratto di Proserpina. Altri archeologi scoprirono in Cina vicino alla tomba dell’imperatore Shi Huang-ti, che unificò la Cina con l'intento di difendere i suoi domini dalle incursioni dei nomadi, fece erigere la Grande Muraglia. Fece realizzare l'Esercito di terracotta, soldati a grandezza naturale schierati attorno alla tomba, sostituti di servitori e schiavi un tempo sacrificati per accompagnare il potente signore nella terra dei defunti. È un esercito al completo
        di circa 7000 uomini con cavalli, armi, uniformi e insegne con una vivida raffigurazione del volto, ancora più realistiche con l'uso di colori. Tanta perizia era per soddisfare le attese di un uomo che si
        giudicava al di là dei limiti umani e non poteva accettare di avere nella morte un nemico con cui non poteva lottare
        
        Parecchie sculture di Notre Dame furono vittime di questo odio nella Rivoluzione francese. Statue raffiguranti i re dell'Antico Testamento con le corone più tardi furono credute sventuratamente simboli dei Re di Francia e inevitabilmente incorsero nelle ire e furono decapitate. Quelle che ci sono ora sull'edificio sono risultato di un restauro opera di Viollet-le-Duc. Nel 1977 per costruire una banca vennero scoperti moltissimi frammenti abbandonati. Alcune teste hanno una dignità e serenità unica. È probabile che molte culture medievali fossero in origine colorate.
- - - - Esistono modi sbagliati di non godere dell'arte: vedere ciò che non amiamo della realtà di un'opera, non deve essere un limite
        
        Gli artisti ci presentano il bello: ci sono vari esempi, come Rubens disegnò il suo bambino orgoglioso di quanto fosse bello per mostrarlo al mondo. Questa predilezione del bello può essere un limite nel momento in cui ci distacchiamo da soggetti molto attraenti nell'immediato, un altro esempio è il ritratto della madre dell'artista Durer, nella quale appare meno attraente dell'infante, ma osservandolo più attentamente si può accogliere uno studio della vecchiaia grandioso (oppure i Monelli di Murillo o la bambina di Potere de Hooch)
        
        La difficoltà sta nella vasta gamma di enorme canoni e gusti che caratterizzano la bellezza: esempio i suonatori di liuto di Melozzo da Forlì e Hans Memling: si tratta di apprezzare diverse forme del bello e di andare a un'apparenza goffa iniziale
        
        il discorso sulla bellezza vale anche per l'espressione: ci sono varie espressioni che possono essere apprezzate, come capire nell'immediato un'espressione semplice e commovente (Cristo tormentato dalla passione esplicita di Guido Reni) oppure volti più criptici (crocifisso medievale). Per apprezzarli bisogna comprendere i diversi linguaggi e metodi per essere apprezzati. Questo determina come un'artista senta determinati temi, specie con le opere del passato quando tecnicamente non potevano essere rappresentati al meglio
        
        l'osservatore ha la volontà di osservare l'abilità dell'artista nel rappresentare le cose vere: ammirevole l'impegno dell'artista nel rappresentare dettagliatamente e fedeltà la realtà (lepre di Durer o elefante di Rembrandt). Questa aspetto si sgretola un po' se si parla di artisti moderni, perchè dovrebbero avere la capacità tecnica di rappresentare il reale in maniera fedele, ma permane la necessità di modificare il reale, es: ambito dei fumetti è giustificata un minimo la modifica del reale (dall’Histoire naturelle di Buffon con incisione di una chioccia di
        Picasso, disegnata correttamente)
        
        Non bisogna mai condannare un'opera pittorica di essere scorretta nei dettagli: esistono delle ragioni legate alla poetica dell'artista che guidano il suo non essere fedele e le modifiche del reale. Un esempio sono i cavalli Gericault (esperimenti di Muybridge), in cui solo con la macchina fotografica ci si accorge dell'errore iniziando a criticare; ciò dimostra come la percezione del reale sia relativa
        
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- - - - per comprendere questa arte è necessario analizzare il pensiero, nella quale l'oggetto potente serviva a un unico scopo (non da ammirare). Per capire questa idea di magico bisogna immedesimarsi, attraverso il pensiero di azioni e immagini seppur in maniere irrazionale, ci influenzano. In chi guarda si innesca l'idea che ciò che subisce il ritratto di una persona avvenga all'individuo stesso (es i rozzi fantocci di nemici o animali per poi recare danno nella speranza che queste ripercussioni accadessero nella realtà)
        
        questa motivazione di sfogarsi nella produzione di immagini, fa evidenziare come i primitivi erano esitanti nella distinzione fra l'oggetto reale e quello raffigurato. Possiamo notare per esempio, che nelle pitture rupestri non avevano un criterio decorativo (erano fatte su un unico gruppo o sovrapposte), ma una manifestazione della credenza legate al potere dell'immagine sul reale
        
        ipotesi: oggi esistono delle popolazioni che si sentono imparentate con determinati animali (non solo per la caccia), ma bisogna anche considerare che l'effige di un animale sia sfruttata in determinati casi (lupa di Roma o leone britannico) ai totem, rende l'idea come le reminiscenze di queste credenze esistono tutt'ora
        
        per giudicare la pittura primitiva si deve comprendere la funzione legata all'influenza dell'effetto magico.
        
        gli artisti erano al servizio della comunità essendo dei mestieranti a cui non veniva chiesto mai nulla di nuovo, mentre gli artigiani potevano mostrare la loro ispirazione artistica anche nei riti codificati, migliorando tecnica e tocco. avevano u livello di abilità notevole, considerando gli strumenti archi a disposizioni (es architrave di legno in Maori)
        
        Non bisogna considerare l'arte primitiva come grottesca, ma bensì legarsi al tipo di mentalità di determinate società che persisteva in quel periodo, rispetto a quelle successive. Si parla in questo caso di un progressivo perfezionamento tecnico basato su mutamenti di criteri e esigenze
        
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- - - - mummia: incremento l'esistenza eterna del sovrano. La sua mummia veniva conservata e gli scultori venivano incaricati di rappresentare il suo
        volto in modo da rendere perenne anche la sua memoria (lo scultore era sinonimo di "colui che mantiene in vita). All'inizio queste pratiche erano riservate solo ai re, poi ai nobili e infine alla gente comune (vita ultraterrena: all'interno della tomba venivano offerti cibo, mummia e busto)
        
        Gli scultori tendevano a fissare dei dettagli per evitare espressioni fugaci, ed è grazie a questo motivo che esistono le opere più belle del periodo egizio, per quanto riguarda i busti funerari. Anche all'interno delle tombe erano pensati per mantenere in vita l'individuo composto da pitture; un aspetto da considerare e che non sarebbero viste da nessuno
        
        aspetto non primitivo: mantiene una grande solennità l'assenza di naturalismo che porta questo ritratto del defunto a durare in eterno (fusione di geometria di euritmia e acuta osservazione della natura)
        
        alcune popolazioni antiche spesso alla morte di un sovrano uccidevano anche la famiglia e gli schiavi allo scopo di seppellirli con lui per far si che avesse un'adeguata scorta per il suo arrivo nell'al di la; considerate troppo crudeli si ricorse alle pitture
        
        il modo di rappresentare la realtà utilizzata dai pittori egizi si focalizzavano in una concezione che mirava a fissare tutto nel modo più chiaro e duraturo possibile, per questo si affidavano alla memoria senza copiare il reale da un angolo a scelta. Seguivano dei canoni molto rigidi, e stilisticamente erano vicini ad un disegnatore di carte geografiche
        
        Precisione è la parola chiave. Le figure non venivano rappresentate coerentemente, veniva sempre scelto l’angolo visivo più chiaro (anche per ls figura umana). Gli artisti egizi si limitavano a seguire delle regole per una rappresentazione chiara e duratura in grado di riconoscere appieno la figura
        
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- - - - successivamente in Grecia e Asia si stabilirono delle tribù europee, e questo fu un motivo che gran parte dell'arte venne spazzata via (sono rimaste oggi solo dei poemi omerici). I popoli europei ebbero un approccio all'arte molto primitivo, con una rigidità maggiore rispetto all'arte egizia, cancellando ogni traccia del dinamismo cretese
        
        alcuni motivi geometrici (vasi arcaici) e l'interesse per la semplicità sono riscontrabili in questo periodo: es. un tempio arcaico appartenente alla tribù dei Dori (futuri spartani), da cui deriva il termine dorico.
        
        probabilmente i primi templi erano di legno con piccoli cubicoli contente l'immagine del dio. Prediligevano semplicità e funzionalità costruendo templi in pietra solo dal 600 a.C. e
        soprattutto semplificando la struttura nel miglior modo possibile composto: una trabeazione e una parte superiore che scarna con triglifi (3 scanalature) intercalati da metope (riquadri). Particolare è la grazia che riescono a mantenere. Le colonne risultano affusolate alle estremità e più spesse al centro, il che dimostra una cura estetica, e un interesse minimo alla dimensione decorativa. é evidente che sono costruite dagli uomini per uomini
        
        Atene fu la città più importante per la storia dell'arte greca: gli scultori in particolare presero ciò che era il punto d’arrivo dei modelli egizi e cambiarono approccio. Iniziarono a basarsi su ciò che vedeva l’occhio invece che su ciò che sapevano, sui
        preconcetti costruiti. Gli egizi si basavano su ciò che sapevano, mentre i greci iniziarono ad affidarsi agli occhi
        
        questo cambiamento divenne una rivoluzione, e gli scultori cercavano nuovi modi per rappresentare le figure; le scoperte venivano adottate e arricchite dai colleghi creando una catena evolutiva. Anche la pitture prese questa via, anche se non ne abbiamo traccia (spesso diventano più famosi degli scultori)
        
        l'unica testimonia della pittura sono le traccia vascolarisui vasi che contenevano olio e vino, es Achille e Aiace in cui il pittore si è focalizzato sull'immaginazione della scena della apparizione fra i due. Questa pittura divenne una grande industria per Atene
        
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        la più grande scoperta di questo periodo fu lo scorcio, nel 500 a.C. Fu un momento estremamente drammatico per la storia dell'arte che coincide con la prima rappresentazione. Il vaso ci mostra un guerriero accanto ai genitori; i contorni sono ben definiti (permane un poi lo stile egizio), ma c'è una ricerca di un maggiore naturalismo in un'epoca in cui la civiltà inizia ad indagare sulla natura senza per dare per scontato le leggende sugli dei
        
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- - - - Il grande scultore del tempo fu Prassitele per via della sua grazie e carattere dolce delle sue creazioni. La sua opere più celebre fu "Venere che si prepara in bagno", andata persa. una sola opera originale forse ci è rinvenuta, il dio Ermes con Dioniso fanciullo in braccio, qui Prassitele si interessa alla resa atomica del corpo senza far apparire rigida la statua, mostrandoci l'articolazione
        
        Dobbiamo ricordarci che questa bellezza è raggiunta attraverso la conoscenza e la costruzione a partire da sembianze reali per poi abbellirle= idealizzarono la natura
        
        Molte opere giunte a noi sono copie o varianti come l'Apollo Belvedere, il modello ideale di corpo maschile e con la sua posa straordinaria e la testa volta a seguire la freccia ritroviamo l'antico schema secondo cui ogni parte del corpo deve esser colta dal suo angolo più caratteristico.
        
        Venere di Milo: forse apparteneva al gruppo di cupido; tendeva le braccia nonostante il periodo tardo che si ri fa ai metodi di Prassitele
        
        I greci non avevano mai prodotto un ritratto individuale vero e proprio, le statue erano espressive ma i volti non comunicavano un sentimento preciso, perché i lineamenti avrebbero
        sciupato la regolarità della figura. Si valsero del corpo e dei movimenti per esprimere i travagli dell'anima
        
        gli artisti della generazione dopo Parassite ammirano il volto e colsero i moti dell'anima del soggetto, senza distruggerne la bellezza e iniziarono a produrre ritratti nel senso moderno della parola
        
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- - - - I ritratti avevano svolti in origine nella religione romana una certa funzione, era uso nei cortei funebri portare immagini in cera degli antenati; più tardi il busto dell'imperatore era realizzato ancora per la credenza che con l'immagine sopravvivesse anche l'anima. Ogni romani doveva bruciare incenso davanti al busto dell'imperatore in segno di fedeltà (la persecuzione dei cristiani ebbe origine dal loro rifiuto di ubbidire a tale richiesta)
        
        I ritratti romani erano realizzati con verosimiglianza al soggetto e
        poche lusinghe, a differenza di quelli greci. Il busto di Vespasiano ha poco a che fare con un dio
        
        Altro compito che i romani affidavano agli artisti era di rappresentare le loro campagne di guerra vittoriose. Traiano fece erigere una colonna altissima dove si narra delle sue guerre in Dacia. Il fine di queste opere non erano l'armonia e la bellezza, ma la chiarezza degli episodi narrati, raffinatezza e nitidezza dei particolari per far passare il messaggio del potere dell'impero
        
        Nei secoli poi l'arte romana si andò a sostituire all'arte degli imperi orientali: gli egizi continuavano a mummificare i defunti, ma il loro ritratto lo affidavano a un artista che conosceva i caratteri della ritrattistica greca.
        
        In India venne adottata la maniera romana di narrare una storia e glorificare gli eroi per illustrare la storia di Buddha. L’episodio La grande rinuncia, che vede il giovane principe lasciare in silenzio la casa dei genitori per ritirarsi in solitudine. L'arte mediterranea, che aveva ben insegnato a raffigurare eroi e dèi, aiutò gli indiani a crearsi un'immagine del loro salvatore, es. Testa di Buddha.
        
        La religione ebraica trasse da queste arti l'uso di rappresentare storie sacre per ammaestrare i fedeli. Si iniziò a decorare le pareti delle sinagoghe con episodi dell'AT. Un opera rappresenta Mosè che fa scaturire l'acqua da una roccia e i 12 ruscelli ndicano che l'acqua miracolosa fu distribuita a tutte le tribù di Israele. Non si cerca il verosimile, ma lo scopo essenziale di ricordare allo spettatore la vicenda di Dio. anche per raffigurare Cristo e i suoi apostoli nei primi anni dell'era cristiana si ricorse ai caratteri dell'era greca e romana
        
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- - - - Sant’Apollinare in Classe a Ravenna rende l'idea dell'aspetto delle prime basiliche, purtroppo andate distrutte: erano ampie con una sala centrale e due sale laterali più strette e basse separate da una fila di colonne sullo sfondo vi era l'abside semicircolare dove sedeva colui che presiedeva l'incontro.
        
        quando le sale furono adibite, la stanza principale fu definita navata, l'abside con latra si chiamò coro, le navate laterali ali. Problema della decorazione: si era d'accordo sull'assenza delle statue perchè ricordavano gli idoli pagani, ma si discuteva sulla creazione di pitture. Secondo alcuni erano utili alla comunità per ricordare gli insegnamenti (facilitare la comprensione di un Dio invisibile) e papa Gregorio Magno ribadì il concetto precisando
        che molti erano analfabeti e le pitture avrebbero potuto indottrinarli
        
        secondo lui il soggetto doveva essere rappresentato in modo chiaro e semplice, escludendo qualsiasi elementi di distrazione, es. mosaico della basilica di Ravenna presenta Il miracolo della moltiplicazione di pani e pesci (cristo al centrale e al laterali i due apostoli che porgono pane e pesce); Cristo guarda lo spettatore perchè è lui che vuole sfamare, il suo senso e che vuole precisare che il miracolo non era avvenuto in Palestina. Permane qualche caratteristica greca (drappeggio e ombre), ma il mosaico è rigido e infantile (primitivo per la semplicità dell'artista). Rappresentazione della solennità e potere di Cristo
        
        l'arte cristiana è un miscuglio di arte primitiva con tecniche raffinate. Sono utili nella narrazione di un episodio, ma lontane del classicismo (no perdita)
        
        La questione dell'arte nelle basiliche si rivelò importantissima, fu una delle ragioni per cui la chiesa Orientale di Bisanzio non volle stare sotto quella latina di Roma.
        
        in Oriente erano contrari alle immagini sacre (iconoclasti), ma in Occidente (iconoduli) si giustificavano dicendo che se Cristo si era manifestato agli uomini con sembianze umane, perché non si sarebbe potuto rappresentarlo? (venerazione per la rappresentazione. I bizantini si attenevano agli antichi modelli preservando le conquista dell'arte greca, nonostante una certa rigidezza nelle figure
        
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- - - - Goti, vandali, sassoni, vichinghi, attraversarono l'Europa saccheggiando e furono considerati barbari dai filo-romani. Avevano le loro abilità: artigiani esperti nella lavorazione del metallo ed eccellenti scultori per il legno. amavano raffigurare corpi contorti e intrighi di draghi e altri animali; è probabile che vedessero nell'arte un potere magico, come nelle tribù primitive, Es. drago intagliato su una nave vichinga, per scacciare gli spiriti maligni.
        
        I monaci d'Inghilterra tentarono di inglobare l'arte nordica all'arte cristiana, costruendo chiese che imitavano le scultore in legno degli artigiani. Sorprendenti sono i talenti di questi artisti nel realizzare figure in miniatura nei manoscritti inglesi e irlandesi
        
        in una pagine dell'Evangialiero di Lindisfarne 700 d.C vediamo la
        croce composta con pazienza da una trina di draghi e serpenti allacciati sopra un disegno complicato, che danno una forma di armonia e di colore
        
        la figura umana nei manoscritti era rappresentate con delle trame bizzarre con sembianze di uomo (es San Luca). Si vede la difficoltà per coloro cresciuti con la tradizione indigena di adeguarsi alle esigenze dei testi cristiani.
        
        L'abilità nel disegnare meravigliose trame aiutò gli artisti occidentali a introdurre nella loro arte questo nuovo elemento dando vita a qualcosa di nuovo: l'arte occidentale senza il conflitto tra classico e indigeno la falsariga bizantina
        
        La conoscenza dell'arte classica non andò persa: Carlo Magno nell'800 fece edificare ad Aquisgrana una chiesa di aspetto fedele a una costruita a Ravenna 300 anni prima. Persiste l'assenza di originalità: gli schemi vecchi servono bene allo scopo.
        
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- - - - Dal punto di vista economico l'erezione di una chiesa trasformava un'intera città. I soffitti in legno delle basiliche non erano abbastanza dignitosi per queste nuove chiese, quindi occorreva la pietra, così gli architetti normanni idearono un soffitto composto da nervature e costoloni a croce fra i pilastri portanti riempiendo poi le sezioni triangolari con materiali leggeri.
        
        fu un importante rivoluzione. Si dovette
        affrontare il problema tecnico con conoscenze tecniche e calcoli e incessanti esperimenti, perchè per reggere tutto quel peso servivano dei pilastri formidabili con grandi blocchi di pietre Cattedrale normanna di Durham
  - - - Candelabro realizzato per la cattedrale di Gloucester nel 1110: l'intreccio di figure mostruose ci ricorda l'arte dell'alto medioevo, ma il significato si collega alla dottrina religiosa. In questa giungla di mosti vi sono i simboli degli evangelisti e uomini nudi, si capisce che la dottrina è in grado di fare trionfare questi uomini sperduti nelle tenebre
        
        la fonte battesimale della chiesa di Leigi del 1113, in ottone, in
        altorilievo raffigura il battesimo di Cristo, tutti gli elementi sono un'allegoria (iscrizioni latine).
        
        secolo delle crociate: l'arte occidentale venne in stretto contatto con quella di Bisanzio adottando alcuni caratteri. In nessun altro periodo storico artistico, come il romanico l'arte europea si avvicinò tanto a quella orientale
        
        In un'Annunciazione del 1150 le figure hanno la stessa rigidità di quelle egizie; la Vergine è vista frontalmente con le mani sollevate, gesto di stupore; la colomba dello Spirito scende su di lei e di fronte l'angelo è visto lateralmente e fa un gesto, atto di parlare.L'artista ha combinato tutti i simboli del momento per far accogliere la giusta interpretazione
        
        La pagina di un Martirologio di un monastero tedesco illustra i martiri che si commemorano nel mese di ottobre; ogni particolare mostra la storia dei santi. Sant'Orsola viene uccisa insieme alle 11000 vergini. La pittura si avvicinò alla scrittura figurata, l'asrtista l'artista medievale non era vincolato dal dover imitare le gradazioni reali di colore, era libero di scegliere per le sue illustrazioni, la com-posizione, il soprannaturale. Come vediamo in una vetrata realizzata con colori intensi; l'artista seppe sfruttare bene l’indipendenza dall’imitazione della natura.
- - - - Dopo di lui, tutti gli architetti hanno seguito le sue orme, soltanto nel '900 qualcuno ha cominciato a ribellarsi a quella maniera
        
        la Capella Pazzi è composta da elementi architettonici secondo il suo gusto personale raggiungendo una leggerezza e una grazia diversi da qualsiasi altro stile precedente. Entrando nella cappella: muri bianchi ripartiti da pilastri grigi non funzionali che richiamo un ordine classico, linea e proporzioni
        
        a Brunelleschi si deve un'altra scoperta importante: la prospettiva. Fornì agli artisti le norme matematiche per risolvere il problema della prospettiva. La Santissima Trinità di Masaccio è una delle prime opere eseguite col supporto delle leggi matematiche. Morì giovanissimo, ma in così breve tempo riuscì a rivoluzionare la pittura: con la realizzazione di figure massicce e pesanti (non fluenti come nello stile gotico) e l'applicazione della prospettiva, ha conferito alle figure una solennità e stabilità unica. Nuove scoperte non fini a sé stesse, ma per imprimere ancora meglio il significato dei temi.
        
        Il più importante scultore del gruppo rivoluzionario fiorentino fu Donatello. Una sua opera giovanile rappresenta S.Giorgio ed era destinata all'esterno della chiesa Orsanmichele. Ha rotto completamente con il passato: i piedi poggiano solidamente a terra, ma tutta la figura ricca di movimento energetico sebbene rimanga solida, aria di sfida. Come Masaccio, volle sostituire alla raffinatezza dei predecessori gotici una nuova e acuta osservazione della natura e del corpo umano, fresco e concreto. Fu chiamato in altre città italiane per realizzare altre opere
        
        I maestri fiorentini iniziarono ad osservare attentamente il
        corpo, chiedevano ai modelli o agli amici di posare per loro. Un rilievo in bronzo dedicato alla fonte battesimale di Siena illustra l'episodio del Festino di Erode dove viene portata la testa del Battista in dono; nelle figure predilige il disgusto ed il terrore davanti alla testa mozzata. Le figure sono dure e
        angolose nei movimenti, stile narrativo che non rientra in uno schema, ma è di caos. Per mostrare un palazzo classico scelse di mettere sullo sfondo tipi romani, e realizzò tutto su 3 piani.
        
        Il dominio di scienza, arte classica e natura rimasero per un po’ la prerogativa italiana. La volontà di creare un'arte più vicina alla natura influenzò anche gli artisti nordici come lo scultore Claus Sluter, che lavorò a Digione, capitale del Ducato di Borgogna. La sua opera più famosa rappresenta un gruppo di Profeti Daniele e Isaia con pergamena in mano su cui sono scritte profezie sulla Passione. Sono figure verosimili ma solenni nel loro portamento di illusione verosimile e nel massiccio panneggio. (non sono più rigide come i portoni medievali)
        
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- - - - A Firenze, dove iniziò la grande rivoluzione artistica, la generazione che seguì il gruppo di Brunelleschi si avvalse delle conquiste fatte: introdusse elementi classici nelle sue architetture e i successori avevano il desiderio di farlo.
        
        L'architetto Leon Battista Alberti per la Chiesa di S. Andrea a
        Mantova concepì la facciata come un grande arco trionfale romano. il problema fu trovare un compromesso tra lo stile di Brunelleschi e la realizzazione di un palazzo tradizionale. Alberti trovò una soluzione progettando per la ricca famiglia fiorentina il Palazzo Rucellai, sfruttò la forma tradizionale del palazzo decorandolo con forme classiche, trabeazioni e lesene. Applicò ad ogni piano dell'edificio i tre ordini architettonici greci, dando così un'impronta classica alla struttura: partendo dal basso lo stile dorico, poi ionico e corinzio, senza rompere del tutto con la tradizione gotica grazie alle grandi finestre che ricordano Notre-Dame.
        
        l miscuglio tra le forme gotiche e moderne è caratteristico di molti artisti di fine '400; il più grande fiorentino che riuscì a conciliare la tradizione gotica con le forme moderne fu lo scultore Lorenzo Ghiberti. Il rilievo destinato alla fonte battesimale di Siena ci sorprende meno di Donatello, ma ha saputo dare un carattere alle figure, facendoci capire la parte che ognuna rappresenta. Non ci dà l'idea dello spazio reale ma le figure sono stagliate su uno sfondo neutro, accennando lieve profondità. Cristo è al centro, ai lati S.Giovanni Battista e gli angeli, in alto Dio e la colomba.
        
        Mise a frutto le novità senza mutare troppo lo stile antico il pittore fra Angelico da Fiesole o Beato Angelico, frate domenicano. Celebri i suoi affreschi del convento di S.Marco a Firenze: dipinse scene sacre, una per ogni cella e in capo ai corridoi. Nell'Annunciazione la prospettiva non è più una difficoltà, volle rappresentare la scena sacra con semplicità, manca qualsiasi accenno al vero, come Simone Martini. Deliberatamente rinunciò all’ostentazione moderna.
        
        Celebre fu Paolo Uccello. La rappresentazione della Battaglia di S. Romano dove i fiorentini sconfissero i nemici in uno scontro tra fazioni, era destinata al palazzo dei Medici. Può sembrare medievale con i cavalieri come in un torneo, le figure legnose e fuori dalla realtà, un teatro di marionette. Questo perché l'artista non si dedicò tanto alla resa naturalistica delle figure, ma sperimentò a fondo il gioco della prospettiva e il comune punto
        di fuga (es. il guerriero caduto a terra). Scelse un procedimento opposto a Eyck (aggiunse tanti particolari desunti dall'osservazione per copiare la superficie), con l'arte prospettica tentò di costruire un proscenio concreto con figure di aspetto solido e reale, ma non aveva ancora imparato a avvalersi degli effetti di chiaroscuro e atmosfera per ammorbidire i duri contorni.
        
        A Benozzo Gozzoli, allievo di Beato Angelico, fu dato l'incarico di affrescare alcune pareti della cappella privata del palazzo Medici. Realizzò Il viaggio dei Magi verso Betlemme, emerge un ritorno al gusto del gotico internazionale, un'atmosfera fiabesca ricca di particolari raffinati e sgargianti
        
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- - - - Un ricercatore di grande fama fu papa Giulio II che nel 1506
        decise di abbattere la Basilica di S. Pietro e di riedificarla sfidando le tradizioni secolari dell'architettura ecclesiastica, affidando questo compito a Donato Bramante. Fece il Tempietto a S. Pietro in Montorio, cappella a rotonda su gradini, coronata da una cupola, circondata da un colonnato in stile dorico , con una balaustra sulla cima che conferisce armonia a tutto l'edificio; è uno dei suoi pochi edifici rimasti intatti che ci mostra come conosceva e metteva in atto i canoni antichi classici ma senza diventarne imitatore.
        
        Una medaglia mostra come avrebbe dovuto essere la nuova chiesa, non rettangolare come da tradizione, ma quadrata; il progetto non andò a buon fine perché la sua realizzazione richiedeva troppo denaro (la vendita delle indulgenze per questa smosse Lutero alla sua prima protesta in Germania). Voleva combinare gli effetti dei più vasti edifici antichi come il Colosseo
        con quelli del Pantheon, soverchiando le considerazioni di funzionalità. S. Pietro come la conosciamo oggi del progetto bramantesco conserva solo le dimensioni gigantesche
        
        Aristotele aveva distinto le arti compatibili con un'educazione liberale come arti liberali (grammatica, retorica, geometria) e come arti servili (manuali, inadatti a un gentiluomo), gli artisti cercarono di dimostrare che la pittura era non meno liberale della poesia.
        
        Andrea Verrocchio ebbe una fama vastissima, lo dimostra il fatto che a Venezia gli fu commissionata la realizzazione del monumento al condottiero Bartolomeo Colleoni. Mirabile è l'atteggiamento di sfida dell’uomo e l'anatomia del
        cavallo, che rendono grandiosa e allo stesso tempo semplice l'opera energica.
        
        Leonardo da Vinci fu apprendista nella sua importante bottega. Di lui conosciamo la vastità della sua mente perché allievi e ammiratori conservarono i suoi schizzi e taccuini: non si comprende come un umano abbia potuto eccellere in tanti e così diversi campi di ricerca recando ovunque importanti contributi. Riteneva che il compito dell'artista fosse l'esplorazione del mondo visibile condotta in modo più completo e accurato. Non era interessato alla cultura degli studiosi e conosceva poco le lingue antiche. Esplorò i segreti del corpo umano sezionando più di 30 cadaveri, fu uno dei primi a dedicarsi allo studio della crescita del feto e del volo degli insetti, per creare una macchina volante. I suoi contemporanei sapevano delle sue abilità ma non conobbero mai l'importanza delle sue scoperte poiché non pubblicò i suoi scritti di curiosità insaziabile. Forse non aveva ambizioni scientifiche e l'esplorazione era per lui un mezzo con cui acquistare la conoscenza del mondo visibile per la sua arte. Poche opere ha portato a termine tra i numerosi spostamenti a Firenze, Roma, Milano e la Francia
        
        In L’ultima cena, nel convento di Santa Maria delle Grazie a Milano la luce che cade chiara sulla mensa dà solidità alle figure, ogni personaggio è arricchito di particolari simbolici e in modo naturale. Fedele ai particolari e all'illusione di realtà, la composizione si stacca dall’iconografia tradizionale. Raffigura il momento in cui si è appena scatenato il caos tra i presenti a cena dopo che Cristo ha rivelato che qualcuno di loro lo avrebbe tradito la notte stessa; tutti inorriditi, solo Giuda non gesticola e non fa domande isolandosi dalla scena L'atmosfera è agitata e drammatica, ma nel dipinto non c'è nulla di caotico; i 12 apostoli
        sono legati a gruppi di 3 da gesti e movimenti; riuscì a conciliare le esigenze del naturalismo (frammento di realtà concreta) con quelle della composizione senza conferire rigidità alla scena. Il
        fulcro sono le reazioni dei personaggi, l’ordine nella varietà.
        
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- - - - I fiorentini si interessavano al disegno. Giovanni Bellini, della generazione del Verrocchio del Ghirlandaio e del Perugino, realizzò per la chiesa di S. Zaccaria un quadro posto sull'altare che rappresenta la Vergine con il Bambino volto a benedire i devoti davanti all'altare, un angelo ai piedi suona una viola, i santi si raccolgono ai lati incoronando i pilastri in primo e secondo piano; si nota che il suo atteggiamento con il colore diverge dagli altri pittori italiani, la pastosità e ricchezza delle tinte colpisce l'osservatore prima del soggetto. Seppe infondere vita in una disposizione semplice e simmetrica Senza sovvertire l'ordine e seppe trasformare le figure tradizionali in essere vivi e reali senza privarli di dignità e sacralità. Bellini fu padrone di una famosa bottega da cui uscirono due artisti che seguendo il maestro raggiunsero l'armonia nelle loro opere attraverso il colore e la luce.
        
        Di Giorgione non abbiamo più di 5 sue opere ma queste bastarono per assicurargli fama. La tempesta forse rappresenta una scena tratta da qualche autore classico, poiché gli artisti veneziani del tempo amavano illustrare storie di miti greci, dei e ninfe. È raffigurata una madre con il suo bimbo cacciata nelle selve dove viene scoperta da un giovane e gentile pastore. Le figure non sono disegnate con eccessiva cura e la composizione è semplice, ma l'opera raggiunge una sua unità grazie all'atmosfera e alla luce, misteriosa, che unisce i soggetti al paesaggio, che pare non essere un semplice sfondo, ma il vero tema del quadro. A differenza dei predecessori non ha dipinto cose per disporle nello spazio, ma esseri umani e paesaggio sono concepiti come un tutto unico. Non solo la somma di pittura e disegno.
        
        Tiziano Vecellio raggiunse una fama immensa e una sapienza nei colori e il loro uso che eguagliò la maestria di Michelangelo nel disegno. Si dice che Carlo V si chinò a raccogliere il pennello. La sua perizia gli permise di trascurare le venerate regole della composizione e affidarsi al colore per ripristinare l'armonia infranta.
        
        Innovativo fu spostare la Madonna con Bambino dal centro e fare dei due santi, S. Francesco e Pietro, personaggi attivi nella scena anziché figure di contorno; la pittura fu eseguita per una vittoria sui turchi del veneto Jacopo Pesaro e lo ritrasse davanti alla Vergine inginocchiato. Altri membri della famiglia sono ritratti inginocchiati negli angoli del quadro (ricorda il Dittico di Wilton House); due vivaci angioletti reggono la croce su una nuvola che sovrasta la corte aperta dove si svolge la scena. Audace nello sconvolgere le regole. L'insolita composizione serve ad
        animarlo e renderlo vivace senza turbare l'armonia grazie alla luce e al colore.
        
        Ma ebbe la sua maggior fama per i ritratti: Giovane Inglese non presenta particolari minuziosi come la Monna Lisa ma è altrettanto misteriosamente vivo grazie all'uso di luci e ombre. Il Ritratto di Papa Paolo III incompiuto che si volge verso il parente Alessandro Farnese mentre il fratello Ottavio guarda lo spettatore; sicuramente si ispirò al Ritratto di Papa Leone X di Raffaello.
        
        Correggio (Antonio Allegri) di Parma, maestro del chiaro scuro, elaborò effetti completamente nuovi destinati a influire sugli artisti a lui posteriori. In La Natività il bambino appena nato irradia luce
        tutt'intorno e illumina il volto della madre bellissimo; il pastore si arresta e con un gesto goffo si toglie l berretto, due serve circondano la culla, Giuseppe rigoverna l'asino nell'oscurità dello sfondo (secondo il vangelo di S.Matteo); gli angeli cantano su una nube. La composizione affollata sembra semplice, ma sfruttò il colore e la luce per far convergere il nostro sguardo sui punti voluti; noi siamo il pastore che accorre verso la scena. Ciò che più si imitò di lui nei secoli fu il modo di dipingere volte e cupole delle chiese. Nella scura Cattedrale di Parma è grandiosa l'impressione che si ha alzando gli occhi verso la cupola, con l'illusione che la volta sia spalancata verso i cieli; la Vergine ascende al cielo in una nuvola, con lo sguardo fisso al cielo radioso in attesa, come si vede da bozzetti preparatori.
- - - - In Germania Albrecht Dürer fu il maggior artista tedesco del '500; di Norimberga e figlio di un orafo. Dedito al disegno già da giovane, fu apprendista nella più importante bottega di pale d'altare e xilografie del maestro Michael Wolgemut. Viaggiò per ampliare le sue vedute anche in Italia e si sforzò di capire a fondo la nuova arte del Sud (Mantegna) decidendo poi di applicarla o meno. Infuse profondità di sentimento e vivace fantasia. Realizzò una serie di grandi xilografie per l'Apocalisse di Giovanni. Rappresentò gli orrori del giorno del giudizio che non erano mai stati mostrati con tanta persuasività e forza; qui S. Michele e il drago lottano in pose antitradizionali e fantastiche. Sotto un paesaggio sereno, il monogramma di Dürer. Il suo scopo era anche copiare la bellezza della natura con tanta pazienza e fedeltà come nessun altro: negli studi sulla natura voleva raggiungere la perfetta imitazione non fine a se stessa ma per rendere più persuasivi gli episodi sacri (es. Lepre, Zolla erbosa).
        
        La Natività riprende il tema da Schongauer; i soggetti sono quasi minuscoli e insignificanti ma osservando l'opera, è evidente che non ha solo dato prova delle sue abilità, ha ricreato l'atmosfera di pace e tranquillità per meditare sul miracolo. Il gotico aveva escluso la rappresentazione del corpo umano nel pieno della bellezza ideale che gli aveva conferito l'arte classica, ma Dürer vi si dedicò: non fu facile perché non vi era una tradizione, ma ricorse a una ricetta sicura gli scritti classici sulla proporzione ideale della figura.
        
        Uno dei primi risultati di questi studi fu Adamo ed Eva, dove mise
        tutte le nuove idee che aveva elaborato sulla bellezza e armonia; firmò l'opera per esteso in latino Si nota un senso di impaccio e di artificio, poiché trattava un linguaggio meno familiare, che scompare quando ci rendiamo conto che non rinnegò il suo vero io per seguire la moda. Lo vediamo dagli elementi attorno ai soggetti, dalla fauna e flora. Commovente vedere l'intento di sperimentare le regole deformando le proporzioni della struttura umana. Si recò anche a Venezia (in alcune lettere esprime il contrasto tra le corporazioni rigide nord e la libertà dei colleghi del sud) e nei Paesi Bassi (ricevette gli onori dal maestro)
        
        Matthias Grünewald fu il “Correggio tedesco” di Aschaffenburg, pittore tedesco paragonabile a Dürer, non si è sicuri della sua identità, ma alcune pitture vengono etichettate sotto il suo nome. Non sappiamo quasi nulla della sua vita. La sua arte non era caratterizzata dalla ricerca della bellezza, ma erano rappresentazioni che insegnassero le verità dettate dalla religione. Dimostra che un'artista può essere grande senza aderire al progresso.
        
        La grande pala d'altare di Isenheim rappresenta la
        Crocifissione.. Non vi è traccia della bellezza intesa in modo rinascimentale; tutto esprime l'orrore dell'agonia di Cristo: il corpo è deformato dalla croce, le spine dei flagelli penetrano nelle ferite
        sanguinose, Maria sviene nelle braccia di S. Giovanni Evangelista, Maddalena si torce le mani disperata; Battista al lato con il simbolo dell'agnello che versa sangue nel calice della comunione. Il significato della sofferenza sta nelle fattezze e i gesti. È evidente che l'artista volesse passare anche il messaggio delle parole, le figure hanno proporzioni assai diverse, come pitture medievali che variano le dimensioni in base all'importanza. Nella Resurrezione la trasfigurazione di Cristo si lascia una scia di luce dietro abbagliando i soldati che si dimenano nelle armature, splendore soprannaturale del paradiso, è il colore che conta. Ma c’è una calma serenità maestosa.
        
        Lucas Cranach ispirato alle foreste e ai paesaggi romantici del nord rappresentò la Sacra Famiglia in Riposo durante la fuga in Egitto, immersa in una regione montuosa e boschiva; qui sopravvive qualcosa dell'arte lirica del quattrocentesco Lochner o Giorgione.
        
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- - - - Due artisti dell'Italia settentrionale vennero a Roma, entrambi stanchi del manierismo lo superarono in due modi diversi: Annibale Carracci fu incantato dall'opera di Raffaello ma anziché imitarlo ne volle ritrovare la semplicità e la bellezza classica. Pala d'altare con La Vergine che piange Cristo, cadavere del figlio morto, la disposizione è armoniosa come nelle opere rinascimentali ma il gioco di luce sul corpo di Cristo è barocco. Si preoccupò di non ricordarci gli orrori della morte e della sofferenza in una disposizione semplice e armoniosa.
        
        Caravaggio (Michelangelo Merisi) non aveva paura del brutto,
        cercava la verità della realtà come gli appariva, non aveva gusto per i modelli classici o la bellezza ideale. Molti pensavano che mirasse a scandalizzare il pubblico e che non avesse alcun rispetto per la bellezza e la tradizione. Fu condannato per naturalismo. S.Matteo e l'angelo ripropose problemi in modo nuovo. L’incredulità di S. Tommaso è privo di qualsiasi convenzione, parve scandalosa al tempo ai devoti abituati ad apostoli dignitosi invece di gente comune, vestita come tali e fronti rugose. L'obiettivo che si poneva era rappresentare gli episodi sacri come se fossero accaduti lì e fece di tutto
        per rendere reali e tangibili i personaggi delle antiche scritture fedeli al vero. La luce e il chiaroscuro L'obiettivo che si poneva era rappresentare gli episodi sacri come se fossero accaduti lì e fece di tutto per rendere reali e tangibili i personaggi delle antiche scritture fedeli al vero. La luce e il chiaroscuro servirono nel suo intento, donando tangibilità alle figure e non morbidezza sublime.
        
        Roma fu la capitale della pittura Cattolica. Guido Reni fu maestro italiano bolognese che lavorò a Roma, e dopo alcuni tentennamenti aderì alla scuola del Caracci. Ci fu un periodo in cui si avvicinò all'arte di Raffaello. Aurora e il giovane dio del sole sul cocchio circondato dalle Ore che si intrecciano
        in una danza graziosa. Con Raffaello però sentiamo la bellezza e la serenità scaturire dalla natura stessa della sua arte; in Reni c'è la volontà di dipingere a quel modo, scartando il brutto.
        A Carracci, Reni e i suoi seguaci si deve lo stile volto all'idealizzazione della natura secondo i canoni della scultura classica chiamato classicismo o accademia, per distinguerlo dall'arte classica libera.
        
        Nicolas Poussin fu il maggiore tra questi accademici, francese ma Roma fu la sua seconda patria. Uno dei risultati del suo studio instancabile è Et in Arcadia ego, un paesaggio meridionale con giovani radunati attorno a una grande tomba di pietra, un'iscrizione ricorda l'onnipresenza della morte ma l'insieme è una visione di serenità nostalgica dove si perde il suo aspetto terrificante.
        
        Claude Lorrain fu artista francese italianizzato divenuto famoso per la nostalgica bellezza delle sue opere, studiò con cura la campagna che circonda Roma dando prova nei suoi schizzi di essere un grande maestro della rappresentazione naturalistica. I suoi studi di alberi sono un vero capolavoro e i suoi quadri sono immersi in una luce dorata o argentata, come nel Paesaggio con sacrificio ad Apollo. Aprì gli occhi sulla bellezza della natura, tanto da influenzare i gusti nei parchi e giardini.
        
        Peter Paul Rubens fu un artista fiammingo che venne in contatto con l'arte romana dell'epoca di Carracci e Caravaggio. Ammirava entrambi, ma non aderì ad alcun movimento e non perse mai le sue basi artistiche fiamminghe (ricerca con ogni mezzo per esprimere ciò che l’occhio può cogliere). La sua convinzione fondamentale era che il compito di un pittore fosse quello di dipingere il mondo circostante, ciò che gli piace comunicando il godimento della bellezza delle cose. quando tornò a Anversa (Fiandre) portò dall'Italia la predilezione per vaste tele fino alla decorazione di chiese e palazzi, aveva imparato a combinare le figure in un vasto spazio e a sfruttare al meglio luce e colori. Es. lo schizzo di La Vergine e il Bambino sul trono con i santi, una fanciulla riceve dal Bambino un anello alludendo allo sposalizio
        di santa Caterina che dopo quella visione si considerò sposa di Cristo.
        
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- - - - Novità: i pittori ora dovevano prima dipingere e poi tentare di trovare un compratore. Fu un cambiamento drastico, la concorrenza aumentò, susseguirono vari problemi. Se un pittore diveniva famoso per la raffigurazione di un certo tema avrebbe venduto solo opere inerenti a quel tema e gli conveniva non scostarsene. La tendenza alla specializzazione iniziata nel '500 nei paesi nordici giunse all'apice nel '600: i pittori realizzavano quadri dello stesso genere uno dopo l'altro e divennero veri e
        propri specialisti.
        
        Simon de Vlieger era specialista di marine, dipinse l'atmosfera del mare in modo mirabile e con mezzi semplici, quasi documento storico sulle navi. Jan van Goyen fu uno dei primi a scoprire la bellezza del cielo non ebbe bisogno di nient'altro per rendere interessante un dipinto. Raffigura un familiare mulino a vento, ma ha saputo trasformare questa scena banale in qualcosa dal gusto raffinato e aggraziato. Tra figure motivi più noti e spinge lo sguardo in una lontananza nebulosa.
        
        Il pittoresco nasce come termine da Lorrain, ma con Goyen e altri pittori è il genere che oggi conosciamo: un paesaggio che esprime una bellezza simile a quella di loro opere.
        
        Rembrandt van Rijn fu il più grande pittore d'Olanda. Ci ha lasciato una serie di autoritratti dalla giovinezza alla vecchiaia solitaria, che compongono un'incomparabile autobiografia del suo dramma personale. Da vecchio, non tentò di mascherare la bruttezza, ma si osservò e ritrasse con assoluta sincerità. Non vi è traccia di posa nel ritratto del suo amico Jan Six. Se Hals ci dà un’istantanea, Rembrandt ci mostra la persona nel complesso. Rivendica il diritto dell'artista di dichiarare che un quadro era finito quando aveva raggiunto lo scopo. Mette il cuore a nudo, lavora sull’anima e la segreta intimità
        
        A penna, illustra La parabola del servo malvagio: vediamo il padrone, il contabile e il servitore che fruga disperato nella tasca facendoci capire che non può pagare. La Riconciliazione di Davide e Assalonne, figlio malvagio: si figurò 2 personaggi di Terra Santa come orientali visti nel porto di Amsterdam, gli abiti permettono di mostrare la sua abilità nei giochi di luce su tessuto e gioielli. Percepiamo la drammaticità della scena anche senza vedere il volto del figlio. Era capace di penetrare nell'intimità di ogni soggetto, per questo che differenzia le sue illustrazioni bibliche da altre. La luce in certi quadri è abbagliante, ma se ne serve sempre per accentuare la drammaticità della
        scena. Usò poco colori accesi, più scuri.
        
        Fu anche incisore e la sua tecnica era l’acquaforte: consentiva
        un lavoro più sciolto e rapido; la lastra di rame veniva ricoperta di cera, si disegnava sopra con un ago mettendo a nudo il rame, si immerge la lastra in un acido che corrode il rame dove è stata tolta la cera. Una delle sue acqueforti è la scena biblica della Predica di Cristo. Non evitò il brutto, cercò sempre sincerità e verità. Senza dimenticare che l'atteggiamento anticonformista si coniuga con la sapienza e abilità nel disporre i gruppi, specie le folle. Ogni povero e umile è importante.
        
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- - - - Giovanni Battista Gaulli fu pittore seguace di Bernini. L’adorazione del Sacro Nome di gesù decora il soffitto di una chiesa gesuita romana, vuole darci l'illusione che il soffitto sia aperto e che si possa vedere il cielo, a confronto con Correggio, gli effetti sono più teatrali; la scena spezza la cornice della volta, come se invadesse il soffitto. Cancella il confine tra verità e illusione. Gesù è circondato da innumerevoli angeli e santi, tutti rapiti nella luce; demoni e angeli ribelli scacciati si dimenano in gesti di disperazione. Nel '700 gli artisti italiani furono decoratori di interni, divenendo famosi in tutta Europa per la loro abilità nei lavori di stucco e affreschi capaci di rendere un qualsiasi ambiente fastoso e scenografico
        
        Giovanni Battista Tiepolo, veneziano, lavorò in Italia Germania e Spagna. Una parte della decorazione di un palazzo veneziano mostra Il banchetto di Cleopatra. Marco Antonio offrì la festa in suo onore e lei scommise che avrebbe fornito un piatto più costoso di quelli, disciolse una pietra del suo orecchino nell'aceto e lo bevve. I colori sono vivaci e i costumi sontuosi arricchiscono la scena. Sentiamo che questi effetti pirotecnici hanno un valore meno durevole delle sobrie creazioni anteriori. L’arte italiana del primo '700 seppe creare qualche novità solo in un genere: nel vedutismo, paesaggi o città disegnate dal vero, sia in pittura che incisione.
        
        Sorse una scuola di pittura a Venezia dedicata, volta ad accontentare coloro che venivano in Italia e volevano portare a casa un ricordo. Francesco Guardi fu pittore della scuola. Es. Veduta di S. Giorgio Maggiore a Venezia. Riuscì a dare
        l’impressione generale di una scena con rapidi tratti di colore abilmente collocati che creano illusione.
- - - - Lucas von Hildebrandt era architetto austriaco. Il Palazzo del Belvedere di Vienna sorge su un colle e su un giardino a terrazze con fontane. Le decorazioni capricciose non alterano la linea lucida e netta, ma allo stesso tempo intricata, della costruzione. Si vede come, in Austria e Germania sud, il barocco francese e italiano prese sembianze diverse, più solide. La sala d'ingresso interna è sfarzosa. Es. scalone fastoso di un castello tedesco mostra il contrasto tra dimora e mondo esterno.
        
        Jakob Prandtauer: architetto tedesco. Monastero di Melk sul Danubio, si erge su un colle, decorato internamente da artisti italiani barocchi itineranti. L'interno è ancora più fiabesco, vi ono ovunque angeli musicanti e nuvole; niente è naturale, è una pregustazione del paradiso.
        
        Antoine Watteau, pittore d’inizio ‘700 originario delle Fiandre, lavorò in Francia. Decorò inizialmente gli sfarzosi castelli dell'aristocrazia e poi si dedicò alla realizzazione di quadri raffiguranti visioni di un mondo surreale con merende all'aperto in boschi fatati, lontano da ogni amarezza banale. La sua arte
        riflette il gusto dell'aristocrazia dell'epoca che prende il nome di rococò: colori delicati, raffinatezza, allegra frivolezza
        
        Si differenzia per la delicatezza della pennellata e cromatica, l’aggraziata galanteria. Festa in un parco con un'atmosfera dolce calma, malinconica (fugacità della bellezza), giovani seduti a
        sognare e giocherellare, il boschetto è incantevole: la luce si muove sui vestiti di seta dei soggetti.
- - - - Alcuni considerano gli impressionisti i primi moderni, ma in
        realtà essi non erano così lontani dalla tradizione rinascimentale poiché anche loro volevano rappresentare la natura così come la vediamo. Il loro contrasto con la tradizione non era sugli scopi,
        ma i metodi. Tutto poteva eventualmente diventare oggetto di pittura.
        
        Paul Cézanne è il padre dell'arte moderna. Partecipò a mostre impressioniste ma essendo finanziariamente indipendente non ebbe bisogno di acquirenti di quadri e si dedicò solamente ad approfondire i problemi estetici dei quadri. Mirava ad un'arte che avesse la grandiosità di Poussin ma ottenuta con metodi diversi: dipingeva sur nature valendosi delle scoperte degli impressionisti, ma allo stesso tempo voleva riconquistare il senso d'ordine e armonia, ogni forma corrispondente ad un’altra. L'unica cosa a cui rinunciava, se necessario, era il contorno. Considerava i nuovi metodi impressionisti come contrari alla natura. Voleva usare colori forti e composizioni nitide. Desiderio di fedeltà alle impressioni in contrasto con il desiderio di ridurre l’impressionismo Il paesaggio del Mont Sainte-Victoire è soffuso di luce ma fermo e solido, senza contorni ma con profondità e spazio. I Monti della Provenza sono senza i contorni ma sono solidi e palpabili.
        
        Il ritratto di Mme Cézanne di forme semplici, esprime serenità. La Natura morta appare goffa perché la tavola sembra inclinata, il disegno incerto e a macchie di colore. La ragione di questa goffaggine è che Cézanne non accettava nessun metodo d'arte e voleva ricominciare daccapo. Era affascinato dal rapporto tra colore e modellato, i rapporti di tutte le forme, per dare senso di profondità senza sacrificare lucentezza dei colori e una disposizione ordinata. Non voleva deformare la natura, ma non gli importava se potesse risultare deformata, non per creare illusione, ma esprime il senso di solidità e profondità.
        
        George Seurat dipinse i suoi quadri come mosaici con la tecnica del pointillisme, fatta da piccoli tocchi di colori, che però comprometteva la leggibilità dei suoi quadri poiché evitava i contorni. Li risolveva come equazioni matematiche, pensando che il mosaico di colori si sarebbe fuso nella retina. Fu
        indotto allora a sottolineare le linee verticali e orizzontali.
        
        Vincent van Gogh nato in Olanda e vissuto in Francia sud, pittore, la sua carriera durò circa 10 anni e i dipinti più famosi li realizzò in 3 anni. Visse in volontaria solitudine ad Arles e confidò idee e speranze nelle lettere al fratello Théo. Umile e quasi autodidatta, nel 1888 fu colto dalla pazzia. Desiderava che le sue opere avessero l'effetto immediato e violento delle stampe colorate giapponesi da lui ammirate, dipingeva a tratti e puntini di colori. Arte scevra di cerebralismi, voleva esprimere ciò che sentiva in ciò che dipingeva, le pennellate comunicano il suo stato d’animo. Usava singole pennellate per frantumare il colore ed esprimere concitazione (agitazione), per stenderlo a tratti spessi, mutando l’aspetto delle cose. aveva assimilato la lezione dell'impressionismo e Pointillisme. Attratto da oggetti umili che nessun artista considerava degni di essere dipinti.
        
        Paul Gauguin si trasferì fra gli indigeni dei mari del Sud e trasformò la sua arte: voleva realizzare opere all'apparenza selvagge/primitive, e ci riuscì. Era persuaso che l'arte corresse il pericolo di diventare troppo abile ed esteriore, privando gli uomini del massimo dei doni primordiali. Sognava un'arte priva di espedienti scolastici e uno stile che fosse una realtà robusta e possente. Il soggetto di Te Rerioa è strano ed esotico, cercò di far trasparire lo spirito degli indigeni, ispirandosi ai loro lavori.
        Ricorse all'uso di macchie di colori violenti e non si preoccupò se i contorni semplici rendessero il tutto piatto, per ignorare i secolari problemi dell’arte.
        
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- - - - Il termine postmodernismo fu introdotto da Charles Jencks,
        giovane architetto stanco del funzionalismo. Si fonda su un'eccessiva semplificazione: le decorazioni possono essere finivo le prime di gusto, ma talvolta sono fonti di piacere che i puritani del movimento moderno intendevano negare. Lo scandalo rappresentava di fatto un segno di originalità. L’impiego di forme giocose può apparire razionale o frivolo secondo le doti dell'artista.
        
        Il progetto per un grattacielo a New York, realizzato da Philip Johnson ha provocato una notevole agitazione: anziché impiegare le consuete costruzioni squadrate con tetti a terrazza, propose la soluzione tradizionale del frontone, ricordando l’Alberti. La stessa considerazione si applicò ai
        direttori di musei: un esempio significativo è la Core Gallery di James Stirling, che ospita la Turner Collection della Tate Gallery di Londra.
        
        L’architetto ha rifiutato l’aspetto austero e minaccioso di
        edifici Bauhaus, per una costruzione più leggera, vivace e invitante. Tale mutamento non ha investito solo l’immagine esterna di musei, ma anche le loro esposizioni. Il Museo d'Orsay ospita dipinti conservatori accanto a moderni. Fu nuovo anche la tolleranza verso il modo di vedere gli artisti praticanti. Es. vignetta satirica del New Yorker, dove la domanda della donna prefigura lo stato d'animo attuale: è chiaro che il trionfo del modernismo ha messo in luce le contraddizioni degli anticonformisti. Non appena l'anti-arte ebbe il sostegno ufficiale, divenne arte con la A maiuscola e non rimase altro da sfidare. L'unico tratto comune dei movimenti e tendenze affacciatasi alla ribalta del XX secolo è il rifiuto di dedicarsi allo studio delle sembianze esteriori della natura, e gran parte dei critici era persuasa che solo le deviazioni più radicale della tradizione potessero condurre al progresso.
        
        Oggi la varietà di posizioni critiche offre a maggiori artisti l'opportunità di un riconoscimento. Non tutti gli artisti di oggi che godono di questo diritto alla diversità sarebbero disposti ad accettare
        
        ’etichetta di postmoderno: un esempio degno di nota è il pittore Lucian Freud, che non ha mai rifiutato lo studio delle sembianze naturali. Due piante può far pensare a Dürer e la Zolla erbosa:
        entrambi i dipinti mostrano l’artista assorto di fronte alla bellezza delle piante comuni, ma l’acquerello di Dürer era uno studio per uso personale, il grande dipinto a olio di Freud è un’opera a pieno titolo.
        
        Nel frattempo, l’interesse per la fotografia è aumentato vertiginosamente e i collezionisti rivaleggiano per ottenere stampe di fotografi celebri. Henri Cartier-Bresson fu uno dei principali fotografi, es. Aquila degli Abruzzi. In tempi recenti gli artisti si sono interessati alla fotografia come mezzo per
        creare nuovi effetti, prima appannaggio esclusivo dei pittori.
        
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