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La ópera barroca - Coggle Diagram
La ópera barroca
Nápoles
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Cosmopolita, dominó toda Europa hasta la segunda mitad del siglo XVIII (excepto francia).
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Alessandro Scarlatti
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Su ópera contribuyó en la evolución de la orquesta, que creció en dimensión e importancia (Tigrane, Telemanco y Griselda)
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Después de 1700 emplea el recitativo instrumentato, que consiste en solos de estilo arioso con interrupciones por parte de la orquesta.
Llega a Nápoles en 1684, donde fue maestro de la capilla real hasta 1702.
El cantante era considerado como un héroe nacional, el encargado de encarnar las intenciones del compositor
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La edad de oro de los castrati fue desde 1650 hasta 1750, luego decrece su popularidad debido a la exigencia de más naturalidad y a la oposición de los compositores a las adiciones hechas a la partitura original
Ópera Buffa
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Se deja de lado la polifonía, y su homofonia se caracterizaba por su simpleza y tipicos ciclos armonicos.
Los efectos rápidos de parlando que usó Landi se convirtieron en el principal medio de expresión cómica.
La innovación musical más importante fue el final concertante, donde los personajes cantaban breves fragmentos de forma rápida y alternada.
El estilo buffo característico surgio con Patre Calienno (1709) de Orefice, y con Zite'n galero (1722) de Vinci.
El intermezzo de Pergolesi La serva padrona (1733) fue muy famoso debido al escándalo que produjo durante la guerra de los bufones en Paris.
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Francia
Lully
Nació en Florencia pero vivió la mayor parte de su vida en Francia, donde completó su formación musical y estudió danza.
La disciplina que impuso a su orquesta reforzando el toque uniforme de los arcos y el uso coordinado de ornamentos fue muy imitado y es fundamento de la práctica orquestal moderna
La tradición del ballet y la tragedia hablada estaban muy arraigadas en él, ya que la cultura literaria francesa priorizaba la poesía y el drama en el escenario, siendo el dialogo cantado carente de credibilidad.
En conjunto con estas tradiciones y la opera italiana da a luz la tragedie en musique, más tarde conocida como tragedie lyrique
Cada ópera comenzaba con una obertura que señalaba la entrada del rey y daba la bienvenida a los oyentes. Eran grandes y de mismo formato que sus ballets, divididas en 2 secciones: la primera homofónica, donde se destacan ritmos con puntillo, y la segunda mas rápida comienza con una especie de imitación fugada. La obertuda de Armide es un buen ejemplo.
Por regla general aparecía un divertissement en el medio o al final de cada acto, donde se daba lugar a un gran coro sucedido de danzas.
El recitativo simple era siguiendo el contorno general del francés hablado, alternando compases binarios y ternarios que se adecuen a las necesidades.
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Los airs eran los momentos mas líricos, aunque mucho menos elaborados que las arias italianas.
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Al limitar la exhibición vocal tradicional de Italia, le quitó dominio a los cantantes dentro del ámbito teatral.
Rameau
Inspirado en Descartes y Newton, describe su metodología en su traite de l'harmonie, una de las obras teóricas mas influyentes en la historia.
Fundamenta la armonía sobre las leyes de la acústica , considerando a la triada y al acorde de séptima como elementos primordiales de la música.
Fue desconocido hasta sus 40 años, cuando emerge como el teórico y compositor frances mas destacado de su epoca.
Acuño los términos de tónica, dominante y subdominante, y los establece como pilares fundamentales del sistema tonal.
Reconoció que una pieza puede cambiar de tonalidad mediante un proceso llamado modulación, pero sería una tonalidad secundaria dado que sólo hay una tónica principal en cada pieza.
Su mayor fama la adquiere como compositor de ópera, siendo Hippolyte et Aricie la que le dio reputación como compositor.
Las líneas melódicas de Rameau, a diferencia de Lully, están muy enraizadas a la armonía, por lo que son triadicas y dejan claras las progresiones armónicas.
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Los franceses valoraban su música por su capacidad de representación y el logró esto con mucha eficacia (por ejemplo representaciones de truenos en hippolyte et aricie).
Como Lully y demás franceses, minimizo el contraste entre recitativo y air a diferencia de los italianos.
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Barroco Frances
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La música en la corte
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Música de la Camara (cuerda, laud, clave y flauta)
Musica de la Gran Caballeriza (vientos, metal y timbales)
Inglaterra
Mascarada
A pesar de los intentos de introducir la ópera, la monarquía, aristocracia y el público inglés preferían la música dramática autóctona.
El entretenimiento de la corte era la mascarada (lo más similar en el resto de Europa sería el ballet de cour).
Consistía en 3 actos: entry, main dance, going off, a lo que seguían revels (jaranas), donde los enmascarados sacaban a bailar a damas nobles del público.
La actuación de los prólogos, el diálogo escénico y del cántico estaba en manos de los profesionales, mientras que los enmascarados eran miembros de la nobleza de la corte.
La única mascarada del siglo XVII cuya música se conserva integra es Cupid and Death (1653) con música de Locke y Gibbons.
El gobierno de Cromwell prohibió las obras escénicas, pero no los entretenimientos musicales privados. Esto permitió la representación de las primeras óperas "inglesas" que eran una mezcla del drama hablado y de la mascarada.
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Händel
(1685-1759)
Viajó constantemente entre ciudades de lengua alemana, italiana e inglesa. Él y su música fueron muy populares en vida, a diferencia de otros compositores.
Se podría decir que tuvo dos grandes fases creativas, su período operístico (1711 - 1737) y su período de oratorios (1738 en adelante)
La fusión de estilos nacionales de puede apreciar ya en su primer ópera, escrita a los 19 años, Almira (1705)
Compuso las arias en italiano, los recitativos en alemán, y escribió la obertura y la música de danza basándose en modelos franceses.
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El único aspecto en el que trascendió los convencionalismos operísticos fue en la creación de la scena grandilocuente, que es un conjunto musical continuo donde se alternan recitativos con arias o fragmentos de estas, en sucesión libre.
Ballad Opera
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Constaba de diálogos hablados e intercalados con canciones populares y airs y arias muy conocidas de otras obras.
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El género se originoó debido al éxito de The beggar's opera (1728), con libreto de Gay (1667-1732) y música arreglada por Pepush (1667-1732).
Satirizaba la sociedad londinense, sustituyendo a los héroes y sentimientos elevados de la ópera tradicional por ladrones y prostitutas.
Roma y Venecia
Escuela Romana
Evolución de las formas musicales: diferenciación entre recitativos y arias, y desarrollo de formas de aria.
Coro: los pasajes mas elaborados y satisfactorios artisticamente. Se apoyaban en las bases estilistas del madrigal italiano del renacimiento tardío. Era rigor terminar cada acto con un coro.
Era frecuente que los personajes sean abstracciones personificadas (El triunfo de la Piedad (1656) con
texto de Rospigliosi y música de Marco Marazzoli.)
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Empleo de temas religiosos alegóricos (San Alessio de Stefano Landi, sobre libreto de Giulio Rospigliosi)
La escuela romana desaparece después de 1660, por oposición de la iglesia, y porque el nuevo estilo veneciano comienza a eclipsar a los demás.
3 tipos principales de libreto: mitología, historia antigua o poemas épicos del renacimiento (La Galatea (1639) de Loreto Vittori, La morte de Orfeo (1619) de Stefano Landi y Orfeo (1647) de Luigi Rossi)
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Nace la opera buffa con Rospigliosi, quien fue el libretista más prolífico (Chi soffri, speri
(1639) y Dal male il bene (1654))
Escuela Veneciana
Se añaden momentos cómicos y satíricos acompañados de una gran puesta en escena debido al avance de la maquinaria.
El coro desaparece casi por completo, debido a razones económicas y a que el público se interesaba más en la puesta en escena y los solos cantados.
El libreto Veneciano típico trataba los mismos temas que el romano pero con abundancia de personajes superfluos y accidente verissimi
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1637 Se inaugura el primer teatro de ópera en Venecia (San Cassiano) y pasa de divertimento de corte al gran publico.
Representantes
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Cesti
Nació en Arezzo y trabajó fuera de Venecia (uno de los primeros compositores italianos "internacionales")
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Separación de recitativos y arias más notoria, e interés musical centrado en las arias.
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La musica se apunta hacia melodias simples sobre ritmos regulares, armonia unificada, empobrecimiento de textura, y la casi completa desaparicion del contrapunto.
Los papeles importantes eran para voces agudas, pero generalmente cantados por castratis (la iglesia prohibió la actuación femenina hasta 1671)
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Tipos de aria
Aria di Mezzo Carattere: aria de carácter medio (intimidad, amor, dolor)
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Aria di Bravura: Rápida virtuosa, (ira, venganza, pasión)
Bel Canto
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También hubo simplificación armónica, limitada a cadencias de IV-V-I o II6-V-I