Incorporación de elementos del nuevo lenguaje vocal (bajo continuo, afectos, concentración en el solista, ornamentación virtuosa, composición idiomática, contraste estilístico y estilos específicos como el recitativo o el aria). El violín ganó importancia y adquirió técnicas vocales.

Estilo continuador del Renacimiento (no hay una verdadera ruptura).

Música instrumental ligada desde sus inicios a la danza (sus ritmos además impregnaron otros tipos de música vocal o instrumental).

Es una forma musical compuesta por movimientos instrumentales breves, de carácter dancístico. Su origen se encuentra en los pares contrastantes de danzas del Renacimiento.

Stradella hace diferenciación entre concertino y concerto grosso.

Su forma es de 5 o más movimietnos aunque las diminutas secciones en adagio frecuentemente se limitan a velar una estructura fundamental de 4 movimientos.

El tutti y el solo casi nunca tenían una distinción estructural.

Dividía la orquesta en dos grupos: el tutti o ripieno y el solo o concertino.

De sus obras, sólo los 12 concerti grossi op 6 pertenecen a la literatura concertística, siendo los 1º ejemplos de esta forma.

Esta diferenciación temática supone un avance con respecto a Corelli.

Estableció la forma típica del concierto: 3 movimientos (allegro-adagio-allegro).

Los ritornelli nos indican los puntos de modulación del movimiento de modo que el primero y el último siempre están en tónica.

Los ritornelli del tutti tuvieron importancia cada vez mayor.

La forma concierto adquiere su estructura definitiva: ciclo de 3 movimientos que excepcionalmente se puede aumentar con una introducción lenta.

Reemplazo de la modalidad por la tonalidad (últimas décadas del XVII), que permitió crear formas más extensas (diversidad ahora se conseguía con la modulación, no con variación ornamental y contrastes de tempo, dinámica u oposición de coros instrumentales).

Las piezas se solían escribir para ocasiones específicas (pocas interpretaciones) pero sobre todo en la música vocal, la instrumental pervivió más tiempo.

Improvisación más libre que las variaciones de la música de danza.

La intonazione, la toccata y el preludio representan las 1ª formas realmente idiomáticas de música para tecla y laúd.

Similar a la canzona, pero con un carácter más libre y expresivo.

Estableció la forma normal de 4 movimientos (lento-rápido-lento-rápido).

El orden de los movimientos estaba menos estandarizado. Estas sonatas empiezan con un preludio seguidos por dos o tres danzas.

La música de danza del Barroco son principalmente bailes del Renacimiento, junto a nuevos tipos del S. XVII. Saber bailar era considerado indispensable para una persona educada.

Los recursos más utilizados en este repertorio son la repetición y la variación.

Las danzas se convierten en género instrumental al perder su función exclusiva de acompañar coreografías.

Utilización de todo tipo de instrumentos y conjuntos. Se hicieron populares las colecciones de danza para laúd y guitarra, que contribuyeron a la expansión de este género.

Colecciones de danzas, podían presentar los pares variados en su orden o agrupando todas las danzas del mismo tipo para que el intérprete las seleccionase a su gusto (todavía no hay concepción cíclica ni tiene un nombre genérico).

A finales del S. XVII, la suite (también partite u ordre) se sistematiza, sobre todo en Alemania. En Francia, Denis Gaultier fue uno de los 1º en agrupar las danzas en suites.

Independización de la música vocal : nuevos métodos de ampliación formal (variación) pero conservando la estructura multiseccional.

Variedad de géneros a principios del XVII (ricercar, capriccio, canzona, fantasía, sonata, sinfonía…), pero diferenciados.