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Storia dell'arte raccontata da Gombrich, Prefazione, Guardando verso…

- - - - il libro si impegna a evidenziare le intenzionalità delle opere, poiché ogni opera si appella alla sensibilità ad essa contemporanea, rivoltandosi contro i predecessori, l'artista sente il bisogno di essere diverso; per comprenderlo bisogna capire ciò da cosa si vuole differenziarsi, attraverso un continuo distacco (dialettica imitazione-contraddizione)
        
        emerge una contraddizione in questo contesto: il confondersi nell'affermare il continuo cambiamento, quando in realtà, nonostante gli artisti siano sempre convinti di aver superato i predecessori, bisogna sempre considerare che l’evoluzione non aumenta oggettivamente il valore artistico.
        
        la pittura fra le opera è la più privilegiata, perchè nelle illustrazioni perde meno un'opera pittorica rispetto a una scultura. Ogni capitolo è stata inserita una breve parte tratta a trattare l'evoluzione dell'artista nel mondo mostrando il rapporto con esso e i cambiamenti di natura sociale all'interno del contesto storico in cui si trova
- - - - es: scena al chiaro di luna, preso da un romanzo persiano (incontro al principe Humay) del XV secolo. Presentazione delle loro abilità, ma si nota la mancanza di pratica dello scorcio nel chiaroscuro e l'avvicinamento al vero
- - - - uno dei più antichi testi a rotolo giunti a noi tratta le virtù femminili e risale al pittore Ku K'ai-chi (IV secolo). Questa scena con scopo didattico raffigura un marito che rimprovera la moglie. Si osserva la presenza della padronanza del movimento
        
        la religione buddista era d'ispirazione all'arte cinese,, fornendogli temi da rappresentare e un nuovo modo di considerare un quadro (es. Testa di un Lohan). Le religioni orientali nutrivano tanto interesse per la meditazione (pensare per ore sulla stessa cose senza distrarsi), focalizzandosi sulle parole e agli elementi della natura
        
        lall'arte cinese vennero applicate meno le dottrine religiose, per via dell'attenzione sulla meditazione. I cinesi furono il primo popolo a non considerare la pittura un'opera servile, ponendo il pittore al pari del poeta ispirato. Gli artisti dipingevano acqua e montagne per fornire all'osservatore elementi su cui meditare, non per ornare. i loro disegni erano in scrigni preziosi e venivano srotolati solo in momenti tranquilli, es Passaggio al chiaro di Luna
        
        Gli artisti cinesi prima imparavano il mestiere dai celebri maestri e, una volta padroni della tecnica, cominciavano a contemplare la bellezza e a coglierne le sfumature, spesso con metodi di meditazione e concentrazione. Volevano avere una tale disinvoltura da poter trascrivere la loro visione mentre l'ispirazione era fresca.
        
        consideravano puerile (infantile) ricercare i dettagli nei dipinti da confrontare con la realtà, preferiscono cogliere il sentimento. Es: Pesaggio dopo la pioggia e Tre pesci (forse di Liu Ts’ai) rende l'idea di studio e osservazione per ore che si cela dietro a questi disegni. Volontà di rifugiarsi nei motivi semplici della natura
        
        Con l'andare del tempo l'arte cinese venne codificata dalla tradizione; fu il Giappone, erede dell'arte cinese, a introdurre novità dopo essere entrati in contatto con l'Occidente nel XVIII sec.
- - - - La Cattedrale di Notre-Dame è esempio della maestosa
        ossatura gotica. L'interno della Cattedrale di Amiens ci pone davanti il gioco di spinta e controspinta. Nella Sainte-Chapelle a Parigi anche sulle vetrate si ha un gioco di linee che si intrecciano sui vetri istoriati, costituiscono un ornato in armonia con la struttura. Le nuove cattedrali (trono del vescovo) davano ai fedeli l'idea di Gerusalemme celeste sceso da cielo in terra
        
        La facciata di Notre-Dame è armoniosa da far dimenticare all'osservatore il peso della pietra con cui costruita. Non erano fredde e scostanti, ma ornate per abbandonarsi a contemplazione.
        
        L’artista che lavorò al portale nord della Cattedrale di Chartres animò le figure, paiono muoversi e guardarsi, la morbidezza del panneggio pare indicare che sotto l'abito si cela un corpo.
        
        Ogni figura è concepita per essere riconosciuta con i suoi simboli nell’AT. La Cattedrale di Strasburgo di inizio XIII riporta la morte della vergine in un portale: l'artista conserva la simmetria, dando vita a personaggi con volti con espressione dolorosa e reintroducendo l'abilità classica di far intravedere la struttura del corpo sotto il drappeggio (es. mano di Cristo sotto il panno e piedi della vergine)
        
        gli artisti gotici si posero lo scopo di narrare la storia sacra nel modo più chiaro, commovente possibile per il suo messaggio al fedele: si pongono problemi espressivi, considerano la natura non per imitarla, ma per rendere persuasive le figure
        
        Ai pittori gotici era affidato spesso il compito della miniatura di manoscritti: un salterio ci illustra la Sepoltura di Cristo e l'importanza ora per l'artista di esprimere il sentimento delle figure e racchiuderle in ua composizione, più importante del reale
        
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- - - - La pittura italiana trovò il suo genio in Giotto di Bondone, artista
        fiorentino, che diede inizio ad un'epoca totalmente nuova. Le sue opere più famose sono pitture murali o affreschi (dipinti quando l'intonaco è ancora fresco/umido). Fra il 1302-1305 ricoprì i muri della Cappella degli Scrovegni a Padova: es. l'immagine della Fede, somiglia alle sculture gotiche, siamo di fronte a una pittura che l'illusione di essere una statua a tutto tondo= aveva riscoperto l'arte di creare la profondità su una superficie piatta
        
        Es. il Lamento sul corpo di Cristo morto, pare di
        essere testimoni dell'evento come se si stesse svolgendo in quel preciso momento; la drammaticità della scena è concentrata nel dolore persuasivo nei volti. Tiene conto dello sfondo. Abbandona l’idea di mostrare tutta la figura intera, creando individui rannicchiati
        
        la fama di Giotto arrivò lontana ; la gente si interessava anche alla sua vita e ne raccontava aneddoti: anche questo un fatto nuovo, poiché li artisti del tempo non erano interessati alla fama e spesso non firmavano neppure le opere. La storia
        dell'arte con lui, prima in Italia, poi all'estero, iniziò un capitolo nuovo: gli artisti.
- - - - Le chiese non erano più le principali imprese, ora gli architetti si dedicavano anche a edifici secolari. (municipi, ponti, porte cittadine); di tali costruzioni uno degli edifici più celebri è il Palazzo Ducale di Venezia.
        
        Le sculture più caratteristiche del periodo non sono quelle realizzate per le chiese, ma in metallo prezioso e in avorio spesso realizzate per privati. Es. una statuetta in argento dorato e smalto della Vergine con bambino, creata da un orafo francese, intende ispirare amore e tenerezza. Concepisce la vergine come la vera madre, inclinando la figura (metodo in voga) e Gesù come un vero bambino
        
        Salterio della regina Maria rappresenta Cristo bambino che, seduto, spiega la dottrina facendo un gesto con la mano (il maestro), gli scribi ebrei e i genitori di Cristo alzano le mani in segno di meraviglia. È evidente che l'artista non conosce ancora il modo giottesco di dare vita a un episodio. In fondo alla pagina un'altra scena: non ha nulla a che vedere con la scena sacra sovrastante, è di vita quotidiana, La caccia all'anatra con il falco, questo forse perchè le immagini bibliche incutevano troppo rispetto a introdurre immagini di vita reale, e separò la narrazione miti di simboli di facile lettura del secondo disegno
        
        A Siena, grande rivale di Firenze, i pittori non ruppero in modo rivoluzionario con l'arte bizantina; Giotto rivoluzionò l'arte di Firenze e delle zone al di la delle Alpi
        
        Duccio di Buoninsegna, tentò di immettere nuova vita nell'arte bizantina senza eliminarla. Es. pala d'altare realizzata da Simone Martini e Lippo Memmi, allievi di Duccio, che rappresenta
        l'Annunciazione. L'arcangelo Gabriele è appena sceso dal cielo per salutare la Vergine, stringe un ramoscello d'ulivo (pace) e la mano destra è alzata (atto di parlare); la Vergine è sorpresa, stava leggendo; tra i due il vaso di gigli bianchi indica la verginità; la colomba in alto rappresenta lo Spirito.
        
        Simone e Lippo hanno in comune con i pittori inglesi del tempo la predilezione per le forme delicate (corpi snelli, drappeggio fluente) e il sentimento lirico. Le figure spiccano sullo sfondo oro, la loro disposizione è perfetta; le conquiste di Giotto le ritroviamo anche qui: vaso, libro, pavimento, banco sono veri
        
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- - - - Una pagina di un calendario (Maggio) che rappresenta la festa di primavera, realizzata dai fratelli De Limbourg ci mostra pitture dal vero vivaci. Le figure presentano abbigliamenti del tempo,
        sfarzo multicolore nel caratterizzare ogni individuo come Chaucer, vi sono fronde e fiori. si avvicina a una scena reale, ma non del tutto : gli alberi sono uno stesso modello ripetuto, i volti sviluppati secondo un'unica formula.
        
        Dal 1300 si richiedeva all'artista un'ulteriore abilità oltre alla chiarezza: essere capace di fare studi dal vero e inserirli nei dipinti. Uno studio di scimmia dal vivo realizzato da
        Antonio Pisano il Pisanello, che dimostra come gli artisti si dedicassero con minuzia a questo compito.
        
        Quando l'interesse degli artisti medievali divenne il raggiungimento di una dettagliata conoscenza
        delle leggi dell’ottica e del corpo umano così da poterlo rappresentare (come avevano fatto greci e romani), si può dichiarare il superamento dell'arte medievale e di essere giunti al Rinascimento
- - - - I pittori e gli scultori nordici nel '400 non erano ancora turbati dai problemi di prospettiva e resa anatomica; sotto questo aspetto si può dire che erano ancora artisti medievali, seguendo i costumi, le invenzioni di Eyck e non la scienza.
        
        Il pittore tedesco Stefan Lochner lavorò a Colonia verso la metà
        del '400, fu un Beato Angelico del nord. La Madonna dell'umiltà vede la Vergine seduta a terra sotto una cornice di rose; il fondo oro è diventato un tessuto decorato riccamente, con scena reale. Altri come Jean le Tavernier corrispondevano più a Gozzoli. Nella scena dell'artista che porge l'opera finita al mecenate il tema parve banale all'autore così la ambientò in un vestibolo (ingresso tra esterno e interno) mettendo fedele in scena affari di vita quotidiana medievale, pieno di vita cittadina. L'arte nordica, meno preoccupata di raggiungere armonia e bellezza ideali, favorì questo genere di opere.
        
        Jean Fouquet fu il maggiore artista francese dell'epoca, si recò in Italia in gioventù. Il ritratto di donatore Estienne Chevalier con accanto il suo protettore S. Stefano con in mano un libro e un sasso appuntito che ci ricorda che morì lapidato. Usa la luce come Piero della Francesca. Figure calme e statuarie. Diverso dagli italiani nell'interesse che nutre per la materia e la superficie degli oggetti secondo la tradizione nordica.
        
        Altro grande artista nordico che si recò a Roma fu Rogier van der
        Weyden, vissuto nel sud dei Paesi Bassi. Una pala d'altare che raffigura la Deposizione di Cristo. Non meno di Eyck sapeva riprodurre ogni particolare e di fronte al problema di realizzare una scena sacra capibile, visibile da lontano ed omogenea allo sfondo egli propose una composizione dove Cristo è al centro, mentre i personaggi lo incorniciano ai lati, e lo sfondo è oro con effetto armadio, per non distrarre l'osservatore da ciò che stava accadendo nella scena su fondale neutro e teatrale da tableau
        vivant. Maria somiglia a Cristo, perché vive con tanto dolore come lui la passione.
        
        I nordici tentarono di conciliare le nuove esigenze artistiche (già affrontate in Italia) con l'antico fine religioso. Hugo van der Goes (che visse un ritiro monastico ossessionato e triste) rappresenta la Morte della Vergine, con i 12 apostoli intorno che hanno reazioni varie dinanzi a Maria defunta; solo a lei è concessa la visione del figlio che la accoglie a braccia aperte Cercò una composizione vera che non lasciasse nel pannello spazi vuoti o privi di significato, con lo sforzo di distribuire le figure ben in vista
        
        Lo scultore Veit Stoss di Norimberga scolpì l'Altare della chiesa di Nostra Signora a Cracovia (Polonia); riuscì nell'intento di realizzare una scena visibile da lontano ai fedeli; al centro è rappresentata la morte della Vergine, più in su la sua anima (bambina) accolta da Cristo, nel punto più alto Dio e il figlio che la incoronano. Solo da vicino si nota l'esattezza e l'espressività nelle teste meravigliose del reliquiario.
- - - - Gli artisti del tempo avevano ambizioni ancora più alte e la xilografia si adattava male alle loro esigenze, così venne introdotta l'incisione su rame (negativo della xilografia): permetteva di ottenere effetti più raffinati grazie al bulino, che con la sua punta incideva la lastra di rame; l'inchiostro che rimaneva nelle righe scavate colava sulla pagina realizzando il disegno.
        
        Maestro dell'incisione su rame fu Martin Schongauer, vissuto nell'odierna Alsazia. Nella Natività ogni particolare è estremamente curato, sembra di toccare le superfici degli oggetti tanto sono rifiniti (mattoni, erba…); sembra impossibile ottenere questo risultato senza il sussidio di un pennello. Il problema della composizione e della resa spaziale della Fedele imitazione del vero non deve turbare l'equilibrio dell'insieme. Scelse
        come cornice una rovina che gli consentiva di inquadrare solidamente la scena con le macerie attraverso cui guardiamo e il permise di dare spicco alle figure collocandole su fondo nero.
        
        l'arte della xilografia e dell'incisione si diffusero in tutta Europa per scambiare idee e l'arte rinascimentale uscì dall'Italia, ponendo fine all'arte medievale nel Nord.
- - - - Esistono modi sbagliati di non godere dell'arte: vedere ciò che non amiamo della realtà di un'opera, non deve essere un limite
        
        Gli artisti ci presentano il bello: ci sono vari esempi, come Rubens disegnò il suo bambino orgoglioso di quanto fosse bello per mostrarlo al mondo. Questa predilezione del bello può essere un limite nel momento in cui ci distacchiamo da soggetti molto attraenti nell'immediato, un altro esempio è il ritratto della madre dell'artista Durer, nella quale appare meno attraente dell'infante, ma osservandolo più attentamente si può accogliere uno studio della vecchiaia grandioso (oppure i Monelli di Murillo o la bambina di Potere de Hooch)
        
        La difficoltà sta nella vasta gamma di enorme canoni e gusti che caratterizzano la bellezza: esempio i suonatori di liuto di Melozzo da Forlì e Hans Memling: si tratta di apprezzare diverse forme del bello e di andare a un'apparenza goffa iniziale
        
        il discorso sulla bellezza vale anche per l'espressione: ci sono varie espressioni che possono essere apprezzate, come capire nell'immediato un'espressione semplice e commovente (Cristo tormentato dalla passione esplicita di Guido Reni) oppure volti più criptici (crocifisso medievale). Per apprezzarli bisogna comprendere i diversi linguaggi e metodi per essere apprezzati. Questo determina come un'artista senta determinati temi, specie con le opere del passato quando tecnicamente non potevano essere rappresentati al meglio
        
        l'osservatore ha la volontà di osservare l'abilità dell'artista nel rappresentare le cose vere: ammirevole l'impegno dell'artista nel rappresentare dettagliatamente e fedeltà la realtà (lepre di Durer o elefante di Rembrandt). Questa aspetto si sgretola un po' se si parla di artisti moderni, perchè dovrebbero avere la capacità tecnica di rappresentare il reale in maniera fedele, ma permane la necessità di modificare il reale, es: ambito dei fumetti è giustificata un minimo la modifica del reale (dall’Histoire naturelle di Buffon con incisione di una chioccia di
        Picasso, disegnata correttamente)
        
        Non bisogna mai condannare un'opera pittorica di essere scorretta nei dettagli: esistono delle ragioni legate alla poetica dell'artista che guidano il suo non essere fedele e le modifiche del reale. Un esempio sono i cavalli Gericault (esperimenti di Muybridge), in cui solo con la macchina fotografica ci si accorge dell'errore iniziando a criticare; ciò dimostra come la percezione del reale sia relativa
        
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- - - - per comprendere questa arte è necessario analizzare il pensiero, nella quale l'oggetto potente serviva a un unico scopo (non da ammirare). Per capire questa idea di magico bisogna immedesimarsi, attraverso il pensiero di azioni e immagini seppur in maniere irrazionale, ci influenzano. In chi guarda si innesca l'idea che ciò che subisce il ritratto di una persona avvenga all'individuo stesso (es i rozzi fantocci di nemici o animali per poi recare danno nella speranza che queste ripercussioni accadessero nella realtà)
        
        questa motivazione di sfogarsi nella produzione di immagini, fa evidenziare come i primitivi erano esitanti nella distinzione fra l'oggetto reale e quello raffigurato. Possiamo notare per esempio, che nelle pitture rupestri non avevano un criterio decorativo (erano fatte su un unico gruppo o sovrapposte), ma una manifestazione della credenza legate al potere dell'immagine sul reale
        
        ipotesi: oggi esistono delle popolazioni che si sentono imparentate con determinati animali (non solo per la caccia), ma bisogna anche considerare che l'effige di un animale sia sfruttata in determinati casi (lupa di Roma o leone britannico) ai totem, rende l'idea come le reminiscenze di queste credenze esistono tutt'ora
        
        per giudicare la pittura primitiva si deve comprendere la funzione legata all'influenza dell'effetto magico.
        
        gli artisti erano al servizio della comunità essendo dei mestieranti a cui non veniva chiesto mai nulla di nuovo, mentre gli artigiani potevano mostrare la loro ispirazione artistica anche nei riti codificati, migliorando tecnica e tocco. avevano u livello di abilità notevole, considerando gli strumenti archi a disposizioni (es architrave di legno in Maori)
        
        Non bisogna considerare l'arte primitiva come grottesca, ma bensì legarsi al tipo di mentalità di determinate società che persisteva in quel periodo, rispetto a quelle successive. Si parla in questo caso di un progressivo perfezionamento tecnico basato su mutamenti di criteri e esigenze
        
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- - - - mummia: incremento l'esistenza eterna del sovrano. La sua mummia veniva conservata e gli scultori venivano incaricati di rappresentare il suo
        volto in modo da rendere perenne anche la sua memoria (lo scultore era sinonimo di "colui che mantiene in vita). All'inizio queste pratiche erano riservate solo ai re, poi ai nobili e infine alla gente comune (vita ultraterrena: all'interno della tomba venivano offerti cibo, mummia e busto)
        
        Gli scultori tendevano a fissare dei dettagli per evitare espressioni fugaci, ed è grazie a questo motivo che esistono le opere più belle del periodo egizio, per quanto riguarda i busti funerari. Anche all'interno delle tombe erano pensati per mantenere in vita l'individuo composto da pitture; un aspetto da considerare e che non sarebbero viste da nessuno
        
        aspetto non primitivo: mantiene una grande solennità l'assenza di naturalismo che porta questo ritratto del defunto a durare in eterno (fusione di geometria di euritmia e acuta osservazione della natura)
        
        alcune popolazioni antiche spesso alla morte di un sovrano uccidevano anche la famiglia e gli schiavi allo scopo di seppellirli con lui per far si che avesse un'adeguata scorta per il suo arrivo nell'al di la; considerate troppo crudeli si ricorse alle pitture
        
        il modo di rappresentare la realtà utilizzata dai pittori egizi si focalizzavano in una concezione che mirava a fissare tutto nel modo più chiaro e duraturo possibile, per questo si affidavano alla memoria senza copiare il reale da un angolo a scelta. Seguivano dei canoni molto rigidi, e stilisticamente erano vicini ad un disegnatore di carte geografiche
        
        Precisione è la parola chiave. Le figure non venivano rappresentate coerentemente, veniva sempre scelto l’angolo visivo più chiaro (anche per ls figura umana). Gli artisti egizi si limitavano a seguire delle regole per una rappresentazione chiara e duratura in grado di riconoscere appieno la figura
        
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- - - - successivamente in Grecia e Asia si stabilirono delle tribù europee, e questo fu un motivo che gran parte dell'arte venne spazzata via (sono rimaste oggi solo dei poemi omerici). I popoli europei ebbero un approccio all'arte molto primitivo, con una rigidità maggiore rispetto all'arte egizia, cancellando ogni traccia del dinamismo cretese
        
        alcuni motivi geometrici (vasi arcaici) e l'interesse per la semplicità sono riscontrabili in questo periodo: es. un tempio arcaico appartenente alla tribù dei Dori (futuri spartani), da cui deriva il termine dorico.
        
        probabilmente i primi templi erano di legno con piccoli cubicoli contente l'immagine del dio. Prediligevano semplicità e funzionalità costruendo templi in pietra solo dal 600 a.C. e
        soprattutto semplificando la struttura nel miglior modo possibile composto: una trabeazione e una parte superiore che scarna con triglifi (3 scanalature) intercalati da metope (riquadri). Particolare è la grazia che riescono a mantenere. Le colonne risultano affusolate alle estremità e più spesse al centro, il che dimostra una cura estetica, e un interesse minimo alla dimensione decorativa. é evidente che sono costruite dagli uomini per uomini
        
        Atene fu la città più importante per la storia dell'arte greca: gli scultori in particolare presero ciò che era il punto d’arrivo dei modelli egizi e cambiarono approccio. Iniziarono a basarsi su ciò che vedeva l’occhio invece che su ciò che sapevano, sui
        preconcetti costruiti. Gli egizi si basavano su ciò che sapevano, mentre i greci iniziarono ad affidarsi agli occhi
        
        questo cambiamento divenne una rivoluzione, e gli scultori cercavano nuovi modi per rappresentare le figure; le scoperte venivano adottate e arricchite dai colleghi creando una catena evolutiva. Anche la pitture prese questa via, anche se non ne abbiamo traccia (spesso diventano più famosi degli scultori)
        
        l'unica testimonia della pittura sono le traccia vascolarisui vasi che contenevano olio e vino, es Achille e Aiace in cui il pittore si è focalizzato sull'immaginazione della scena della apparizione fra i due. Questa pittura divenne una grande industria per Atene
        
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        la più grande scoperta di questo periodo fu lo scorcio, nel 500 a.C. Fu un momento estremamente drammatico per la storia dell'arte che coincide con la prima rappresentazione. Il vaso ci mostra un guerriero accanto ai genitori; i contorni sono ben definiti (permane un poi lo stile egizio), ma c'è una ricerca di un maggiore naturalismo in un'epoca in cui la civiltà inizia ad indagare sulla natura senza per dare per scontato le leggende sugli dei
        
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- - - - Il grande scultore del tempo fu Prassitele per via della sua grazie e carattere dolce delle sue creazioni. La sua opere più celebre fu "Venere che si prepara in bagno", andata persa. una sola opera originale forse ci è rinvenuta, il dio Ermes con Dioniso fanciullo in braccio, qui Prassitele si interessa alla resa atomica del corpo senza far apparire rigida la statua, mostrandoci l'articolazione
        
        Dobbiamo ricordarci che questa bellezza è raggiunta attraverso la conoscenza e la costruzione a partire da sembianze reali per poi abbellirle= idealizzarono la natura
        
        Molte opere giunte a noi sono copie o varianti come l'Apollo Belvedere, il modello ideale di corpo maschile e con la sua posa straordinaria e la testa volta a seguire la freccia ritroviamo l'antico schema secondo cui ogni parte del corpo deve esser colta dal suo angolo più caratteristico.
        
        Venere di Milo: forse apparteneva al gruppo di cupido; tendeva le braccia nonostante il periodo tardo che si ri fa ai metodi di Prassitele
        
        I greci non avevano mai prodotto un ritratto individuale vero e proprio, le statue erano espressive ma i volti non comunicavano un sentimento preciso, perché i lineamenti avrebbero
        sciupato la regolarità della figura. Si valsero del corpo e dei movimenti per esprimere i travagli dell'anima
        
        gli artisti della generazione dopo Parassite ammirano il volto e colsero i moti dell'anima del soggetto, senza distruggerne la bellezza e iniziarono a produrre ritratti nel senso moderno della parola
        
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- - - - I ritratti avevano svolti in origine nella religione romana una certa funzione, era uso nei cortei funebri portare immagini in cera degli antenati; più tardi il busto dell'imperatore era realizzato ancora per la credenza che con l'immagine sopravvivesse anche l'anima. Ogni romani doveva bruciare incenso davanti al busto dell'imperatore in segno di fedeltà (la persecuzione dei cristiani ebbe origine dal loro rifiuto di ubbidire a tale richiesta)
        
        I ritratti romani erano realizzati con verosimiglianza al soggetto e
        poche lusinghe, a differenza di quelli greci. Il busto di Vespasiano ha poco a che fare con un dio
        
        Altro compito che i romani affidavano agli artisti era di rappresentare le loro campagne di guerra vittoriose. Traiano fece erigere una colonna altissima dove si narra delle sue guerre in Dacia. Il fine di queste opere non erano l'armonia e la bellezza, ma la chiarezza degli episodi narrati, raffinatezza e nitidezza dei particolari per far passare il messaggio del potere dell'impero
        
        Nei secoli poi l'arte romana si andò a sostituire all'arte degli imperi orientali: gli egizi continuavano a mummificare i defunti, ma il loro ritratto lo affidavano a un artista che conosceva i caratteri della ritrattistica greca.
        
        In India venne adottata la maniera romana di narrare una storia e glorificare gli eroi per illustrare la storia di Buddha. L’episodio La grande rinuncia, che vede il giovane principe lasciare in silenzio la casa dei genitori per ritirarsi in solitudine. L'arte mediterranea, che aveva ben insegnato a raffigurare eroi e dèi, aiutò gli indiani a crearsi un'immagine del loro salvatore, es. Testa di Buddha.
        
        La religione ebraica trasse da queste arti l'uso di rappresentare storie sacre per ammaestrare i fedeli. Si iniziò a decorare le pareti delle sinagoghe con episodi dell'AT. Un opera rappresenta Mosè che fa scaturire l'acqua da una roccia e i 12 ruscelli ndicano che l'acqua miracolosa fu distribuita a tutte le tribù di Israele. Non si cerca il verosimile, ma lo scopo essenziale di ricordare allo spettatore la vicenda di Dio. anche per raffigurare Cristo e i suoi apostoli nei primi anni dell'era cristiana si ricorse ai caratteri dell'era greca e romana
        
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- - - - Sant’Apollinare in Classe a Ravenna rende l'idea dell'aspetto delle prime basiliche, purtroppo andate distrutte: erano ampie con una sala centrale e due sale laterali più strette e basse separate da una fila di colonne sullo sfondo vi era l'abside semicircolare dove sedeva colui che presiedeva l'incontro.
        
        quando le sale furono adibite, la stanza principale fu definita navata, l'abside con latra si chiamò coro, le navate laterali ali. Problema della decorazione: si era d'accordo sull'assenza delle statue perchè ricordavano gli idoli pagani, ma si discuteva sulla creazione di pitture. Secondo alcuni erano utili alla comunità per ricordare gli insegnamenti (facilitare la comprensione di un Dio invisibile) e papa Gregorio Magno ribadì il concetto precisando
        che molti erano analfabeti e le pitture avrebbero potuto indottrinarli
        
        secondo lui il soggetto doveva essere rappresentato in modo chiaro e semplice, escludendo qualsiasi elementi di distrazione, es. mosaico della basilica di Ravenna presenta Il miracolo della moltiplicazione di pani e pesci (cristo al centrale e al laterali i due apostoli che porgono pane e pesce); Cristo guarda lo spettatore perchè è lui che vuole sfamare, il suo senso e che vuole precisare che il miracolo non era avvenuto in Palestina. Permane qualche caratteristica greca (drappeggio e ombre), ma il mosaico è rigido e infantile (primitivo per la semplicità dell'artista). Rappresentazione della solennità e potere di Cristo
        
        l'arte cristiana è un miscuglio di arte primitiva con tecniche raffinate. Sono utili nella narrazione di un episodio, ma lontane del classicismo (no perdita)
        
        La questione dell'arte nelle basiliche si rivelò importantissima, fu una delle ragioni per cui la chiesa Orientale di Bisanzio non volle stare sotto quella latina di Roma.
        
        in Oriente erano contrari alle immagini sacre (iconoclasti), ma in Occidente (iconoduli) si giustificavano dicendo che se Cristo si era manifestato agli uomini con sembianze umane, perché non si sarebbe potuto rappresentarlo? (venerazione per la rappresentazione. I bizantini si attenevano agli antichi modelli preservando le conquista dell'arte greca, nonostante una certa rigidezza nelle figure
        
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- - - - Goti, vandali, sassoni, vichinghi, attraversarono l'Europa saccheggiando e furono considerati barbari dai filo-romani. Avevano le loro abilità: artigiani esperti nella lavorazione del metallo ed eccellenti scultori per il legno. amavano raffigurare corpi contorti e intrighi di draghi e altri animali; è probabile che vedessero nell'arte un potere magico, come nelle tribù primitive, Es. drago intagliato su una nave vichinga, per scacciare gli spiriti maligni.
        
        I monaci d'Inghilterra tentarono di inglobare l'arte nordica all'arte cristiana, costruendo chiese che imitavano le scultore in legno degli artigiani. Sorprendenti sono i talenti di questi artisti nel realizzare figure in miniatura nei manoscritti inglesi e irlandesi
        
        in una pagine dell'Evangialiero di Lindisfarne 700 d.C vediamo la
        croce composta con pazienza da una trina di draghi e serpenti allacciati sopra un disegno complicato, che danno una forma di armonia e di colore
        
        la figura umana nei manoscritti era rappresentate con delle trame bizzarre con sembianze di uomo (es San Luca). Si vede la difficoltà per coloro cresciuti con la tradizione indigena di adeguarsi alle esigenze dei testi cristiani.
        
        L'abilità nel disegnare meravigliose trame aiutò gli artisti occidentali a introdurre nella loro arte questo nuovo elemento dando vita a qualcosa di nuovo: l'arte occidentale senza il conflitto tra classico e indigeno la falsariga bizantina
        
        La conoscenza dell'arte classica non andò persa: Carlo Magno nell'800 fece edificare ad Aquisgrana una chiesa di aspetto fedele a una costruita a Ravenna 300 anni prima. Persiste l'assenza di originalità: gli schemi vecchi servono bene allo scopo.
        
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- - - - Dal punto di vista economico l'erezione di una chiesa trasformava un'intera città. I soffitti in legno delle basiliche non erano abbastanza dignitosi per queste nuove chiese, quindi occorreva la pietra, così gli architetti normanni idearono un soffitto composto da nervature e costoloni a croce fra i pilastri portanti riempiendo poi le sezioni triangolari con materiali leggeri.
        
        fu un importante rivoluzione. Si dovette
        affrontare il problema tecnico con conoscenze tecniche e calcoli e incessanti esperimenti, perchè per reggere tutto quel peso servivano dei pilastri formidabili con grandi blocchi di pietre Cattedrale normanna di Durham
  - - - Candelabro realizzato per la cattedrale di Gloucester nel 1110: l'intreccio di figure mostruose ci ricorda l'arte dell'alto medioevo, ma il significato si collega alla dottrina religiosa. In questa giungla di mosti vi sono i simboli degli evangelisti e uomini nudi, si capisce che la dottrina è in grado di fare trionfare questi uomini sperduti nelle tenebre
        
        la fonte battesimale della chiesa di Leigi del 1113, in ottone, in
        altorilievo raffigura il battesimo di Cristo, tutti gli elementi sono un'allegoria (iscrizioni latine).
        
        secolo delle crociate: l'arte occidentale venne in stretto contatto con quella di Bisanzio adottando alcuni caratteri. In nessun altro periodo storico artistico, come il romanico l'arte europea si avvicinò tanto a quella orientale
        
        In un'Annunciazione del 1150 le figure hanno la stessa rigidità di quelle egizie; la Vergine è vista frontalmente con le mani sollevate, gesto di stupore; la colomba dello Spirito scende su di lei e di fronte l'angelo è visto lateralmente e fa un gesto, atto di parlare.L'artista ha combinato tutti i simboli del momento per far accogliere la giusta interpretazione
        
        La pagina di un Martirologio di un monastero tedesco illustra i martiri che si commemorano nel mese di ottobre; ogni particolare mostra la storia dei santi. Sant'Orsola viene uccisa insieme alle 11000 vergini. La pittura si avvicinò alla scrittura figurata, l'asrtista l'artista medievale non era vincolato dal dover imitare le gradazioni reali di colore, era libero di scegliere per le sue illustrazioni, la com-posizione, il soprannaturale. Come vediamo in una vetrata realizzata con colori intensi; l'artista seppe sfruttare bene l’indipendenza dall’imitazione della natura.
- - - - Dopo di lui, tutti gli architetti hanno seguito le sue orme, soltanto nel '900 qualcuno ha cominciato a ribellarsi a quella maniera
        
        la Capella Pazzi è composta da elementi architettonici secondo il suo gusto personale raggiungendo una leggerezza e una grazia diversi da qualsiasi altro stile precedente. Entrando nella cappella: muri bianchi ripartiti da pilastri grigi non funzionali che richiamo un ordine classico, linea e proporzioni
        
        a Brunelleschi si deve un'altra scoperta importante: la prospettiva. Fornì agli artisti le norme matematiche per risolvere il problema della prospettiva. La Santissima Trinità di Masaccio è una delle prime opere eseguite col supporto delle leggi matematiche. Morì giovanissimo, ma in così breve tempo riuscì a rivoluzionare la pittura: con la realizzazione di figure massicce e pesanti (non fluenti come nello stile gotico) e l'applicazione della prospettiva, ha conferito alle figure una solennità e stabilità unica. Nuove scoperte non fini a sé stesse, ma per imprimere ancora meglio il significato dei temi.
        
        Il più importante scultore del gruppo rivoluzionario fiorentino fu Donatello. Una sua opera giovanile rappresenta S.Giorgio ed era destinata all'esterno della chiesa Orsanmichele. Ha rotto completamente con il passato: i piedi poggiano solidamente a terra, ma tutta la figura ricca di movimento energetico sebbene rimanga solida, aria di sfida. Come Masaccio, volle sostituire alla raffinatezza dei predecessori gotici una nuova e acuta osservazione della natura e del corpo umano, fresco e concreto. Fu chiamato in altre città italiane per realizzare altre opere
        
        I maestri fiorentini iniziarono ad osservare attentamente il
        corpo, chiedevano ai modelli o agli amici di posare per loro. Un rilievo in bronzo dedicato alla fonte battesimale di Siena illustra l'episodio del Festino di Erode dove viene portata la testa del Battista in dono; nelle figure predilige il disgusto ed il terrore davanti alla testa mozzata. Le figure sono dure e
        angolose nei movimenti, stile narrativo che non rientra in uno schema, ma è di caos. Per mostrare un palazzo classico scelse di mettere sullo sfondo tipi romani, e realizzò tutto su 3 piani.
        
        Il dominio di scienza, arte classica e natura rimasero per un po’ la prerogativa italiana. La volontà di creare un'arte più vicina alla natura influenzò anche gli artisti nordici come lo scultore Claus Sluter, che lavorò a Digione, capitale del Ducato di Borgogna. La sua opera più famosa rappresenta un gruppo di Profeti Daniele e Isaia con pergamena in mano su cui sono scritte profezie sulla Passione. Sono figure verosimili ma solenni nel loro portamento di illusione verosimile e nel massiccio panneggio. (non sono più rigide come i portoni medievali)
        
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- - - - A Firenze, dove iniziò la grande rivoluzione artistica, la generazione che seguì il gruppo di Brunelleschi si avvalse delle conquiste fatte: introdusse elementi classici nelle sue architetture e i successori avevano il desiderio di farlo.
        
        L'architetto Leon Battista Alberti per la Chiesa di S. Andrea a
        Mantova concepì la facciata come un grande arco trionfale romano. il problema fu trovare un compromesso tra lo stile di Brunelleschi e la realizzazione di un palazzo tradizionale. Alberti trovò una soluzione progettando per la ricca famiglia fiorentina il Palazzo Rucellai, sfruttò la forma tradizionale del palazzo decorandolo con forme classiche, trabeazioni e lesene. Applicò ad ogni piano dell'edificio i tre ordini architettonici greci, dando così un'impronta classica alla struttura: partendo dal basso lo stile dorico, poi ionico e corinzio, senza rompere del tutto con la tradizione gotica grazie alle grandi finestre che ricordano Notre-Dame.
        
        l miscuglio tra le forme gotiche e moderne è caratteristico di molti artisti di fine '400; il più grande fiorentino che riuscì a conciliare la tradizione gotica con le forme moderne fu lo scultore Lorenzo Ghiberti. Il rilievo destinato alla fonte battesimale di Siena ci sorprende meno di Donatello, ma ha saputo dare un carattere alle figure, facendoci capire la parte che ognuna rappresenta. Non ci dà l'idea dello spazio reale ma le figure sono stagliate su uno sfondo neutro, accennando lieve profondità. Cristo è al centro, ai lati S.Giovanni Battista e gli angeli, in alto Dio e la colomba.
        
        Mise a frutto le novità senza mutare troppo lo stile antico il pittore fra Angelico da Fiesole o Beato Angelico, frate domenicano. Celebri i suoi affreschi del convento di S.Marco a Firenze: dipinse scene sacre, una per ogni cella e in capo ai corridoi. Nell'Annunciazione la prospettiva non è più una difficoltà, volle rappresentare la scena sacra con semplicità, manca qualsiasi accenno al vero, come Simone Martini. Deliberatamente rinunciò all’ostentazione moderna.
        
        Celebre fu Paolo Uccello. La rappresentazione della Battaglia di S. Romano dove i fiorentini sconfissero i nemici in uno scontro tra fazioni, era destinata al palazzo dei Medici. Può sembrare medievale con i cavalieri come in un torneo, le figure legnose e fuori dalla realtà, un teatro di marionette. Questo perché l'artista non si dedicò tanto alla resa naturalistica delle figure, ma sperimentò a fondo il gioco della prospettiva e il comune punto
        di fuga (es. il guerriero caduto a terra). Scelse un procedimento opposto a Eyck (aggiunse tanti particolari desunti dall'osservazione per copiare la superficie), con l'arte prospettica tentò di costruire un proscenio concreto con figure di aspetto solido e reale, ma non aveva ancora imparato a avvalersi degli effetti di chiaroscuro e atmosfera per ammorbidire i duri contorni.
        
        A Benozzo Gozzoli, allievo di Beato Angelico, fu dato l'incarico di affrescare alcune pareti della cappella privata del palazzo Medici. Realizzò Il viaggio dei Magi verso Betlemme, emerge un ritorno al gusto del gotico internazionale, un'atmosfera fiabesca ricca di particolari raffinati e sgargianti
        
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- - - - Un ricercatore di grande fama fu papa Giulio II che nel 1506
        decise di abbattere la Basilica di S. Pietro e di riedificarla sfidando le tradizioni secolari dell'architettura ecclesiastica, affidando questo compito a Donato Bramante. Fece il Tempietto a S. Pietro in Montorio, cappella a rotonda su gradini, coronata da una cupola, circondata da un colonnato in stile dorico , con una balaustra sulla cima che conferisce armonia a tutto l'edificio; è uno dei suoi pochi edifici rimasti intatti che ci mostra come conosceva e metteva in atto i canoni antichi classici ma senza diventarne imitatore.
        
        Una medaglia mostra come avrebbe dovuto essere la nuova chiesa, non rettangolare come da tradizione, ma quadrata; il progetto non andò a buon fine perché la sua realizzazione richiedeva troppo denaro (la vendita delle indulgenze per questa smosse Lutero alla sua prima protesta in Germania). Voleva combinare gli effetti dei più vasti edifici antichi come il Colosseo
        con quelli del Pantheon, soverchiando le considerazioni di funzionalità. S. Pietro come la conosciamo oggi del progetto bramantesco conserva solo le dimensioni gigantesche
        
        Aristotele aveva distinto le arti compatibili con un'educazione liberale come arti liberali (grammatica, retorica, geometria) e come arti servili (manuali, inadatti a un gentiluomo), gli artisti cercarono di dimostrare che la pittura era non meno liberale della poesia.
        
        Andrea Verrocchio ebbe una fama vastissima, lo dimostra il fatto che a Venezia gli fu commissionata la realizzazione del monumento al condottiero Bartolomeo Colleoni. Mirabile è l'atteggiamento di sfida dell’uomo e l'anatomia del
        cavallo, che rendono grandiosa e allo stesso tempo semplice l'opera energica.
        
        Leonardo da Vinci fu apprendista nella sua importante bottega. Di lui conosciamo la vastità della sua mente perché allievi e ammiratori conservarono i suoi schizzi e taccuini: non si comprende come un umano abbia potuto eccellere in tanti e così diversi campi di ricerca recando ovunque importanti contributi. Riteneva che il compito dell'artista fosse l'esplorazione del mondo visibile condotta in modo più completo e accurato. Non era interessato alla cultura degli studiosi e conosceva poco le lingue antiche. Esplorò i segreti del corpo umano sezionando più di 30 cadaveri, fu uno dei primi a dedicarsi allo studio della crescita del feto e del volo degli insetti, per creare una macchina volante. I suoi contemporanei sapevano delle sue abilità ma non conobbero mai l'importanza delle sue scoperte poiché non pubblicò i suoi scritti di curiosità insaziabile. Forse non aveva ambizioni scientifiche e l'esplorazione era per lui un mezzo con cui acquistare la conoscenza del mondo visibile per la sua arte. Poche opere ha portato a termine tra i numerosi spostamenti a Firenze, Roma, Milano e la Francia
        
        In L’ultima cena, nel convento di Santa Maria delle Grazie a Milano la luce che cade chiara sulla mensa dà solidità alle figure, ogni personaggio è arricchito di particolari simbolici e in modo naturale. Fedele ai particolari e all'illusione di realtà, la composizione si stacca dall’iconografia tradizionale. Raffigura il momento in cui si è appena scatenato il caos tra i presenti a cena dopo che Cristo ha rivelato che qualcuno di loro lo avrebbe tradito la notte stessa; tutti inorriditi, solo Giuda non gesticola e non fa domande isolandosi dalla scena L'atmosfera è agitata e drammatica, ma nel dipinto non c'è nulla di caotico; i 12 apostoli
        sono legati a gruppi di 3 da gesti e movimenti; riuscì a conciliare le esigenze del naturalismo (frammento di realtà concreta) con quelle della composizione senza conferire rigidità alla scena. Il
        fulcro sono le reazioni dei personaggi, l’ordine nella varietà.
        
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- - - - I fiorentini si interessavano al disegno. Giovanni Bellini, della generazione del Verrocchio del Ghirlandaio e del Perugino, realizzò per la chiesa di S. Zaccaria un quadro posto sull'altare che rappresenta la Vergine con il Bambino volto a benedire i devoti davanti all'altare, un angelo ai piedi suona una viola, i santi si raccolgono ai lati incoronando i pilastri in primo e secondo piano; si nota che il suo atteggiamento con il colore diverge dagli altri pittori italiani, la pastosità e ricchezza delle tinte colpisce l'osservatore prima del soggetto. Seppe infondere vita in una disposizione semplice e simmetrica Senza sovvertire l'ordine e seppe trasformare le figure tradizionali in essere vivi e reali senza privarli di dignità e sacralità. Bellini fu padrone di una famosa bottega da cui uscirono due artisti che seguendo il maestro raggiunsero l'armonia nelle loro opere attraverso il colore e la luce.
        
        Di Giorgione non abbiamo più di 5 sue opere ma queste bastarono per assicurargli fama. La tempesta forse rappresenta una scena tratta da qualche autore classico, poiché gli artisti veneziani del tempo amavano illustrare storie di miti greci, dei e ninfe. È raffigurata una madre con il suo bimbo cacciata nelle selve dove viene scoperta da un giovane e gentile pastore. Le figure non sono disegnate con eccessiva cura e la composizione è semplice, ma l'opera raggiunge una sua unità grazie all'atmosfera e alla luce, misteriosa, che unisce i soggetti al paesaggio, che pare non essere un semplice sfondo, ma il vero tema del quadro. A differenza dei predecessori non ha dipinto cose per disporle nello spazio, ma esseri umani e paesaggio sono concepiti come un tutto unico. Non solo la somma di pittura e disegno.
        
        Tiziano Vecellio raggiunse una fama immensa e una sapienza nei colori e il loro uso che eguagliò la maestria di Michelangelo nel disegno. Si dice che Carlo V si chinò a raccogliere il pennello. La sua perizia gli permise di trascurare le venerate regole della composizione e affidarsi al colore per ripristinare l'armonia infranta.
        
        Innovativo fu spostare la Madonna con Bambino dal centro e fare dei due santi, S. Francesco e Pietro, personaggi attivi nella scena anziché figure di contorno; la pittura fu eseguita per una vittoria sui turchi del veneto Jacopo Pesaro e lo ritrasse davanti alla Vergine inginocchiato. slide 23