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Surealismo - Coggle Diagram

- - - - Salvador Dalì
        
        Salvador Dalì è stato uno dei piu grandi artisti della storia. La sua vita è stata segnata dal cattivo rapporto cin la madre che gli ripeteva sempre frasi sprezzanti e elogiava il fratello, morto pochi anni prima, lei gli ripeteva continuamente che l'altro figlio era migliore e che lui era nato solo per rimpiazzo. Alcune voci dicono che il giovane Dalì veniva portato tutti i giorni alla tomba del fratello e che, davanti alla lapide, la madre gli facesse la predica costantemente.
        Lui fu segnato da questa assenza materna e, oltre che avere traumi infantili, decise di sposare una donna molto più grande di lui, solo per rimpiazzare e coprire l'affetto che non gli era stato mai regalato dalla madre.
        
        Opere
        
        Persistenza della memoria
        
        All’interno di un paesaggio fantastico sono disposti alcuni oggetti irreali. Dominano la scena alcuni orologi dalla consistenza deformata. Sono chiamati, infatti, orologi molli. Pur segnando ancora il tempo, sembrano aver perso la loro solidità. Sopra al parallelepipedo dipinto a sinistra, un orologio è poggiato per una metà sul piano. Sopra di esso, si è appoggiata una mosca che crea una lunga ombra verso le dodici. La metà inferiore, invece, pende mollemente lungo il fianco del solido. Un altro orologio, con la cassa però chiusa, è poggiato più a sinistra. Su di esso alcune formiche, grandi e piccole, creano un motivo decorativo.
        Verso il bordo posteriore del solido, un esile tronco morto si alza verso il cielo e un suo ramo di ulivo sostiene un altro orologio che pende verso il basso. Sul terreno, un essere mostruoso composto da un grande occhio chiuso, con lunghe ciglia, sopracciglia e la lingua al di fuori porta come una groppa un altro orologio. Verso il fondo dello spazio rappresentato, si apre uno specchio d’acqua. A destra, alcuni faraglioni avanzano verso l’acqua. A sinistra, invece, è dipinto un piano geometrico che avanza verso la riva. Il cielo è limpido e privo di nubi. Oltre alla spiegazione data dall’artista, si può immaginare che gli orologi molli rappresentino la relatività della percezione temporale. Ognuno di noi, infatti, ha una propria sensazione temporale rispetto alle medesime situazioni. Ogni orologio, inoltre, segna ore diverse. Nel dipinto di Dalí compaiono anche simboli ripresi poi in altri dipinti come il viso di profilo dalle lunghe ciglia. Si tratta di un autoritratto simbolico dell’artista che si trova, in forma fluida ne La disintegrazione della persistenza dipinta negli anni Cinquanta del Novecento. In questo dipinto torna anche l’albero di ulivo che sostiene l’orologio molle. L’opera risale agli anni della Guerra Fredda e fa riferimento al pericolo nucleare. La scogliera che si osserva a destra esiste realmente presso la nella baia di Cullera. In Spagna, nei pressi della Casa Museo di Dalì a Port lligat (Cadaqués).
        
        Gli elefanti
        
        All’interno di un paesaggio desertico due elefanti dalle zampe lunghissime e sottili avanzano dai lati dei dipinto verso il centro. Gli animali sono bardati con teli e finiture e sul loro dorso ondeggiano alti obelischi. Quello di sinistra è più illuminato e avanza sollevando la proboscide. Invece quello di sinistra è più in ombra ed è chinato verso il basso. Sul terreno, verso il centro, due piccole figure si raffrontano. Quella che sembra una figura femminile corre da destra verso il centro mentre a sinistra una figura maschile attende ferma. Le loro lunghe ombre si allungano sul terreno verso sinistra. Al centro del dipinto, sulla linea d’orizzonte, si coglie la sagoma di una struttura scura e simmetrica. Un triangolo a forma di timpano di un tempio classico è sorretto dalle sagome di due colonne. Contro il cielo rosso e arancio, corre infine una sottile linee di montagne. Gli elefanti sono un simbolo ricorrente nella pittura di Salvador Dalí. Questi animali compaiono nel dipinto accanto ad altri elementi simbolici surrealisti quali il paesaggio desertico. Sono poi presenti le piccole figure umane che proiettano lunghe ombre sul terreno, un cielo dal colore acceso e la struttura architettonica che ricorda la classicità. Secondo gli esperti della pittura di Dalí, la figura dell’elefante comparve nei suoi dipinti intorno al 1941. Un elefante dalle zampe di insetto è infatti raffigurato nel noto dipinto intitolato Sogno Causato dal Volo di un’Ape. In quest’opera un elefante corre sullo sfondo su zampe alte e sottili proprio sopra il corpo nudo di Gala, la musa compagna di Dalí. Un altro elefante si può vedere ne La Tentazione di Sant’Antonio del 1946. La particolare figura ibrida degli elefanti di Dalí si basa su un contrasto formale tra massa pesante del corpo e sottili arti da insetto. Grazie a questa ibridazione, le creature di Dalì si muovono con leggerezza e trasmettono un senso di precarietà nell’equilibrio. Dalí dipinse sul dorso dei suoi elefanti una struttura a forma di obelisco che sembra sospesa nell’aria e ondeggia al procedere dell’animale. Gli storici dell’arte si sono chiesti se questa figura sia un riferimento all’arte orientale o all’iconografia di altre culture. Sembra però che, secondo diverse dichiarazioni di Dalí, l’immagine derivi da quella di un elefante che trasporta un obelisco scolpita da Lorenzo Bernini. Nella storia dell’arte sono celebri le ibridazioni fantastiche dipinte dal pittore fiammingo Hieronymus Bosch. Nei suoi dipinti, i demoni sono spesso accompagnati da creature frantastiche composte da parti di insetti, anfibi e mammiferi.
      - René Magritte
        
        L'iunfanzia di Magritte viene segnata dalla mkorte della madre quando lui aveva otto anni, infatti la donna, nel 1912, si suicidò lanciandosi nel fiume e venne ritrovata annegata con la testa avvolta dalla camicia da notte; questo fatto sarebbe rimasto particolarmente impresso in alcuni suoi dipinti come L'histoire centrale, Les amants e Le fantasticherie del passeggiatore solitario.
        
        Opere
        
        Il tradimento delle immagini
        
        L'opera, realizzata quando l'artista aveva trent'anni, raffigura inequivocabilmente l'immagine di una pipa dipinta su uno sfondo di un solo colore, seguita da una didascalia in un corsivo manierato ed elegante che afferma: «Ceci n'est pas une pipe» (in italiano: «Questa non è una pipa»).
        L'intento di Magritte è quello di sottolineare la differenza tra l'oggetto reale e la sua rappresentazione, rinnegando la pittura classica, secondo cui vi era un legame indissolubile tra l'immagine e la realtà. Infatti, La Trahison des images non è di fatto quell'oggetto reale che chiamiamo «pipa», bensì una sua raffigurazione pittorica; l'equivoco è dovuto alla convenzione che lega a ogni oggetto un nome (secondo Magritte tutto il quadro, immagine e didascalia, non sono nell'ordine delle cose, bensì della rappresentazione). In effetti, malgrado alla domanda «che cos'è?» si risponda «una pipa», l'oggetto reale e la sua raffigurazione hanno proprietà e funzioni spiccatamente differenti. Questa dicotomia è stata sottolineata dallo stesso Magritte, che ha avuto modo di affermare: «Chi oserebbe pretendere che l'immagine di una pipa è una pipa? Chi potrebbe fumare la pipa del mio quadro? Nessuno. Quindi, non è una pipa»
        
        Gli amanti
        
        Il quadro raffigura due amanti che si baciano, con le teste coperte da un panno bianco che impedisce loro di vedersi e comunicare, suscitando una certa inquietudine e angoscia. La scena è poi completata da uno sfondo fortemente contrastato di tonalità blu e dalla cornice classicheggiante che riveste la rossa parete, riportando agli occhi i tempi antichi. I due lenzuoli sono resi con un abile uso dei chiaroscuri, che sembrano riecheggiare i virtuosismi del peplo di una scultura ellenistica, e sono fonte di luce dell'intera opera. Questi drappeggi che paiono leggeri e appena appoggiati sui volti dei due amanti, sono in netto contrasto con il rigore classico dell'architettura appena accennata in alto a destra. La composizione è equilibrata sia dal punto di vista geometrico che plastico, anche attraverso il rapporto che il pittore crea tra il rosso del muro e il rosso della camicia della donna. Questo rosso che spicca, però sempre in secondo piano rispetto alla luce del bianco dei lenzuoli, richiama il rosso del sangue e quindi della morte, altro riferimento al suicidio della madre. Tra le due figure quella più emblematica è la figura maschile: giacca scura, camicia bianca e cravatta, semplice e ordinata, che alla vista non resta impressa. Questi è il padre di Magritte che dà un ultimo bacio alla moglie, appena morta, con il volto coperto dal dolore.
      - Joan Mirò
        
        Joan Miró i Ferrà (Barcellona, 1893 – Palma di Maiorca, 1983) è stato uno degli autori più importanti di tutto il Novecento e ha dedicato la sua carriera a una continua sperimentazione artistica. La sua vicenda è stata spesso accostata all’avanguardia surrealista, di cui fece parte dal 1924 al 1929. Tuttavia, Miró si distaccò dal movimento dopo pochi anni, a causa del rigido schematismo imposto dal teorico più importante del sodalizio: André Robert Breton (Tinchebray, 1896 – Parigi, 1966). L’imposizione di uno stile era in netta contrapposizione con la continua sperimentazione sia in ambito tecnico che stilistico di Joan.
        L’immaginario artistico di Joan Miró è stato alimentato da influenze di vario genere, a partire da quelle più antiche, per esempio le pitture rupestri primitive, le opere africane e quelle cattoliche catalane. Tra i suoi modelli compaiono anche le pitture dei grandi maestri nordici del XV secolo, come Hieronymus Bosch (’s-Hertogenbosch, 1453 – 1516) e le opere più moderne dell’espressionista Edvard Munch (Løten, 1863 – Oslo, 1944). Eppure, le sue due più grandi fonti di ispirazione furono le opere e le teorie dei suoi compagni surrealisti e quelle del grande maestro Pablo Picasso (Malaga, 1881 – Mougins, 1973). Joan utilizzò questi modelli per creare il suo stile, caratterizzato da un forte spiritualismo e un’incessante ricerca di un linguaggio universalmente comprensibile.
        
        Opere
        
        Il carnevale di Arlecchino
        
        Al centro della tela, una figura fantastica indossa una maschera colorata per metà di rosso e per metà di blu. Il dipinto è animato da molte figure ibride festanti metà umane e metà animali. Alcuni oggetti poi sono antropomorfizzati, cioè possiedono parti anatomiche umane come la scala con un occhio e orecchie. Le forme animate ballano e si divertono al ritmo della musica che sembra diffondersi nel loro spazio fantastico. Joan Miró realizzò una serie di dipinti ispirati ai colori e ai paesaggi della nativa Catalogna in Spagna. Il Carnevale di Arlecchino appartiene a questa serie ed è il dipinto nel quale si riassumono le sperimentazioni compiute nelle altre opere del ciclo.Gli storici pensano che il titolo del dipinto di Miró faccia riferimento al Martedì grasso. Secondo la tradizione cristiano-cattolica il Martedì grasso si celebra prima del digiuno che caratterizza la Quaresima di Pasqua nel calendario liturgico cattolico.La figura centrale con la maschera bicolore e la tunica decorata con forme a rombo si riferisce alla maschera di Arlecchino della commedia dell’arte italiana. Il famoso personaggio dello spettacolo cerca senza successo l’amore e spesso gli artisti lo dipinsero identificandosi con le sue sfortune.Inoltre l’Arlecchino dipinto da Miró presenta un foro nel ventre. Questo particolare allude forse alla sua condizione economica del tempo. L’artista infatti era talmente povero da non poter offrire a cena che ravanelli ad un amico. Il buco nello stomaco di Arlecchino ricorderebbe quindi la sensazione di fame provata da Miró. Il tono della scena però sembra felice. Le figure sono allegre e non esprimono sofferenza o depressione.
        
        La terra arata
        
        Nel dipinto La terra arata di Joan Mirò sul piano dipinto si affollano segni e forme provenienti da vari ambiti della cultura. Alcuni di questi come, ad esempio, la sagoma del bovino e di ominidi verso destra, sono tratti da pitture rupestri. Altri, poi, sono esseri costruiti con diverse parti di animali che provengono, forse, da ricordi di pittura fiamminga quali dipinti di Hieronymus Bosch. Alcuni personaggi, inoltre, ricordano le espressioni artistiche di bambini o di primitivi. Alcune forme sono estremamente semplificate come l’essere al centro in basso con la bocca spalancata di profilo e l’occhio, invece, frontale e una testa triangolare a punta. Altre forme sono costruite con segni che difficilmente si possono identificare come quelle a sinistra che ricordano pali di tralicci o segnali stradali.La linea dell’orizzonte presuppone che vi sia un piano naturale sul quale gli esseri fantastici si poggiano, come nella realtà. Dalla base della forma strana, a sinistra, parte, verso il basso, un tracciato ondulante che ricorda l’aratura di un campo. Sull’orizzonte, in centro, si trova una abitazione costruita con parti fantastiche. Nel cielo, a partire da sinistra, si osserva un sole tondo, poi un volo di uccelli e infine verso il centro una nuvola. A destra un grande albero con la chioma sostituita da artigli neri e un occhio centrale che fa ombra ad una serie di animali sintetici e fantastici che si trovano al suolo.