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PINTURA Y ESCULTURA DEL ROMANTICISMO - Coggle Diagram

- - - - Caracteristicas
        
        La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro
        
        Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
        
        La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles.
        
        La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
        
        En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos históricos, etc.
        
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    - - El alemán Caspar David Friedrich (1774 – 1840)
        
        Etapas
        
        Formación
        Cursó estudios en la Academia de Copenhague y en 1798 se estableció en Dresde. Fue profesor de la Academia de Dresde.
        Considerado como el máximo representante del Romanticismo en Alemania, y uno de los más importantes pintores de su época.
        
        Primeras obras
        Ya en sus primeros dibujos aparecen playas de rocas y cadenas montañosas, posteriormente comienza a pintar al óleo en 1807. Sus paisajes no son panteístas, sino religiosos, apreciándose la influencia del Pietismo (tendencia del Protestantismo) y de la filosofía de Schleyermacher.
        
        Por su intensa expresión de la inconmensurabilidad del universo frente a la experiencia humana, Caspar David Friedrich es apreciado como la más destacada figura del paisajismo alemán.
        
        Obras Representativas
        
        Caminante ante un mar de niebla
        
        Destaca la singular agonía existencial y la melancolía frente a algo mucho más grande que nosotros.
        El mar se muestra como un elemento que no conoce límites, se extiende hasta el infinito y parece confundirse con el cielo. Se interpreta como la representación de lo desconocido e intangible para el hombre.
        
        Abadía en el robledal
        
        Abadía en el robledal, es una de las primeras obras del pintor, Abadía en un bosque, La elección de temáticas como la desolación, la soledad y melancolía.
        
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      - Joseph Mallord William Turner
        
        Etapas
        
        Joseph Mallord William Turner nació en Londres en 1775 y murió en la misma ciudad 76 años después, en 1851. Se lo considera el gran representante de la pintura romántica inglesa, gracias a su prolífica producción con la que supo capturar la esencia de paisajes y lugares con una técnica distinta.
        
        Formación
        Fue un artista precoz. A los catorce años ya había sido admitido como alumno en la Royal Academy of Arts de Londres. Un año después, logró exponer algunas de sus acuarelas en la muestra de verano de esa Institución.
        
        A los veinticuatro años fue nombrado miembro asociado en esa misma Academia.
        
        Turner tenía un instinto para las tormentas. Sabía cuándo iban a desencadenarse con solo mirar las nubes.
        
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        Obras representativas
        
        Lluvia, vapor y velocidad
        
        Pinta a un tren que corre a lo largo de las vías. Se difuminan y mezclan la neblina que exhala el agua, la lluvia que pone un velo ante el cielo y el vapor de la locomotora. Pintó este tren a vapor que, aparte de estar en movimiento, con su humo cubre por completo los rieles, los puentes y el cielo. Por lo tanto, la vista hace que no se pueda determinar bien lo que está a su alrededor, pero sí se puede entender qué es lo que se está acercando o alejando.
        
        Roma, desde el Monte Aventino
        
        Se encuentra entre las representaciones más sutiles y atmosféricas de la ciudad italiana pintadas por Turner, Con sutileza infinita el pintor capta los primeros rayos de luz de la mañana, que ya disipan la creciente niebla del Tíber y bañan la ciudad eterna en un suave resplandor dorado.
        
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  - - - François Rude.
        
        Obras representativas
        
        La marsellesa
        En la parte superior de la obra está representada lo que es una personificación femenina de la revolución, esta parece dirigir a los soldados de la parte inferior con su voz y mando, esta personificación representa bastante el gusto neoclásico, pero la representación de rude es romántica por sus gestos y lo que transmite.
        
        Mercurio atándose las sandalias
        Esta escultura presenta a mercurio, alado en su cabeza, desnudo representando su carácter nuevo, atándose las sandalias aladas. El movimiento exagerado del personaje es lo que la clasifica como una obra romántica.
        
        Niño pescador napolitano jugando con una tortuga
        Fue una obra exitosa, la elegancia del muchacho y su buen humor palpable sacudió el clasicismo convencional, la expresión ingenua y la pose relajada son rasgos tradicionales del romanticismo.
        
        Trayectoria
        
        Escultor francés nacido en Dijon (4 de enero de 1784) y fallecido en París (3 de noviembre de 1855). Estudió en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal y en 1807 se trasladó a París, donde frecuentó los talleres de Gaulle y de Cartellier. En 1809 ganó el segundo premio de Roma por su composición Mario en las ruinas de Cartago y en 1812 obtuvo el primer gran premio por su obra Aristeo deplorando la pérdida de su abejas. Comprometido con lo bonapartistas, tras la caída del imperio se desterró voluntariamente en Bélgica al lado de la familia Frémiet, permaneciendo allí durante doce años. A su regreso a París, en 1828, expuso en el Salón una Inmaculada y Mercurio sujetándose los telares. Se le ofreció colaborar en las obras del Arco del Triunfo y para dicho monumento esculpió el trofeo de la derecha, que mira hacia París y representa la Marcha de los voluntarios de 1792, también denominada la Marsellesa.
      - Antoine-Augustin Préault.
        
        Trayectoria
        
        Préault nació en Marais, el suburbio de clase trabajadora de París. Poco se sabe de su vida temprana, o dónde exactamente aprendió el arte de la escultura, excepto que fue aprendiz de un tallador ornamental. Esta influencia se puede ver claramente en sus posteriores exquisitos relieves en bronce y tallas de madera. En algún momento de su carrera temprana también trabajó en el estudio del escultor romántico Pierre-Jean David d'Angers (1788-1856), cuya fama descansa principalmente en su frontón del Panteón y el mármol Filopemen herido en el Louvre. Las primeras obras serias de Préault fueron principalmente en forma de medallones de retratos, al estilo de d'Angers. También se registra que el actor Daumier poseía un primer relieve titulado Dos esclavos degollando a un joven actor romano, pero ya no sobrevive.
        
        En 1833, Préault exhibió sus dos primeras obras en el Salón de París: Dos mujeres pobres, mendicidad y Gilbert muriendo en el hospital (ambos ahora destruidos). Durante este período, se volvió políticamente honesto, y se supone que sus presentaciones en 1834 fueron rechazadas debido a sus puntos de vista antiburgueses. Su estudio fue vandalizado y muchos de sus yesos destruidos.
        
        Preault fue aceptado nuevamente por el Salón en 1839, pero su regreso fue bien recibido. Preault, como muchos artistas románticos, rechazó la idea de imitar la escultura griega clásica, eligiendo no modelar figuras mitológicas, sino figuras literarias de obras de teatro y poesía. Su estilo era vigoroso, rostros y figuras emotivos y dramáticos.
        
        Obras representativas
        
        La matanza
        En ella expresa el dolor y la muerte en la guerra. Representa distintos personajes: soldado, mujer, niño, anciano. En esta matanza indiscriminada utiliza la composición y el espacio para intensificar su mensaje de opresión y de angustia, hay muchos elementos en una masa caótica y desordenada, lo que contribuye a dar más drama a la escena, formas que entran y que salen, movimientos forzados, contorsiones de las figuras, expresividad de los rostros ayudados por el claro-oscuro.
        
        El silencio de la muerte
        Préault logró espeluznantes contrastes de sombra y luz en la composición que presenta simplemente un rostro y una mano. El paño que envuelve el rostro de la figura atrae la atención a las facciones demacradas y mano esquelética, el gesto del dedo en los labios era una típica figura funeraria durante la época, aunque las imágenes de este tipo tenían el objetivo de evocar recuerdos agradables Préault representa la fragilidad y la muerte, rompiendo el canon establecido.
        
        Ofelia
        Para diferenciarse del neoclasicismo, los artistas románticos buscaron nuevas fuentes de inspiración en la literatura y el mundo de la fantasía propios de cada país. Siguiendo a los pintores, los escultores románticos recurrieron a fuentes como Dante, Shakespeare, Tasso y Ariosto, así como a novelistas contemporáneos. La Ofelia de Préault con el cuerpo en desorden, el rostro torturado que se mueve, flotando en el agua que no se distingue de su cabello y las túnicas que la envuelven, sigue un principio de ecuación que ya es simbolista del romanticismo.
    - - Naturaleza y emoción, Todas las esculturas del Romanticismo buscaban evocar la emoción humana, a través de gestos y expresiones que se representaban mediante el estilo de cada escultor.
        
        Ideas puras, La escultura de este período expresaba las ideas directas de cada escultor. Es decir, las creaciones de cada artista surgían puramente de su inspiración personal, sin interferencia externa de otros factores no naturales.
        
        Voz artística, La escultura del Romanticismo, tal como solía hacer el arte, representaba lo que el artista quería decir, pero de manera visual. Es decir, cada obra era una manera en la que el artista expresaba su voz a través de sus obras.
        
        Indiferencia con respecto a otras corrientes; La escultura del Romanticismo no se desarrolló a tal extremo, como sí ocurrió con la pintura de la época. Esto se debió principalmente a que el material más utilizado para las esculturas de la época era el mármol, material que no permitía mucho a las expresiones, por esa razón las obras románticas mas importantes surgen unos 30 años después del inicio del movimiento.
  - - - Lo sublime- El movimiento hacía referencia al concepto de belleza como un ideal de grandeza absoluta, aquello incomparable en cuanto a su magnitud y su capacidad de conmover. De ahí, el uso de símbolos que reflejaban la idolatría a un genio, héroe o figura excepcional.
        
        La naturaleza- El movimiento aportó un nuevo carácter del paisaje, en el que la naturaleza resultaba una metáfora del mundo interior del individuo, no un mero contexto en la escena. Por ejemplo, un volcán podría simbolizar la pasión, una montaña nevada podría simbolizar la soledad y melancolía.
        
        El Nacionalismo- El movimiento se caracterizó por la búsqueda de la identidad, no solo individual, sino a su herencia y sentido de pertenencia. El concepto de cultura popular estaba muy presente en la literatura y el arte románticos.
        
        La nostalgia por el pasado- El movimiento se contraponía al progreso dramático de la Revolución Industrial que amenazaba con romper la unidad entre el hombre y la naturaleza. Por eso, las obras románticas idealizaban épocas anteriores y se situaban en escenarios del pasado, especialmente, en la Edad Media.
        
        El individualismo- El movimiento exaltaba la expresión del yo, en un sentido de reconocimiento de la identidad individual. Consideraba al sujeto como único y diferente que, a su vez, formaba parte de un colectivo en el que cada individuo gozaba del mismo reconocimiento.
        
        El carácter onírico- El movimiento expone situaciones y emociones relativas a los sueños, las pesadillas y las fantasías. Expone situaciones en las que la imaginación se libera del sentido de la razón, incluso, a través de temas tabúes, oscuros y satánicos.