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12 PRINCIPIOS DE LA ANIMACION
PUESTA EN ESCENA (Staging)
La puesta en escena en animación es muy parecida a la composición en obras de arte. Lo que queremos decir con esto es que debes usar el movimiento para guiar el ojo del espectador y llamar la atención sobre lo que es importante dentro de la escena. Mantén el foco en lo que es importante dentro de la escena y mantén el movimiento de todo lo demás sin importancia al mínimo
ACCIÓN DIRECTA O POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-topose)
La animación directa se basa en dibujar directamente una escena cuadro por cuadro de principio a fin, creando una escena más fluida y realista. Por su parte la técnica pose a pose se basa en dibujar las poses clave de los personajes y luego completarlas con las poses secundarias.
ANTICIPACIÓN
La anticipación se utiliza para dirigir la atención del espectador preparándolo para la acción que viene a continuación. Generalmente, para las acciones más rápidas se necesita un mayor periodo de anticipación
En animación, la acción ocurre normalmente por tres etapas:
El movimiento en sí mismo
La prolongación de la acción.
La preparación para el
movimiento
Acción complementaria y acción superpuesta
Ambas técnicas hacen que el movimiento sea más realista.
La acción complementaria se basa en que elementos ajenos al cuerpo del personaje deben seguir en movimiento independiente aunque el personaje deje de moverse.
Por su parte la acción superpuesta hace referencia a los diferentes elementos del cuerpo del personaje que se deben mover de diferente manera, no es lo mismo el movimiento de un brazo que el del pelo o de la ropa, por ejemplo.
ESTIRAR Y RECOGER
El principio de estirar y encoger se considera el más importante de los 12 principios de la animación. Cuando se aplica, le da a los personajes y objetos animados la ilusión de gravedad, peso, masa y flexibilidad.
Acción secundaria
Consiste en añadir acciones secundarias a la acción principal. Dando así más énfasis a la acción principal que queda más enriquecida.
Exageración
Un recurso muy usado en las películas de animación pero hay que tener mucho cuidado para no arruinar la veracidad de la escena. Se debe mantener una armonía entre los elementos y usar la técnica de la exageración con el objetivo concreto que nos hayamos fijado.
Acelerar y desacelerar
Se aplica tanto a personajes como a objetos para crear naturalidad. Se lleva a cabo creando más movimiento al principio de la acción y al final. De este modo se da protagonismo a la pose clave.
Dibujo sólido
Creación del espacio tridimensional de los dibujos para que se vean en 3D. Para ello hay que tener en cuenta el volumen y el peso del personaje para no caer en la simetría.
Timing
Tiene que ver con la velocidad de la acción en escena que se ajusta con el número de cuadros que se añadan. Esta técnica es importante para crear humor y emociones en un personaje.
Arcos
Esta técnica se basa en que los movimientos naturales siguen una trayectoria circular. Por lo que cualquier movimiento tendrá que tener cierta curvatura para dar la sensación de realismo. Como excepción de este principio están los movimientos fuertes, ya que normalmente estos suceden en líneas rectas.
Atractivo
A la hora de crear un personaje es importante que el público conecte con él, da igual que sea del bando bueno o malo, guapo o feo. Lo importante es que resulte cautivador para el espectador. En ese sentido los rasgos del personaje serán fundamentales.
Los 12 principios básicos de la animación de Disney fueron desarrollados durante los años 30 por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas con el objetivo de crear personajes más realistas tanto física como emocionalmente.
Muchos profesionales se refieren a estas 12 claves como “la biblia de la animación”. Unos principios que, si bien surgieron hace muchos años, se han ido transmitiendo y conforman la base del mundo de la animación.
Yessenia Del Mar 8-787-1815
