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Introducción a la teoría del arte, Introducción a la teoría del arte II -…
Introducción a la teoría del arte
Sangre y Belleza
El arte occidental está lleno de ejemplos: desde cuadros renacentistas a obras de Shakespeare.
Esta teoría podría darle al arte un
valor
Hay sangre presente en la cultura amerindia, pero también en la judeocristiana y la grecorromana.
Pero en el caso del arte moderno estos objetos sangrientos carecen de ese valor ritual.
Se propugna una
teoría del arte como ritual
Se puede decir que la sangre en el arte contemporáneo no crea asociaciones con significado.
¿Significa lo mismo en el arte moderno?
Sino que sirve de distracción y de fuente de beneficios.
Múltiples significados para la sangre a lo largo de la historia
Los signos de dolor y sufrimiento en muchas religiones pueden ser escandalosos cuando se les disloca de su comunidad.
En la Capilla Sixtina aparecen imágenes terribles de santos martirizados y pecadores atormentados en el Juicio Final.
Pero todo el judeocristianismo entiende su contexto y el espectador le otorga un valor estético que no le otorga a una vaca putrefacta.
Las controversias en torno a la moral y al arte
vienen de lejos
En el s. XVIII,
David Hume
se ocupo de ello. Pensaba que los artistas debían apoyar los valores ilustrados del proceso y la moral.
Los escritos de Hume y su sucesor Kant constituyen la base de la teoría estética moderna.
Gusto y Belleza
BELLEZA Y DESINTERÉS
Para
Kant
hay algunos objetos que muestran cualidades estéticas que impulsa a las facultades mentales:
Las cosas pueden ser bellas sin tener utilidad. Por esto que
Kant
dice que lo bello tiene
«intencionalidad sin intención»
«A que algo es como debe ser»
Kant
: «Los objetos son intencionales»
Y tenemos una
capacidad
para ponernos de acuerdo sobre lo que es bello o no.
Kant
también asegura que esa belleza tiene que llegar a las facultades con desinterés, es decir, sin motivación previa
Los hombres tenemos facultades morales que incluyen percepción, la imaginación, el intelecto o el juicio.
Kant
era cristiano, pero excluía a Dios de su teoría del arte.
Kant es una especie de precursor de los psicólogos modernos que estudian la preferencia por rostros infantiles
Para Kant la estética se experimenta cuando un objeto sensorial estimula nuestras emociones, intelecto e imaginación
Pretendía demostrar que los buenos juicios en estética se basan en los rasgos de las propias obras de arte.
La forma y el diseño son aspectos clave del rasgo de la
intencionalidad sin intención
.
Kant
también hablaba de gusto, pero le interesaba más explicar los juicios sobre la
belleza
La estética de Kant influyó en la modernidad y la contemporaneidad.
Los críticos dicen que el gusto de Hume solo se adquiere por adoctrinamiento cultural.
(Muchos autores modernos y contemporáneos en página 18, derecha)
Mientras que
Hume
insistía en la educación y en la experiencia, que hacía que se llegara a un consenso cultural
Aunque la descripción del arte como «Forma significante» tiene importantes rivales, las ideas de
Kant y Hume
siguen teniendo eco en los debates sobre la calidad, la moral, la belleza y la forma
Hume y Kant
lucharon contra la idea de que el gusto es subjetivo.
En la contemporaneidad, al ponerse por delante el contenido artístico y el comentario emocional y político (Ej: Caso Serrano), aparece una tradición diferente a los sucesores de
Kant
.
Hume
no hablaba de estética de «
gusto
»: La refinada capacidad de percibir la calidad de una obra de arte.
El término «estética» se deriva de una palabra griega que denota percepción
La defensa del arte contemporáneo (caso Serrano)
El arte de Goya hizo que se enfrentara con las espantosas posibilidades de la naturaleza humana en momentos de crisis
Los grabados de Goya parecen rechazar las esperanzas ilustradas que tuvo en origen tras ver los horrores de la guerra. Se muestra el nihilismo moral de forma clara.
Goya
, contemporáneo de Kant y Hume
Tras quedarse sordo, sus obras son menos violentas, pero más perturbadoras.
GOYA COMO PRECURSOR
¿Era Goya un loco o estaba expresando su arte de una forma diferente?
En cuanto al contexto, Serrano asume que se inspira en la tradición española, que es «tan violenta como hermosa»
Lippard ha argumentado de manera razonable que la obra de Serrano requiere habilidad, formación, reflexión y esmerada preparación.
Serrano afirma que no pretendía denunciar la religión sino sus instituciones.
Además, Goya en su último periodo está expresando muy probablemente que no hay elevación moral, sino horror en la naturaleza humana.
El artista quiere condenar cómo la sociedad es religiosa de boquilla, pero no en el mundo real.
CONCLUSIÓN
: La teoría del arte contemporáneo como ritual comunal no logra explicar el valor y los efectos de buena parte del arte contemporáneo.
En el catolicismo los fluidos corporales se han considerado fuente de fuerza y energía trascendental.
Parece poco probable que el arte esté ligado a la trascendencia solamente, pero tampoco la teoría estética de Hume y Kant parece definitiva.
La importancia de que Serrano sea católico e hispano.
Serrano no considera los fluidos vergonzantes sino naturales
Asegura que la obra es reconocible como tal por el título
Lippard defiende a Serrano con un triple análisis
Su contenido o pensamiento que expresa
Su contexto
Examina sus propiedades formales y materiales
Paradigmas y objetivos
El historiador del arte
E. H. Gombrich
, por ejemplo, definió la historia del arte occidental (sobre todo de la pintura) como la búsqueda de maneras cada vez más vívidas de presentar la realidad.
En el pasado siglo, la teoría de la imitación parece menos verosímil.
Las ideas aristotélicas sobre la tragedia fueron aplicadas en obras posteriores como las de Shakespeare.
CHARTRES Y LA ESTÉTICA MEDIEVAL
Para
Aristóteles
, la buena tragedia muestra cómo se hace frente a la adversidad por parte de una persona buena y suscita una purificación o
catarsis
por medio del temor o la compasión.
Chartres era un centro de culto y parte del nuevo culto mariano que estaba empezando a inyectar un poderosos elemento femenino en el cristianismo.
Aristóteles
defiende la tragedia en su Poética argumentado que la imitación es algo natural que agrada a los seres humanos desde temprana edad y de la que aprenden
La bóveda de la reconstruida catedral de Chartres ganó un récord en la cúpula respecto a las similares que se estaban construyendo.
Platón propone excluir la poesía del Estado ideal.
La Catedral acabó siendo escenario de juicios y fiestas además del culto. También se podía dormir por la noche, celebrar reuniones gremiales o mercadear. La función del edificio era prácticamente de centro social.
Las consideraba ejemplos de
mimesis
o imitación. Las criticaba por ello, por no describir realidades ideales
La filosofía platónica guió los ideales estéticos de los constructores de Chartres. Toda la filosofía Occidental hasta el momento influyó.
Platón
examinó la tragedia no como arte sino como
tejné
o habilidad
Tomás de Aquino
fue el que más avanzó en la teorización sobre la belleza en esta época medieval
El religioso, el cívico y el político.
Más aristotélico que platónico, haría filosofía en París.
Tomás de Aquino
fue el primer pensador cristiano importante que escribió acerca de la belleza, absorbiendo textos recién descubiertos y traducidos por Aristóteles que habían sido introducidos por los árabes.
La tragedia nace en Atenas y escenifica la muerte y el renacimiento de Dionisios, abarcando diferentes significados
Aquino
teorizó que la Belleza era una propiedad esencial o trascendental de Dios.
En la tragedia clásica se inserta esta teoría
Los medievales siguen tres principios para crear las catedrales
Luz
Alegoría
Proporción
La teoría de la imitación
: el arte es una imitación de la naturaleza o de la vida y la acción humanas.
La escuela de Chartres irradió sus teorías que identificaban al Dios cristiano con el Demiurgo creativo y la teoría platónica o pitagórica.
TRAGEDIA E IMITACIÓN
El maestro de Chartres aumentó la luminosidad para demostrar la iluminación celestial de Dios. Las catedrales góticas son una alegoría del cielo, una enciclopedia de piedra llena de significado.
Veremos cinco épocas
Pitágoras y Aristóteles aparecían en las columnas del portal debajo de estatuas dedicadas a María, haciendo ver que las Artes Liberales, y sus respectivos campos de la geometría y la persuasión retórica, deben apoyar a la teología y ser dominados por ella.
Los filósofos han examinado diferentes obras diciendo lo que es o debe ser el arte
El resultado de la colaboración en Chartres es una armonía general que cumple los tres principios estéticos básicos del gótico, la proporción, la luz y la alegoría.
Introducción a la teoría del arte II
Versalles y Kant
La opera
Parsifal
es un relato en el cual se elogia el sufrimiento: seguimos la trayectoria de un joven caballero que es un necio absoluto que se torna sabio mediante la compasión.
Los críticos adoran u odian esta obra calificándola de sublime o decadente.
Wegner
veía la ópera como un Gesamtkunstwerk, forma artística total en la que él estaba a cargo no solo de los rasgos musicales, sino también del libreto, la puesta en escena , los trajes y los decorados.
Parsifal
, ahora Caballero del Santo Grial, cura la herida del rey tocándola con la Lanza Sagrada. Las palabras finales son
«redención para el redentor»
Wagner
desempeñó el papel de genio romántico, con vida amorosa tumultuosa, admiradores fanáticas, escándalo, deuda y fama transnacional.
Nietzsche
fue de los más feroces críticos de la obra. Aunque había sido admirador y amigo de Wagner. Como filólogo, fijaba los orígenes de la tragedia en el culto al dios Dionisios. Reivindicaba la revitalización que Wagner hacía de los temas esencialmente europeos utilizando mitos arios y ni semitas
Kant
habla a menudo de las bellezas de la naturaleza y alaba la
libre belleza.
Añade una descripción de lo
sublime
que prepara el camino para los autores románticos.
En 1888
Nietzsche
publica «El caso Wagner» donde reprueba al compositor y a
Parsifal
. Elogiaba la música, pero rechazaba el mensaje por ser demasiado «cristiano»
PARSIFAL: SUFRIMIENTO Y REDENCIÓN
Más tarde Wagner se convierte en un admirado por Hitler y su música en la B.S.O. del nazismo.
Para
Kant
, el jardín no es bello en relación a la naturaleza o la sociedad, sino a la
armonía de las facultades
que nos impulsa a calificar que es
bello
Para mucha gente, los intereses estéticos y morales chocan creando un dilema en la valoración de las obras wagnerianas.
Kant
veía en el jardinero a alguien que pinta con formas e incluyó los jardines en su clasificación de las bellas artes.
LA «CAJA DE BRILLO» Y EL ARTE FILOSÓFICO
Las alusiones clásicas omnipresentes en Versalles requerían un público educado para ser apreciadas. El palacio y el jardín cumplían una función social, política y cultural que ensalzaban la monarquía absoluta.
Andy Warhol
, con su trabajada imagen, era un experto en la autopromoción. Hizo su aparición en los años 60 en el «Arte Pop», movimiento conectado con la moda, la cultura popular y la política.
Es el caso de Versalles. Diseñado en torno al tema de Apolo, el rey Sol, los jardines de Versalles están ampliamente inspirados en la mitología griega.
Warhol
contribuyó a desencadenar la transición desde el macho expresionismo abstracto de Nueva York hsta el postmodernismo juguetón de género confuso.
En los s. XVII y XVIII los jardines eran reconocidos como un elevado logro artístico, al nivel de la poesía y la pintura.
Warhol
expuso pilas de cajas de contrachapado con dibujos de plantilla a mano exactamente iguales que las que había en los supermercados.
El filósofo Arthur Danto se impactó mucho de esto. Las Cajas de Brillo de Warhol parcían exactamente iguales a las de los supermercados y esto a Danto le resultaba desconcertante,
La imposibilidad de distinguir el arte de la obra a la que intenta representar causa inquietud en el filósofo que acaba formulando una teoría muy discutida.
Todo objeto que es aceptado por la institución social artística como arte debe ser bautizado como tal.
El propio Danto objeta que Las Cajas de Brillo no fueron aceptadas de inmediato por el mundo del arte. Danto sostiene que el mundo del arte proporciona una teoría básica que un artistas invoca cuando expone algo como arte.
Danto: La mayoría de filosofías del arte han sido en buena medida refrendos disfrazados del tipo de arte que el filósofo aprobaba, o críticas disfrazadas del arte que el filósofo desaprobaba o, en todo caso, teorías definidas con arreglo al arte históricamente familiar de la propia época del filósofo.
Cruces culturales
Por ejemplo las relaciones entre Oriente y Occidente han sido dispares, a veces ha sido una fertilización cruzada.
EL ARTE PRIMITIVO EN ESPACIOS PRÍSTINOS
Puede ser difícil establecer una clara demarcación entre relaciones culturales buenas y malas.
A pesar de todos nuestros esfuerzos, pueden deslizarse actitudes coloniales a la hora de interpretar otra cultura.
A pesar de los abismos entre culturas, el contacto cultural es antiquísimo.
Los museos contemporáneos tratan el arte primitivo como influencia para autores modernos sacándoles de contexto, dando información sobre el aspecto y la forma y no la el origen.
CULTURAS EN CONJUNCIÓN
El
primitivismo
pone al descubierto la manera en que nuestras instituciones culturales se relacionan con cultural extranjeras, revelándola como una subjetividad etnocéntrica inflada para cooptar esas culturas y los objetos dentro de sí misma.
Cuando los occidentales coleccionamos artes no occidental o lo contemplamos en un museo, es probable que gran parte de su contexto original se nos escape o que nos conduzca a una
apropiación cultural.
A pesar de los intentos positivos, es difícil no caer en él-
Las culturas muchas veces entran en contracto a través de medios que limitan la comunicación, como la imitación, la compra o la venta en el mercado de masas.
LA VUELTA A LA ANTROPOLOGÍA
EN BUSCA DE LO PRIMITIVO, LO EXÓTICO Y LO AUTÉNTICO
¿Tienen las diversas culturas del planeta un concepto común del
arte
?
Para ella, el conocimiento del contexto externo aumenta nuestra experiencia de otras formas de arte.
Richard Anderson
sostiene que podemos encontrar alfo afín al arte en todas las culturas: ciertas cosas son apreciadas por su belleza, su forma sensual o habilidad en la creación y son atesoradas incluso en entornos no utilitarios.
La autora,
Cynthia Freeland
, va más allá con esta definición y cree que tenemos que conocer los hechos externos para tratar de adquirir la actitud interna de apreciación del arte de otra comunidad.
Anderson
propone definir el arte como «un significado con trascendencia cultural hábilmente codificado en un medio sensorial que nos afecta»
Sin embargo, no definía el arte como Belleza ni como Forma, sino que decía que es
«la expresión de la vida en comunidad»
No siempre es fácil, sin embargo, distinguir lo que se considera
«significado con trascendencia cultural»
Para él, el arte «es un lenguaje universal».
Dewey
cree que la cualidad estética es la misma para griegos, chino o americanos.
James Clifford
ha comparado las exposiciones de objetos totémicos celebradas en la Columbia Británica y en la costa Noroeste, observando que cuando se devolvieron a los grupos de origen, para estos ya no tenía el valor anterior de desigual manera.
John Dewey
pensaba que el arte puede derribar las barreras que hay entre culturas
En ocasiones los antropólogos han influido en la producción artística de las culturas que estudian. El americano
Eric Michaels
afirmó que: conforme los pintores se relacionaban cada vez más con los mercados australianos ... el estilo Papunya empezó a relacionarse con determinados temas de la pintura internacional de la época.
Los occidentales y los orientales tienen formas muy diversas de entender los jardines. Pero la cultura viaja como las personas, y hay jardines zen en todo el mundo.
La antropóloga Susana Eger Veldez se tuvo que enfrentar a algo parecido.
Tal vez debamos examinar las ideas que damos por sentadas sobre las diferencias entre artesanía y arte, así como la relación entre el arte y el paisaje natural.
Los artistas primitivo del s. XXI se enfrentan al reto de haber estudiado en escuelas modernas donde han entrado en contacto con el resto de la cultura y su deber de seguir manteniendo viva la cultura propia.
JARDINES Y ROCAS
El segundo punto tiene que ver con los híbridos de la
diáspora
.
LA POLÍTICA POSTCOLONIAL Y LOS HÍBRIDOS DE LA DIÁSPORA
El s. XX fue testigo de muchos ejemplos de arte desempeñando un papel político a veces suscitando duras represalias y censura, incluso la muerte o amenazas de muerte.
El periodo de esclavitud africana tuvo como consecuencia otra gran diáspora, igual que otro géneros de gobiernos y prácticas coloniales. Las diásporas tienen actualmente influencia en la producción de arte. Las comunidades se reencuentran gracias a los medios de comunicación.
Su uso más conocido alude a la situación de los judíos desde su dispersión tras la destrucción del templo de Salomón en Jerusalén.
CONCLUSIONES
En una época de turbulencia política y complejas negociaciones de la identidad personal, es posible que hasta los artistas de una nación, pueblo o cultura se enfrenten con dificultades a la hora de apreciar el significado y el valor en el arte.
En tercer lugar
, el arte de otros lugares y épocas no siempre se ajusta a nuestros criterios contemporáneos en relación con el arte que se expone en las galerías y expresivo de objetos individuales o del genio.
En segundo lugar
, es posible que no haya UN punto de vista en una cultura ni en el arte de esa cultura.
En primer lugar
, el consejo de
Dewey
de que tengamos una experiencia directa del arte de otra cultura, aun siendo atractivo, es demasiado simple. Nuestra experiencia se verá realzada sin contamos con lo que Dewey llamaba «hechos externos»
Dinero, merados, museos
Las corporaciones sustituyeron a los filántropos en los últimos tiempos. Muchas de ellas con negocios sucios intentando limpiar su imagen con la cultura.
Pero si una compañía financia una exposición, los directores y conservadores del museo tal vez se sientan limitados en cuanto al tipo de arte que se puede exponer, estableciéndose una suerte de
autocensura
DE LOS FILÁNTROPOS A LAS CORPORACIONES
LOS VARIABLES OBJETIVOS DEL MUSEO
Actualmente, es una costumbre entre los plutarcas del mundo invertir en arte.
Los museos se han transformado a lo largo de los años y algunos ahora incluso incluyen cafeterías, salas de cine...
Los nuevos ricos industriales americanos también coleccionaban arte para demostrar su propio rango cultural en relación con la aristocracia europea y fueron creando sus propias fundaciones-museo
QUÉ TIENE QUE HACER UN ARTISTA POBRE
Aunque para los países, tener museos nacionales también es una cuestión de estatus
Ningún capítulo que verse sobre el arte y el dinero puede estar completo sin mencionar los precios astronómicos que se pagan en las subastas de arte, sobre todo en el boom de la década de 1980
Además, los primeros museos norteamericanos fueron fundados en la década de 1870 por individuos adinerados de centros de la cultura, la industria y el gobierno del norte del país para ilustrar las clases trabajadores y a los inmigrantes
La ironía es grotescas si se piensa en la pobreza y la desesperación de algunos artistas al ser incapaces de vender sus obras mientras viven
Los museos promovieron la identificación nacional y constituyeron símbolos del poder de una nación.
En ocasiones los museos aprovechan la importancia que se le da al dinero para atraer visitantes. Los museos no son sino una parte de la historia actual del mercado del arte, pues los coleccionista adinerados tienen más poder de compra.
El primer museo público fue creado por el derrocamiento de la monarquía francesa tras el proceso Revolucionario: El Louvre
Los artistas se han adaptado a un contexto mercantilizado de diferentes maneras
LOS MUSEOS Y EL PÚBLICO
Aunque hay otro arte al que no le interesa ganar dinero o que directamente es anticomercial.
Los museos siguen mostrando unas colecciones de arte que pertenecen a un canon creado por gente de capital cultural arte que muchas veces no satisface a la gente más inculta.
EL ARTE PÚBLICO
El gusto ha sido asimismo estudiado por los artistas Vitaly Komar y Alexander Melamid. Realizaron una investigación cómica que reveló soprendentes similitudes mundiales respecto al arte.
Hay un arte que se desarrolla fuera del mercantilismo o la acción pública o gubernamental.
El sociólogo Pierre Boudiu ha estudiado el gusto en relación con la clase socioeconómica y con el capital cultural. Su finalidad era dar «una respuesta científica a las viejas cuesiones kantianas de la crítica del juicio, buscando en la estructura de las clases sociales las bases de los sistemas de clasificación que designan los objetos de goce estético».»
Los proyectos públicos como éste son sucesores de anteriores esfuerzos por llevar el arte a las denominadas masas.
GUSTO Y PRIVILEGIO
Los museos pueden ser reflejo de la identificación de un artista con un lugar. Hay museos de un solo artista. La mayoría de los primeros museos afirmaban ser para todos, pero los de época más reciente pueden parecer más partidistas.
Muchos de los museos europeos y asiáticos tienen su origen en colecciones reales. Otros se fundaron en sus capitales más modernos y otros aparecen debido a circunstancias de producción local.
LOS MUSEOS Y LOS MILLONES
El contacto cultural genera actividades que van desde un sincero respeto hasta un grosero mercantilismo. El arte y el dinero se relacionan en diversas instituciones, especialmente en los museos. Los museos reúnen u educan al público y transmiten criterios acerca del valor y la calidad del arte pero hay que analizar cómo se realizan estos procesos.
Cognición, creación, comprensión