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Federico García Lorca, image, image, image - Coggle Diagram

- - - - Los colores: El verde asociado a lo fatídico, elementos sexuales y connotaciones dolorosas de frustración erótica. El blanco. Es color de pureza y de la revelación. El negro. asociado a muerte, tragedia, tinieblas, noche, angustia y mal. El rojo. Ligado a la vida y a la pasión.
      - El viento. Erotismo, violencia y muerte. También tiene un símbolo masculino.
      - El agua como fuente de vida, de purificación y de regeneración, pero también puede ser un elemento de disolución y símbolo de abismo y de muerte. La presencia del agua como río es una constante en la poesía lorquiana. A su vez, el mar es un símbolo sexual, símbolo de fecundidad.
      - La tierra es la fuerza y la fertilidad. Simboliza el elemento femenino. Junto con el cielo simboliza una unión sexual.
      - El caballo es símbolo de pasión. Puede interpretarse como el instinto, y el jinete como la razón que los guía. Se asocia también con la muerte, el viento, el fuego, la luz o la esterilidad. El caballo es símbolo de deseo, de fuerza, de poder creador, de juventud, símbolo de vigor sexual y de instinto. A veces, el caballo tiene una simbología fúnebre.
      - El toro es potencia por sí mismo. Indomable. Es el emblema de la ceremonia, la fiesta de la muerte. Está asociado a la sangre y al valor.
      - El grillo en la cultura china es símbolo de vida, de muerte y resurrección.
      - El gallo se asocia con la aurora. El poeta crea una imagen fúnebre asociándolo a la oscuridad del monte.
      - La sangre. Simboliza el calor vital y corporal. La sangre derramada simboliza el sacrificio.
      - El cuerpo tiene símbolos eróticos como los muslos, la cintura y los pechos.
      - La luna en el Romancero es portadora de dolor, tragedia y muerte. También es un símbolo de fecundidad y un símbolo femenino de blancura. Muchas veces representa la realidad trágica y destructiva.
      - Los metales van unidos a la muerte, es sólido y frío.
      - Los espejos se relacionan con el agua y el mito de Narciso. El espejo proyecta la realidad vivida y puede estar representado por el agua, el cielo y los astros o los ojos.
      - Los ángeles son seres intermedios entre Dios y el mundo, relacionados con lo religioso.
      - La sombra posee connotaciones negativas. lo oscuro, lo estéril, lo que no da fruto.
      - El gitano. También puede considerarse, además de tema y personaje, símbolo del hombre primitivo, de la fuerza elemental de la naturaleza, de lo antisocial. Se lo vincula al mito, a la leyenda, al rito, al destino y al folklore andaluz. Expresa el alma de Andalucía y la tragedia. También evoca el mundo de la superstición y de la raza.
      - Otros símbolos son el pozo (pasión frustrada o muerte), el lirio (pureza), el laurel (victoria), el limón (ácido y amargo), el mimbre (nobleza y poder), la rosa (amor y pasión) y el cáliz (religión ) .
- - - - Tras las elecciones de 1931, el liberal Niceto Alcalá Zamora es nombrado presidente, Alfonso XIII abandona España, y se proclama la Segunda República. Las Cortes Constituyentes redactan el borrador de una nueva Constitución republicana, donde se consagran las libertades propias de un estado democrático moderno. Pero la estabilidad política durará poco. En 1933 el partido de centro-derecha obtiene la mayoría en las Cortes y como respuesta, se producen revoluciones proletarias en Cataluña y Asturias. Finalmente, en 1936, la coalición de izquierdas gana de nuevo las elecciones y Manuel Azaña se convierte en Presidente de la República. El primer gobierno de Azaña comienza un ambicioso proyecto de reforma declarando la amnistía política, empezando una profunda reforma agraria y concediendo Estatutos a Cataluña, las provincias vascas y Galicia. Como respuesta, a los tres meses de su mandato, la guarnición militar de Melilla, encabezada por el general Francisco Franco, se subleva, dando comienzo a la Guerra Civil.
        
        El renacimiento cultural del primer tercio del siglo XX se produjo también en música, pintura y cine. En general, tanto los músicos como los pintores encontraron en París el lugar propicio para completar su formación y fijar su residencia. En música destacan Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina, y sobre todo, Manuel de Falla. En pintura, Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró. En cine, Luis Buñuel. Esta revolución en las artes plásticas fue precedida en Barcelona por el modernismo, en el que destaca el arquitecto Antonio Gaudí. Con la llegada de la República, los intelectuales y artistas toman mayoritariamente una posición política comprometida. Por ejemplo, en las Cortes Constituyentes se sientan 45 catedráticos y 47 escritores y periodistas. La República favorece los procesos de secularización y socialización de la cultura. Entre los proyectos culturales que financia se encuentra el grupo teatral La Barraca, dirigido por Federico García Lorca, que llevó a los pueblos de España representaciones teatrales de primer orden. Con el estallido de la guerra civil, la riqueza cultural de la República se desvanece, y las corrientes tradicionalistas, apoyándose en el enfrentamiento ideológico, volvieron a imponer un ambiente sórdido a la cultura española. Es el fin de La Edad de Plata y el comienzo de la larga convalecencia franquista.
- - - - En 1929, estrena “Mariana Pineda” en Granada y aparece la segunda edición de “Canciones”. En junio, viaja a Estados Unidos, vía París-Londres y se matricula en la “University of Columbia”. Frecuenta teatros, cines, museos y se apasiona por el jazz. Veranea en Vermont, siendo huésped de Philip Cummings, y en Catskill Mountains con Ángel del Río. De vuelta a Nueva York se instala en el John Jay Hall de la Universidad de Columbia, donde permanecerá hasta 1930 y empieza a trabajar en la obra “Poeta en Nueva York”, el guión de “Viaje a la Luna” y empieza “El Público”. 1930. Pronuncia unas conferencias en la Universidad de Columbia y en el Vassr College. Es invitado por la Institución Hispano-Cubana de Cultura y marcha hacia la Habana (ciudad que le deja totalmente impresionado) y allí pronuncia varias conferencias. Termina “El Público”. De vuelta a España, estrena “La Zapatera Prodigiosa”. Publica algunos poemas de “Poeta en Nueva York” y el “Poema del Cante Jondo”. Termina “Así que pases cinco años”. Dirige y funda con Eduardo Ugarte el teatro universitario ambulante “La Barraca” y representan por toda España, obras de los grandes maestros como son: Calderón, Cervantes, Lope de Vega… Lee conferencias en Valladolid, Sevilla, Salamanca, La Coruña, San Sebastián y Barcelona. Escribe “Bodas de Sangre”. Expone sus dibujos en el Ateneo Popular de Huelva. En 1933 estrena “Bodas de Sangre” en el teatro Beatriz de Madrid y en México se publica la “Oda de Walt Whitman”. Viaja a Argentina y Uruguay, donde tiene una estancia triunfal; en Buenos Aires da conferencias y asiste a las clamorosas representaciones de “Mariana Pineda, “Bodas de Sangre” (alcanza un gran éxito, superando las cien representaciones) y “La Zapatera Prodigiosa”. Durante su estancia en Montevideo conoce a Pablo Neruda y pronuncia varias conferencias.
        
        Cuando regresa de este viaje a España, se produce un hecho que le supone un gran dolor: la muerte de su amigo el famoso torero y mecenas del mundo artístico de Madrid, Ignacio Sánchez Mejías, en la plaza de toros de Manzanares (Ciudad Real); en su memoria, compone el poema “Llanto por Ignacio Sánchez Mejías” que publica en 1935. En Madrid, consigue un estreno triunfal con “Yerma” representada por la compañía de Margarita Xirgu. En 1935 trabaja en “Doña Rosita la Soltera o el Lenguaje de las Flores”. Se instala en Barcelona donde da conferencias y asiste a las representaciones de “Yerma” y “Bodas de Sangre”. Termina y estrena “Doña Rosita la Soltera” y trabaja en los “Sonetos”. La compañía de Lola Membrives estrena en el teatro Coliseum de Madrid “La Zapatera Prodigiosa”. Concluye “La Casa de Bernarda Alba” en 1936, pero no será representada hasta 1945 en Buenos Aires, y participa en un homenaje a Luis Cernuda. Es en 1936, el 13 de julio, cuando José Calvo Sotelo, líder del partido monárquico “Renovación Española”, es sacado de su casa y asesinado en un camposanto de Madrid; comienza así la insurrección de una gran parte del ejército. Federico García Lorca que no pertenece a ningún partido político, pero es un artista moderno que por definición, en aquella época, pertenecía al ‘arte degenerado’, es considerado un enemigo para un régimen autoritario. Por esta razón, huye de Madrid a Granada que se mantenía más tranquila. El 18 de Julio se produce el alzamiento militar contra el Gobierno de la República. El 16 de agosto, Lorca es detenido y el 19 del mismo mes, es asesinado en Viznar (Granada), dejando inédita e inconclusa una numerosa obra. En ese mismo año, también muere Miguel de Unamuno, preso en su casa, y se produce el exilio de gran parte de los artistas españoles, como por ejemplo, Manuel de Falla que moriría siete años después que su amigo Lorca, en Buenos Aires, sin volver a ver su país natal.
- - - - Compilación de 88 poesías agrupadas en 11 secciones. Pues quita entre 1921 y 1924 y publicada como Canciones en 1927, aunque muchas de ellas aparecieron previamente en el suplemento de la revista Litoral. La obra no tiene unidad temática, sino que más bien responde una pluralidad de motivos. Algunos de los más recurrentes son las canciones infantiles de versos cortos, sencillas pero de gran intensidad y adornadas con elementos musicales. Estas suponen un avance de su estilo posterior, reflejado plenamente en el Romancero gitano, pues en ellas Lorca entremezcla la frase sencilla, directa y coloquial, con la misteriosa y rápida.
      - Y en la línea de los autores de la Generación del 27, también fusiona lo culto y lo popular con recursos como la repetición, paralelismo o el estribillo. El resultado es una poesía perfecta, pura, cuyos versos vatican el destino fatal, en la que la naturaleza dibujo en camino deseo frustrado y muerte.
      - También hay en Canciones evidencia de la intensa sexualidad del poeta (“tus muslos como la tarde / van de la luz a la sombra”) y de una búsqueda desesperada de la personalidad (“en la mañana viva, / yo quería ser yo”)
  - - - El título de esta obra procede del persa “diwan” (diván) y del nombre del huerto (huerto del Tamarit) que unos parientes de sus padres tenían junto al suyo y donde crecía el arbusto el tamariz. La obra se compone de 12 gacelas y casidas (“ghazel” y “kasida” son dos tipos de composiciones líricas árabes) con las que Lorca quiso rendir homenaje a los poetas de la tradición arábigo-andaluza. Fueron escritas entre 1931 y 1934, aunque la obra se publicó en 1936.
      - Las gacelas y casidas del Diván del Tamarit muestra la experiencia sumamente dolorosa del amor en sus diferentes fases: deseo, entrega y separación.
      - Diván del Tamarit supone un paso delante en el camino de Lorca hacia el realismo. Por primera vez, su poesía se aleja del drama y se llena de lirismo subjetivo, intimista y confesional. En los poemas se pide la mora, se desea por encima de todo y se espera la muerte, único fruto posible del encuentro erótico (“Tu vientre es una lucha de raíces, / tus labios son un alma sin contorno, / bajo las rosas tibias de la cama / los muertos Jiménez esperando turno”). Una muerte que se nos asigna desde la infancia (“ni hay nadie que, al tocar un recién nacido, / olvidé las inmóviles calaveras de caballo”) y que se presenta en forma de mar, luz o sueño (“tu boca ya sin luz para mi muerte”).
      - Fiel a su estilo, Lorca recarga las composiciones de metáforas, pero de tradición arábigo-andaluza: la mejilla, el lunar, el labio o el cabello de la enamorada (“Mil caballitos persas se dormían / en la plaza con Luna de tu frente”). También se sirve de dolientes personificaciones (“Puedo ver el duelo de la noche herida… / y los arcos rotos donde sufre el tiempo”).
  - - - Se trata de un recopilatorio de juventud, escrito, publicado en 1921 y recibido por los críticos positivamente. Libro de poemas está formado por 67 poemas en los que se aprecia la influencia de Rubén Darío, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez o Gustavo Adolfo Bécquer. Inspirado en los romances populares, se nutre de la canción tradicional pero sin caer en lo meramente folclórico.
      - En palabras de Lorca, la obra, escrito en primera persona, es ” todo ardor juvenil, y tortura, ir a ambición sin medida, la imagen exacta de mis días de adolescencia y juventud, esos días que enlazan el instante de hoy a mí misma infancia reciente”. Sus composiciones son un conjunto de ingenuas baladas y cantos infantiles con los que evoca su infancia en Fuente Vaqueros y Valderrubio.
      - El tono infantil no oculta del todo el dolor todavía contenido en esa etapa creativa del poeta. Dolor y frustración, compañeros inseparables del sentimiento amoroso, junto con la constante presencia de la muerte.
      - Formal y estructuralmente, libro de poemas es una obra sencilla en la que ya se atisba un derroche de imágenes, metáforas, personificaciones, sinestesias etcétera.
  - - - Conjunto de once sonetos escritos en Valencia en 1935 durante una estancia de La Barraca en la ciudad. En 1937, su amigo y poeta Vicente Aleixandre se refirió a ellos como “prodigio de pasión, de entusiasmo, de felicidad, de tormento, puro y ardiente monumento del amor, en que la primera batería es ya la carne, el corazón, el alma del poeta en trance destrucción”. Se mantuvieron ocultos durante décadas, pero en 1983 comenzaron a circular en una edición clandestina y finalmente fueron publicados en 1984 por el diario ABC.
      - Una vez más, el tema central de los sonetos es el amor. En concreto, la pasión por la pareja sentimental del poeta granadino, el joven Rafael Rodríguez Rapún, secretario y también actor en La Barraca. Lorca siempre había defendido en su producción literaria el derecho a la diferencia, pero hasta este momento nunca había empleado el masculino para referirse al destinatario sus versos de amor, algo que sucede por primera vez en el soneto “El amor duerme en el pecho del poeta”.
      - Lorca experimentar nuevamente con la tradición, retomo el soneto petrarquista, el gongorino, pero con una violencia nueva, con extremas paradojas (“amor de mis entrañas, viva muerte”) qué hacen guiños para figura de San Juan de la Cruz y recuerdan la “Noche oscura del alma”.
      - Si bien San Juan encontró la noche la plenitud de la unión espiritual con Dios, el sentimiento amoroso despierta en Lorca emociones opuestas: tormento y dicha. Cómo se ve en el paradójico título del “soneto de la dulce queja” donde la persona amada es “tesoro, Cruz y dolor”.
      - La producción poética de Lorca se complementa con los Seis poemas galegos (seis breves poemas escritos en esa lengua con los que Lorca rinde homenaje a esa tierra, sus paisajes, sus gentes y sus figuras literarias), con una serie de poemas sueltos entre los que se incluyen su “Oda a la Salvador Dalí”, diferentes sonetos, el poema “Tierra y Luna”, etcétera.
      - Lorca fue el autor más conocido de superación en vida y su obra era mirada antes de publicarse. Su producción literaria ha traspasado fronteras y ha sido reconocida por la crítica internacional. Influido por clásicos y vanguardistas, subo crear un estilo único, personal y comprometido que permite considerarlo uno de los mejores dramaturgos y poetas españoles de todos los tiempos.
- - - - El Poema del cante jondo se abre, a modo de prólogo o preludio, con el poema "Baladilla de los tres ríos". El Guadalquivir, el Darro y el Genil sirven de introducción del espacio geográfico y temático del libro. Tras el poema-prólogo, siguen las cuatro secciones principales del libro, el "Poema de la siguiriya gitana", el "Poema de la soleá", el "Poema de la saeta" y el "Gráfico de la petenera". En cada una de estas secciones, formadas por un número variable de poemas (7, 10, 8 y 8 respectivamente) el cante evocado se manifiesta en forma de mujer. Así, la siguiriya es "una muchacha morena"; la soleá es una mujer "vestida con mantos negros"; la saeta, que se canta a la Virgen en Semana Santa; y la petenera es una bailaora gitana. Son poemas de dolor, llanto, muerte y tragedia. Imagen del manuscrito "Viñetas flamencas" del Poema del cante jondo, noviembre de 1921. Después dedica cuatro secciones menores al flamenco: "Dos muchachas", "Viñetas flamencas", "Tres ciudades" y "Seis caprichos". En la primera de ellas, formada por dos poemas, "La Lola" y "Amparo", el poeta hace un retrato contrapuesto de la frivolidad de la primera frente a la castidad y sabiduría de la segunda. En "Viñetas flamencas" hace un homenaje a tres cantaores de finales del siglo XIX: "Retrato de Silverio Franconetti", "Juan Breva" y "Café cantante" (dedicado a La Parrala), para retomar después los temas de las secciones principales en los tres poemas siguientes: "Lamentación de la muerte", "Conjuro" y "Memento". "Tres Ciudades" está formada por tres poemas, "Malagueña", "Barrio de Córdoba" y "Baile". La última de las cuatro secciones, "Seis caprichos", reúne seis poemas dedicados a objetos típicos de la escenografía etnográfica del cante jondo : "Adivinanza de la guitarra", "Candil", "Crótalo" (metáfora de las castañuelas), "Chumbera", "Pita" y "Cruz", que define como "punto final del camino".
    - - Lorca ahonda en la esencia popular sin caer en lo pintoresco y lo costumbrista. Así, el uso de versos cortos, medidas diferentes, repeticiones, anáforas, paralelismos y las combinaciones de ruidos y silencio le permiten infundir a sus versos una excepcional musicalidad de simbolismo. De este modo, consigue transmitir el ritmo y el sentir del duende andaluz. El poeta granadino retrata en tercera persona paisajes sencillos y emociones primigenias a través de un arte jondo repleto de sentimientos, imágenes, metáforas y símbolos. En definitiva, el Poema del Cante Jondo es una obra maestra de Federico García Lorca en la que lo folclórico se convierte en universal y lo tradicional, en moderno.
    - - Las coplas tienen un fondo común, el amor y la muerte, dos temas recurrentes bajo la obra., retratados bajo la alargada y trägica sombra de la frustación del deseo. Andalucía, tierra natal de Lorca, y la cultura gitana, una raza nómada y errante henchida de augurios y sentimientos, son otros de los temas centrales de la obra. Mediante sus versos, Lorca nos acerca a esa dolorida Andalucía que a través del cante jondo llora sus penas acompañada de la guitarra
  - - - El Romancero gitano está escrito con un lenguaje conciso, colorista, melancólico y dramático, donde impere la sencillez léxica y la ambigüedad semántica, debido al uso de un lenguaje figurativo lleno de audacia metafórica.
        
        Adornan también sus versos otras figuras como la anáfora, la repetición o la reduplicación, en busca de ritmo y musicalidad: “El niño la mira, mira”, “Huye luna, luna, luna”, “el aire la vela, vela…”, etcétera. Y mediante una detallada adjetivación consigue formidables efectos sensoriales (sonoros, táctiles, olfativos, cromáticos…).
        
        A menudo recurre a la sinestesia (“mi blancor almidonado”), como también encontramos epítetos (“duro castaño”), metonimias (“corto limones redondos / y los fue tirando el agua / hasta que la puso de oro”) y personificaciones (“el viento, furioso, muerde”, “los olivos palidecen”). Tampoco faltan referencias a la infografía religiosa popular, tratada de manera profana, esteticista e incluso erótica. Como tampoco lo hace la finísima ironía, la típica guasa andaluza, conectada con la burla conceptista.
    - - Estos romances le sirven a Lorca para andar en las médulas de sus temas: el amor, la sexualidad, el deseo, la muerte, el mundo gitano y Andalucía. Así, la etnia gitana le sirve de nuevo para hablar de la angustia existencial de quienes saben que el destino último es la muerte.
        
        Una angustia acompañada por la pena de saber que la muerte acecha detrás de cada puerta. Los gitanos son el tema con el que Lorca nos habla de la esencia de la vida y de la muerte, del hombre y de la naturaleza. Representan un mundo tangible frente a un universo incorpóreo de fuerzas oscuras y de maldiciones. Y frente a ellos, en claro posición, sus perseguidores: la Guardia Civil, imagen de la destrucción y la presión del paganismo, las supersticiones, el modo de la vida y la moral libre que inspiraron al poeta.(“Pero la Guardia Civil / avanza sembrando hogueras, / donde joven y desnuda / la imaginación se quema”).
        
        Por otra parte, con el Romancero gitano, Lorca renueva la simbología tradicional con novedosas y rompedoras imágenes. De hecho, la belleza de sus versos se asienta un sugerente mundo simbólico en el que nada es lo que parece. Así, la naturaleza se impone a través de perros, limones, naranjas, ríos, higueras, nardos... Y junto a la naturaleza un cromatismo sujeto a múltiples interpretaciones. Como en el "Romance sonámbulo" en el que Lorca da sentido un cosmos ancestral de presentimientos y malos augurios con una exquisita sensibilidad, donde la luna es la vez vida y muerte
    - - La obra se compone de 18 romances, los tres últimos históricos, todos ellos de versos octosílabos
  - - - Nueva York puso en contacto Lorca con diferentes dimensiones de la angustia del hombre moderno, un mundo que el poeta granadino describe mediante la violenta pugna de opuestos y contrarios como: la naturaleza contra la civilización o el hombre contra las máquinas. De este modo, la obra denuncia la deshumanización del mundo industrializado, la destrucción de la naturaleza y de la esencia humana. Como él mismo diría en una conferencia impartida en Madrid sobre estos poemas, “Los elementos que el viajero capta en la gran ciudad son arquitectura extrahumana y ritmo furioso. Geometría y angustia (...) La impresión de que aquel inmenso mundo no tiene raíz…” en la metrópoli el capital imperio por encima de todos los valores.
        
        En la ciudad de los rascacielos, no hay esperanza para el hombre ni para naturaleza, ni tan siquiera se distingue la nítida luz del amanecer. Solo se respiran la miseria y el desamor.
        
        Está desesperanza, no solo del poeta, también de la humanidad entera, conecta con el tema lorquiano de la frustración. La voz y el escrito de Lorca reflejan su angustioso Estado ante el acoso mecanicista de la gran ciudad que coarta toda posibilidad de amor, comunicación o libertad. Nueva York es un ambiente oscuro donde todos sombra o pesadilla que impide toda posibilidad de ensoñación o descanso.
        
        Y si en el Poema del Cante Jondo y en el Romancero gitano son los gitanos los que sufren la pena, en el nuevo mundo la padecen los negros, sometidos a la civilización del hombre blanco que ha impuesto su opulencia y crueldad, pero que también traen la música y el ritmo. Sobre ellos, Lorca expresa su profundo dolor y lanza un grito de guerra para que luchen por recuperar su identidad.
        
        Los oprimidos sufren los estragos de la marginación, el progreso irrefrenable y la indiferencia del poder blanco. Así, frente a la angustia de la opresión, Lorca canta a la rebeldía y expresa su enérgica protesta (“Yo denuncio a toda la gente / que ignora la otra mitad”) y ofrece su vida en un ritual que lo acerca la idea cristiana en el sacrificio para la redención del hombre (“y me ofrezco a ser comido por las vacas estrujadas”). De hecho, la Biblia es una de las fuentes temáticas y simbólicas del libro, que conecta con su exigencia de justicia universal.
        
        Por otro lado, la muerte ya no es la pena negra del ámbito andaluz, sino que ahora ha cobrado dimensiones cósmicas y se ha convertido en una amenaza palpable de la que no se puede huir o escapar, ni siquiera a través del amor o de los sueños. La muerte se muestra despojada de todo lirismo, tal y como es (fría, gris, negra, fea…), como la ciudad que la ampara. (“Son los muertos que arañan con sus manos de tierra / las puertas de pedernal donde se pudren nublos y postres”).
        
        Una muerte que llega hasta la propia naturaleza (“Se tendió la vaca herida. / árboles y arroyos trepaban por sus cuernos. / Su hocico sangraba el cielo”).
    - - Poeta en Nueva York es una obra con marcado carácter surrealista. su lenguaje exhibe una fuerza expresiva que van más allá de los límites de lo lógico y del discurso racional, donde lo verbal y lo visual están relacionados, y donde abundan las enumeraciones caóticas, las imágenes, las metonimias y metáforas inconexas de difícil interpretación.
        
        La influencia vanguardista también se refleja en el mundo mecánico que describe y en la atmósfera general de pesadilla, de alucinación y ensueño. En cuanto los símbolos, las veletas, navajas, limones y albahaca dejan paso al cáncer, orines, cieno o vómito... un universo negro que se cierne sobre los habitantes de la metrópoli y los condena la soledad y el vacío más absoluto.
        
        Por último, la métrica rompe con el verso tradicional, ya que combina el verso libre con los versos alejandrinos. No es rima ni musicalidad, solo la desolación y la desesperanza que este mundo oscuro, sin sentido e inhuman, o infunden en el poeta.
        
        En definitiva, Federico García Lorca alcanza con Poeta en Nueva York una plenitud literaria en la que artísticamente experimenta con las técnicas vanguardistas, pero sin olvidar su compromiso con la humanidad y los pueblos oprimidos.
    - - El poemario consta de 35 poemas repartidos en 10 secciones heterogéneas. El texto original, que Lorca entregó con abundantes tachones, añadidos y correcciones para su publicación poco antes de su muerte, se compone de 96 páginas mecanografiadas y 26 manuscritos. Sin embargo, no se publicó hasta 1940.
  - - - El tema único es la muerte del torero amigo. Una muerte que ya no es una presencia imaginada, sino una realidad. El llanto por la muerte Ignacio Sánchez Mejías es un grito poético desgarrado, el más agudo y hondo de la poesía lorquiana y puede que de la poesía española. Un desgarro en el alma de Lorca que aúna lírica, afecto, drama, símbolo y humanidad, valores que en este poema, pues concentro los elementos estilísticos de la primera etapa y los símbolos de los últimos años. De este modo, el poeta ahonda en su dolor y lo convierte en dolor de todos para expresar un sentimiento universal ante la certeza de la muerte.
        
        “La cogida y la muerte” presenta de manera rápida la lucha entre torero y Toro y su desenlace en un fatal acontecimiento.
        
        Además, mediante la repetición del estribillo ”a las 5 de la tarde” ( hora a la que tradicionalmente dan comienzo las corridas de toros), Lorca consigue detener el tiempo en ese fatídico instante en todo el mundo(“¡Ay qué terribles cinco de la tarde!”). La simbología funeraria recorre sus versos(“un niño trajo la blanca sábana / a las cinco de la tarde. / una espuerta de cal ya prevenida / a las cinco de la tarde”).
        
        “La sangre derramada” se inició con una exclamación reiterada (“¡que no quiero verla!”), un grito perturbador con el que Lorca manifiesta que no quiere ver la sangre de su amigo derramada sobre el albero. A continuación, alaba el matador recién fallecido y expresa su admiración mediante el elogio de esa cualidad humanas y artísticas: heroísmo, valor, belleza o inteligencia que dotan al poema de un tono épico.
        
        “Cuerpo presente” es una meditación pesimista y doliente ante el misterio de la muerte.
        
        Por último, los versos de “alma ausente” profundiza en el tono elegíaco y muestran la naturaleza como testigo de la tragedia. Y finalmente, las dos últimas estrofas ofrecen el consuelo del recuerdo.
    - - “La cogida y la muerte” está formada por versos endecasílabos no rimados alternados con el estribillo octosílabo (“a las cinco de la tarde”). “la sangre derramada”, en cambio, está escrita en su mayor parte como un romance de versos octosílabos y tiene un carácter más rotundo y acelerado. Por su parte, “cuerpo presente” se compone de largos versos de 14 sílabas, mientras que “Alma ausente” vuelve al esquema de versos endecasílabos en sus cuatro primeras estrofas.
        En resumen, con Llanto por Ignacio Sánchez Mejías Lorca se adentra en la tapa del surrealismo mediante un proceso de humanización y expresión del sentimiento íntimo del dolor. A partir de ahora, vida y muerte lucharán en su obra sin adornos folclóricos.
    - - Está compuesto por 220 versos agrupados en cuatro partes. Cada una de ellas cumple una función:
        
        La sangre derrmada
        
        Lamento, alabanza
        
        Cuerpo presente
        
        Llanto, meditación
        
        La cogida y la muerte
        
        Anuncio, narraciön
        
        Alma ausente
        
        Consolación
- - - - Tiene 3 constantes en su teatro:
        
        -usa un lenguaje poético y crea convivencia entre la poesía y la realidad (trata de emocionar al público con un lenguaje y situaciones)
        
        -También toma características como la frustración, la autoridad y la libertad. Ésta última muy presente en "La casa de Bernarda Alba".
        
        -temáticas muy similares desarrolladas lentamente.
        
        -experimenta (nueva visión del teatro con carácter muy personal y el disfrute de la literatura.)
    - - Bodas de sangre
        
        Es la obra con la que Lorca inicia el ciclo de dramas populares de dimensión trágica donde el destino domina a su voluntad a los personajes. En ella, dos familias de labradores preparan la boda de sus hijos por conveniencia para unir sus tierras. Sin embargo, el día del enlace la novia huye con su antiguo pretendiente, un hombre casado. Finalmente, novio y enamorado se darán muerte mutuamente
      - Yerma
        
        Es la tragedia de un matrimonio que no puede tener hijos. Yerma solo desea tener descendencia, algo que no logra. Finalmente y tras una evolución psicológica compleja del personaje, acaba asesinando a su marido, el estéril de la relación
      - El amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín
        
        Lorca repitió el tema del matrimonio entre un viejo y una niña, pero con un marido engañado que ha de defender su honor. Una obra maestra donde la trama aúna lo lírico y lo grotesco y donde la farsa termina en tragedia.
      - La casa de Bernarda Alba
        
        Cuenta cómo Bernarda acaba de enterrar a su segundo marido y declara un luto de ocho años para ella y para sus cinco hijas.
        La hija mayor, Angustias, fruto de su primer matrimonio, es la heredera y la pretendida por Pepe el Romano. Las dos hermanas menores, Martirio y Adela, se han enamorado también de él, pero es Adela la que se ve con Pepe en secreto. Celosa de su hermana, Martirio delata a Adela, y Bernarda dispara al pretendiente mientras huye de la casa. Adela cree que su amado ha muerto y se suicida ahorcándose en su habitación
      - La zapatera prodigiosa
        
        Situó en un ambiente andaluz el conflicto cervantino entre imaginación y realidad. La acción presenta a una joven de 18 años, alegre y fantasiosa, casada por conveniencia con un zapatero mayor que ella y, al principio, nada enamorado. Una fábula poética sobre la búsqueda de sueños imposibles por el alma humana.
      - Mariana Pineda
        
        Lorca recuperó el teatro poético modernista para contar la historia de esta heroína granadina condenada a muerte por bordar una bandera liberal y convirtió en leyenda su defensa del amor y la libertad
  - - - Durante esta etapa Lorca construye un mundo mitológico, en el que mezcla lo gitano y la naturaleza. En este universo, personifica vicios y virtudes humanas. En esta etapa destacan: Poema del cante jondo: que plasma temas habituales como la muerte, el amor o la Andalucía trágica, donde muestra su unión entre lo culto y lo popular, Romancero gitano: en la que expresa un profundo respeto por la etnia marginada, y en donde intervienen la tradición culta, la popular y la vanguardia.
    - - Corresponde con su estancia en Nueva York. Es poeta es más maduro y eso se refleja en sus obras. Consigue una perfección lingüística y lleva a la metáfora a su máxima expresión, empleando las imágenes visionarias del lenguaje surrealista. Su libertad expresiva es máxima. La obra más conocida es Poeta en Nueva York.
    - - Aquí se incluyen sus primeros escritos: Impresiones y paisajes (1918, en prosa, aunque sin embargo muestra procedimientos característicos del lenguaje poético) y Libro de poemas (1921, escrito bajo el influjo de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez); en esta época García Lorca proyecta un amor sin esperanza, abocado a la tristeza.
        La Diputación de Granada editó en 1986 una antología poética, seleccionada, presentada y anotada por Andrew A. Anderson. Esta antología aporta Suites (1920–1923) y Poemas en prosa (1927–1928). En Suites se encuentra «Cancioncilla del niño que no nació»y en Poemas en prosa «Degollación de los Inocentes». En estos escritos el poeta hace referencia al drama del aborto.
    - - Muestra sus preocupaciones y trata de profundizar. Las obras que destacan son: Diván del Tamarit: con influencias arábigo-andaluzas, Llanto por Ignacio Mejías: poema escrito en 1935 y dedicado a su amigo torero muerto, y Sonetos del amor oscuro: en el que refleja su experiencia amorosa.
- - - - Puede parecer irónico que el vigor y la audacia necesarias para abrir nuevos caminos creativos fuesen inspirados a través de la celebración de un poeta del Siglo de Oro literario español. No obstante, no fueron sólo los resultados extremos que se derivaron de la experimentación de Góngora con el lenguaje los que impulsaron las distintas propuestas de artistas y escritores de la época, sino también el fuerte contraste que la casi olvidada figura de Góngora creaba contra el telón de fondo de un establishment predominantemente realista, a ojos del cual el culteranismo de Góngora no estaba bien visto.
        
        En este sentido, la ruptura formulada por la Generación del 27 no era necesariamente con el pasado (al menos, el más remoto), sino con la estética dominante de la época, la cual convocaba a su vez una tradición propia como demostración de la valía y el mérito de la visión realista del mundo. Sin apartar la vista de la realidad y sin distanciarse del pasado, los artistas españoles de vanguardia de la Generación del 27 buscaban mirar a la misma realidad pero bajo una luz distinta, desde otro punto de vista y con otra perspectiva.