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IL RINASCIMENTO (1401-1599) alla fine del '500 troviamo la riforma…

- - - - formella di Ghiberti, 1401, museo del Bargello, Firenze.
        il soggetto è Abramo che uccide Isacco, il protagonista della rappresentazione e quindi Abramo, colui che compie l’azione, che secondo le regole è al centro della rappresentazione Mentre l’oggetto del sacrificio, Isacco, è laterale. È tutto in regola con la tradizione perché così l’occhio dell’osservatore viene immediatamente colpito da colui che sta per compiere un’azione, come era giusto che fosse. Dall’altro lato a completamento di questo ci sono gli altri elementi che hanno caratterizzato il racconto: la montagna (la cima), il mulo con il quale i due hanno raggiunto il luogo e poi l’angelo che a distanza contenuta, ferma il gesto di Abramo. Si tratta di un angelo che ha delle forme appena abbozzate, non perfettamente descritto, si capisce che è una creatura di Dio perché viene dal cielo e ha le ali.
      - Formella di Brunelleschi, 1401, museo del Bargello, Firenze.
        Brunelleschi giovanissimo, già di mentalità umanista interpreta il soggetto come colui che viene sacrificato ovvero Isacco, per questo viene posto al centro della rappresentazione e lateralmente abbiamo Abramo che la sta per compiere (prima novità). L’angelo arrivasi dal cielo, ma non è poi così distante dal volto di Abramo, anzi l’angelo arriva a toccarlo, lo ferma materialmente, come un uomo potrebbe fermare un altro uomo che sta compiendo un’azione sbagliata, cioè una forza materiale impressa su Abramo; quindi anche lo stesso angelo acquisisce una corporeità, una materialità; c’è quasi uno scontro più che un incontro tra l’angelo di Dio e Abramo che viene fermato nel gesto che sta per compiere. (seconda novità Che viene data dal senso laico che guida tutte le opere umanisti). In primo piano, per la prima volta in un’opera contenente un soggetto sacro, viene posto un mulo, un animale che sta persino consumando il suo pasto; il fatto di porre questo animale in primo piano è un’altra caratteristica innovativa dell’umanesimo di Brunelleschi (terza novità).
  - - - tempo malatestiano, 1450,Rimini. Innanzitutto l’opera incompiuta, non è stata completata e lo sappiamo perché il progetto era stato già inciso su una medaglia commemorativa per la consacrazione della stessa. È una costruzione in mattoncini d’argilla e si riferisce all’epoca precedente; Alberti parte da questa costruzione gotica (non la tocca all’interno) e la impacchetta in un involucro marmoreo (marmo bianco di Istria) conferendogli un aspetto classico, cioè inserisce in questa facciata e in tutto il contorno a questa chiesa gli elementi del mondo classico: a partire dall’alto basamento, gli archi a tutto sesto, i timpani, colonne corinzie, le lesene, gli oculi . Tutti elementi che derivano dall’epoca imperiale (per esempio l’arco di trionfo), ma soprattutto dei templi greci. Tutto gira intorno a questo, per esempio lungo i fianchi ci sono queste arcate che si susseguono e che potrebbero derivare dagli acquedotti romani o addirittura dal colosseo. Tutti questi elementi del passato in maniera armonica costruiscono qualcosa di nuovo, ma che inevitabilmente cita il passato. Anche l’interno ricopre il muro con un paramento diciamo più classico, lasciando però in alto ancora il tetto gotico di cui vediamo poi all’esterno un pezzettino che ancora fuoriesce.
  - - - BOTTICELLI
        Il suo vero nome è Alessandro Filipepi, Ma viene ricordato come Botticelli. La tradizione ci ha riportato numerose giustifica di questo soprannome, è probabile che lo chiamassero Botticelli perché era un soprannome, che non si capisce bene se è dovuto a lui stesso o al titolare di una bottega orafa dove lui ha mosso i primi passi; colui che batte loro si chiama batticello , Ora unica cosa che capire è se il batti cielo era il capo di questa bottega e quindi lui come allievo del batticello è rimasto Botticelli O se egli stesso battesse loro nella bottega quindi il batticello era lui. lui entra nella corte dei medici, il pittore più rappresentativo di Lorenzo dei medici. Dopo un breve periodo di formazione (prima fa l’ora fuori poi entra nella bottega di due famosi artisti già affermati, verrò occhio e Filippo Lippi due artisti a 360°), dal 1470 (dopo il 1450 cambia la filosofia) dopo una fase di autonomia entra nella corte dei medici. Nella fase matura della sua vita e il suo successo è giustificato soprattutto da questo sponsor che sarà Lorenzo de’ medici che gli procurerà una committenza importantissima quale quella della Cappella Sistina e lui si sposterà da Firenze a Roma e andrà a lavorare nella Cappella Sistina. quelli del Rinascimento, sono artisti che studiano, l’aspetto culturale degli artisti del RinascimentoÈ importante perché si confrontano varie figure e c’è uno studio approfondito anche delle lingue, della letteratura…… Anche Sandro Botticelli è un artista a 360°, ma soprattutto culturalmente è formato. Come tutti gli artisti sviluppò una grande capacità nel disegno e in particolare però diventa una passionato ritrattista della figura femminile; una figura femminile che, in qualche modo, fisserà i canoni della bellezza del Rinascimento. L’opera più significativa del periodo di Corti, quella che giustifica meglio tutte le caratteristiche pittoriche di Botticelli è sicuramente la primavera.
        
        la primavera
        La primavera è il titolo, già nell’immaginario collettivo è considerata la stagione dell’amore. Fa pensare alla vita che riferisce. Quindi il tema trattato, già solo per il suo significato simbolico è un tema neoplatonico. guardando quest’opera la figura che rappresenta la primavera è la donna vestita di fiori e chiaro l’atteggiamento di chi elargisce doni alla terra (quindi la semente per poter far uscire il frutto estivo, i fiori di per abbellire il prato) e che questo avanza su questo prato fiorito. Di solito il punto di fuga segnala la figura principale, al centro della rappresentazione però c’è un’altra figura e la si riconosce guardando i suoi attributi: c’è un amorino che scocca le frecce, quindi il personaggio principale di questa tela, che si chiama la primavera, è in realtà l’amore (Venere).non è l’amore passionale (che rientra anche nelle tematiche neoplatoniche), questa donna è incinta quindi È un amore che genera la vita, un qualcosa che porta frutto. La freccia di cupido va in direzione di tre donne, queste tre figure femminili si chiamano le tre grazie, ed è un tema sicuramente mitologico ( Tema rinascimentale quindi un richiamo alla classicità). Quest’opera che ettaro un andamento orizzontale va letta da destra a sinistra (come si leggevano i fregi ionici). Il primo richiamo alla classicità sono Venere e le tre grazie, il secondo è il fatto che si legga come un fregio ionico, il terzo è che in realtà tutto il soggetto richiama la classicità: la figura blu a destra è zefiro, vento leggero di primavera. Zefiro soffia un vento leggero nei confronti di questa bella donna seminuda, che è una ninfa , Soffiando si incontrano I respiri e lei rimane incinta di lui e si trasforma in primavera; la primavera dona fiori e frutti alla terra e questo amore, genera amore. la freccia di cupido scocca e le donne si innamorano e ballano la Carola che è la danza dell’amore. L’ultimo personaggio è mercurio che allontana le nuvole, affinché nulla oscuri, crei ostacolo all’armonia di questa primavera, di questo momento della vita, le nuvole non devono ostacolare la gioia di questo momento. Altre caratteristiche: 1. la scena è inserita in un rigogliosissimo giardino, in basso si vedono tutte le specie fiorite, Botticelli studia botanica pur di descrivere in maniera realistica e minuziosa tutte queste assenze, Questi fiori sono tipici della campagna toscana. 2. in alto invece gli alberi pieni di frutti fanno parte di un agrumeto, questo agrumeto in un certo senso disegna un’architettura naturale, un arco sotto il quale si inserisce proprio Venere. 3. Ci sono due fonti di luce, una frontale che illumina le figure dal davanti è un’altra sullo sfondo: l’azzurrino sullo sfondo ha un significato fondamentale perché qui non si hanno architetture che aiutano a leggere l’impianto prospettico, questa luce posta sullo sfondo permette proprio di leggerla profondità.
  - - - Il Battesimo di Cristo
        È un’opera di passaggio che ci fa comprendere il modo di Pietro della Francesca di usare il pennello, i colori e questo suo approccio alla prospettiva scientifica che ancora non perfettamente realizzato. Quest’opera, non possiamo considerarla frutto di un’applicazione regolarissima dell’impianto prospettico, eppure ne comprendiamo chiaramente la profondità grazie a tutta una serie di espedienti: la lunga strada leggermente ondulata che conduce alla città, le anse del fiume (uno specchio piatto che riflette quanto lo circonda) che si allarga la base della tavola (Suggerendo con le sponde due raggi proiettivi e quindi una prospettiva). Ma anche un contrasto cromatico, per esempio lo stacco tra la pelle del Cristo e lo scuro che vediamo del verde nello sfondo. Siamo ancora in una situazione di prospettiva intuitiva, ma non è neanche più la prospettiva intuitiva degli esordi, siamo in una fase di passaggio. Ma ci troviamo davanti ha un soggetto noto, il battesimo di Gesù al Giordano e di tutta questa opera che è bellissima vista da vicino. Fu già prima del Rinascimento soprannominato il pittore della luce appunto, per la sua abilità di dipingere le carni nude, cioè di dare la sensazione che la luce provenga dalla carne stessa. È una sua personalissima abilità di usare il pennello e il colore bianco, perché chiaramente è questo che dà luce all’opera e che permette questa caratteristica, infatti anche il bianco della colomba emana luce.
        
        la flagellazione
        Grazie a questa tavola, donata o forse commissionata da Federico da molte feltro stesso, il signore di Urbino verrà a conoscenza delle abilità di Pietro della Francesca e quindi gli darà l’opportunità di entrare nella corte di Urbino.e io non lascia mai titoli alle opere, nel tempo gli studiosi hanno dato dei titoli desumendoli da quello che vedevano, cioè facendone un’interpretazione postuma. Bisogna leggere le sue opere tenendo presente questo particolare.questa è un’opera del 1459 circa, è dipinta su tavola, ma è un soggetto un po’ difficile da interpretare: non è un soggetto canonico, non siamo davanti a soggetti, come per esempio i crocifissi, che erano già più richiesti, ma siamo davanti a un soggetto che inizialmente, nel primo periodo venne interpretato come un soggetto religioso: si riferisce al Cristo appoggiato alla colonna, da un lato mantenuto da un soldato o servitore dello Stato e dall’altro affiancato da un uomo di spalle con la scure. La figura più a sinistra si è pensato che potesse trattarsi di Ponzio Pilato che secondo la storia in un primo momento non voleva far crocifiggere Gesù e per questo sottopone a flagello pensando di risolvere così la faccenda; poi però il popolo urla Barabba e lui se ne lava le mani, non prendendo posizione rispetto la crocifissione.
        Gesù subisce sia il flagello sia la crocifissione, cosa che di solito non accadeva mai perché chi subiva il flagello poi veniva liberato. Il soggetto religioso, è giustificato anche dalla simbologia delle tre figure in primo piano, che pur non possedendo alcuna aureola, potrebbero simboleggiare il padre, il figlio e, quello più elegante, lo spirito Santo. C’è però un personaggio ambiguo che sembrerebbe essere fuori luogo, l’uomo vestito da turco. Ecco allora che la natura laica è quella oggi più acclarata: la tavola, a mantenuto il titolo di flagellazione, riguarda una flagellazione simbolica perché si riferisce la Chiesa in generale che subisce una sorta di martirio a causa della conquista turca di Costantinopoli. È riconoscibile sia per il pavimento, sia per l’edificio da cui era tornata la Piazza all’epoca del Rinascimento. Le tre figure che si trovano a discutere in piazza pubblica, potrebbero essere (a destra) il cardinale Bessa rione, buon conte da Montefeltro e Giovanni Bacci. Tre figure di spicco della politica della società del tempo che, in pubblica piazza come succedeva spesso, si confrontavano per trovare una soluzione all’arrivo in Toscana di un eventuale invasione. Dal punto di vista pittorico: 1. Innanzitutto questa opera dipinta secondo la prospettiva scientifica di tipo centrale (è la prima opera ufficiale nella quale Piero della Francesca applica questo tipo di prospettiva). È facile leggere l’impianto prospettico perché basta seguire alcune linee, per esempio le vie di fuga del pavimento, oppure le linee di fuga legate al particolare soffitto o all’edificio architettonico. Grazie all’uso della prospettiva scientifica riesce a disporre in maniera chiara e distanziata le figure, ma anche i vari momenti del racconto. 2. non esiste una simmetria rispetto al dipinto, ma esiste una simmetria rispetto alla tavola: la parte di sinistra è un richiamo al mondo classico: colonne, tetto piano cassetto nato, traebazione. Invece se guardiamo il lato destro, la pubblica piazza viene dipinta con le caratteristiche di una piazza rinascimentale del tempo del pittore. Per questo si tende a leggere in modo laico questo soggetto, perché lui contestualizzare questo evento al suo tempo. Non a caso la conquista turca di Costantinopoli era avvenuta solo pochi anni prima nel 1453. 3. Mantiene però le caratteristiche già sue, per esempio il modo con il quale descrive l’ incarnato che emana una luce. 4. Il viso di buon conte, figlio di Federico di Montefeltro, signore di Urbino, viene descritto in un modo un po’ particolare: sembra un ritratto romano (prima forma di scultura dell’arte romana con la quale si ritraevano i defunti).
        
        sacra conversazione.
        È un’opera della quale non sia conservato il titolo, è presente quindi anche in questo caso una doppia lettura dell’opera: aprimi impatto è stata considerata un’opera soggetto religioso, quindi sacra conversazione uguale preghiera, basandosi su questo, troviamo in un primo piano un uomo che apparentemente prega per la Madonna in trono con bambino circondata da quattro angeli e da santi riconoscibili, in quanto raffigurati con degli attributi storici che li caratterizzano (l’opera avrebbe quindi potuto chiamarsi maestà). In primo piano la figura è presente solo perché, come già era successo con Masaccio il committente Federico da Montefeltro signore di Urbino si fa a dipingere all’interno dell’opera. Si parla però di sacra conversazione perchéDa un’attenta osservazione si scopre che in questi anni era successo qualcosa di veramente brutto per la famiglia, e la morte la moglie di Federico, battista sforza, morta di parto dando alla luce il suo primogenito. La lettura laica: quest’opera fu commissionata Dallo stesso Federico di Montefeltro, Anna alla nascita di suo figlio, sopravvissuto alla morte di sua madre. Questa volta però doveva essere conservata all’interno della cappella privata della chiesa di San Bernardino a Urbino, cappella funebre. La figura descritta come una madonna potrebbe essere proprio battista, la moglie di Federico, morta dando alla luce il bambino raffigurato con al collo un rametto di corallo: qualcuno lo interpreta, in caso fosse Gesù come simbologia della passione, del dolore del dare la vita; ma potrebbe anche essere il grande dono della vita che la stessa battista di fatto fa, dando alla luce il figlio, quindi il vero sacrificio in questo caso si può
        dallo stesso Federico di Montefeltro, alla nascita di suo figlio, sopravvissuto alla morte di sua madre. Questa volta però doveva essere conservata all’interno della cappella privata della chiesa di San Bernardino a Urbino, cappella funebre. La figura descritta come una madonna potrebbe essere proprio battista, la moglie di Federico, morta dando alla luce il bambino raffigurato con al collo un rametto di corallo: qualcuno lo interpreterà, in caso fosse Gesù come simbologia della passione, nel dolore del dare la vita; ma potrebbe anche essere il grande dono della vita che la stessa battista di fatto fa, dando alla luce il figlio, quindi il vero sacrificio in questo caso si Potrebbe riferire simbolicamente alla madre, e quindi affidare questa donna la protezione dei santi e degli angeli e Federico prega davanti a queste immagini, quasi in sostegno di devozione verso questa moglie. L’ambiente nel quale è inserita la sacra conversazione, un ambiente che richiama sicuramente le basiliche romane, ma la basilica romana dell’antichità non era una chiesa ma un luogo pubblico, quindi anche questa immagine dello sfondo fa propendere per una lettura laica. All’interno del catino dell’abside viene giù un nuovo Potrebbe riferire simbolicamente alla madre, e quindi affidare questa donna la protezione dei santi e degli angeli e Federico prega davanti a queste immagini, quasi in sostegno di devozione verso questa moglie. L’ambiente nel quale è inserita la sacra conversazione, un ambiente che richiama sicuramente le basiliche romane, ma la basilica romana dell’antichità non era una chiesa ma un luogo pubblico, quindi anche questa immagine dello sfondo fa propendere per una lettura laica. All’interno del catino dell’abside viene giù un nuovo Di struzzo che nella simbologia è proprio della nascita, della vita. Essendo pittore di corte nella corte di Urbino, ci sarà confrontato con pitture anche diverse dalla propria. Non a caso vediamo delle pitture che ci fanno assolutamente propendere per un incontro con dei pittori fiamminghi; lo notiamo innanzitutto sull’armatura di Federico da Montefeltro perché è lucida e una delle caratteristiche della pittura fiamminga e l’uso della pittura ad olio. Quindi quest’opera è fatta con una tecnica mista.
    - - camera degli sposi
        sei sempre chiamata così perché si pensava fosse una camera da letto, in realtà era lo studiolo di Ludovico Secondo Gonzaga, che spesso è situato vicinissimo alla camera da letto. Solo loculo e due pareti sono affrescate (nord e ovest), gli altri no per motivi di luce (erano più buie), ma vengono comunque completate con dei tendoni. Abbiamo ambientazione sia all’aperto sia al chiuso. Parete ovest: descrive Roma (lo fa pur non avendola mai vista: fa uso della sua fantasia, degli studi fatti e dei reparti di mattina) in due episodi tra cui uno rappresentante suo figlio appena eletto cardinale. Nella parete nord: è raffigurata la corte di Ludovico Gonzaga su una sorte di Piattaforma rialzata che si appoggia alla struttura reale del camino. Al centro vi è il marchese Ludovico Gonzaga che siede con una lettera in mano e parla con un servitore del naso alquanto prominente; secondo un’interpretazione tradizionale, la lettera che Ludovico riceve conterrebbe l’invito da parte di Bianca Maria Visconti, preoccupata per l’aggravarsi delle condizioni del marito, a recarsi a Milano per prendere il comando delle truppe.quasi di fronte a Ludovico e la moglie Barbara di Brandeburgo, a cui è una bambina sta porgendo una mela. Intorno a essi vi sono altri personaggi, alcuni dei quali si distinguono per particolari caratteristiche come la nana. Questa rappresentazione della corte è importante perché: per motivi storici, c’è una me vero somiglianza dei volti, ci vengono mostrati gli abiti tipici del tempo, l’ambientazione e metti insieme spazio chiuso e spazio aperto: l’architettura totalmente dipinta (funzione storica) e lo spazio esterno è talmente profondo da far sembrare uno sfondamento della parete. Gli unici elementi reali sono il camino al di sotto, immette i capitelli e gli stipiti della parete. Al centro della volta si trovano culo, come se la volta reale si aprisse verso il cielo. Mantegna si specializza ulteriormente nella prospettiva proponendo nuovi punti di fuga; in questo caso bisognerebbe guardarlo distesi sul pavimento. Si tratta di una delle invenzioni più stupefacenti del 400 italiano, in cui lo spazio della stanza scompare in un cielo blu, e i visitatori diventano come personaggi che si affacciano. Appare anche questa come una prospettiva di sfondamento illusoria. A rafforzare l’illusionismo creato da Mantegna, alcuni putti sono in bilico aggrappati alla cornice in posizione precaria.I putti sono simbolo di benedizione nei confronti della famiglia.
    - - San Gerolamo nello studio
        guardando quest’opera è come se studiassimo dal fuori dalla finestra che cosa Girolamo sta facendo nel suo studio. E tipico di ogni signore avere il proprio studiolo. Questo è poi inserito in un ambiente più ampio: sulla destra possiamo trovare un richiamo alla classicità e al gotico, con la presenza di archi a tutto sesto e a sesto acuto volte ogivali e bifore; mentre a sinistra abbiamo un caratteristico ambiente rinascimentale. L’arco della prima finestra è un arco ribassato di Foggia catalana, tipico del Rinascimento. Possiamo vedere anche al di là delle finestre e questo ci fa capire Per prima cosa il grande particolarismo del pittore, ma anche la profondità dello sguardo che ci permette di vedere il prima, durante e il dopo. La tecnica fiamminga il particolarismo gli si può trovare anche in altre parti: nella minuziosa descrizione delle piastrelle del pavimento; un leone attribuito al santo, completamente in ombra, cammina con passo felpato sotto le volte, dirigendosi verso lo studio; a sinistra invece lo sguardo corre libero verso l’ampia finestra oltre la quale si intravede un secondo brano di paesaggio. Il santo è seduto al tavolo da lavoro e indossa la veste rossaCardinalizio che ricade in piedi attorno a lui, prima di salire i tre gradini che ha l’accesso allo studiolo, si è tolto i calzari, che ettaro lasciato ai piedi della scaletta; un gatto riposa all’estremità sinistra, sul ripiano in prosecuzione della scaletta; sui ripiani della libreria molti oggetti si mescolano ai libri; davanti al portale d’ingresso un pavone, si dirige verso una bacinella destra. Per quanto questo ambiente non è perfettamente riconoscibile ed è laicizzato, in alto a sinistra è presente il crocifisso.
        Antonello era poi famoso per i suoi ritratti: faceva posizionare sempre le sue figure a tre quarti (prima si usava metterle di profilo e prima di conoscere Antonella, si pensava che il primo ad usare questa prospettiva fosse stato Leonardo), quando dipingeva i santi, era sua usanza raffigurarli con i volti delle persone del volgo.
        
        la vergine annunciata
        L’annunciazione prevede la presenza dell’angelo Gabriele di Maria nella nell’intimità della sua camera. In questo caso la rappresentazione mostra colei che annunciata, ossia colei che ha ricevuto l’annuncio. Nel momento in cui guardiamo la tavola o l’arcangelo è appena andato via o sta annunciando e si trova al posto dello spettatore. La sua presenza è rivelata dallo sguardo e dall’atteggiamento della stessa Maria. A uno sguardo vero, lo sguardo di una quindicenne vera che ha ricevuto un annuncio di tale portata e ha poco tempo per decidere il da farsi. La sua mano destra è posta a chiedere di aspettare forse come gesto imperioso che impedisce di avvicinarsi. Mentre, il gesto del coprire il capo, si aggiunge l’altra mano posta in In gesto di protezione. Il copricapo è azzurro, colore che simboleggia la protezione divina, a tutta una simbologia anche per quanto riguarda le sue pieghe: quando ci si sposava, se aveva un corredo e questo velo alle pieghe tipiche della tiratura (l’amido lascia i segni della stiratura) che simboleggiano questo matrimonio, questa nuova vita di Maria. Pare che dall’opera emergono riferimenti allo spirito Santo curiosamente rappresentato sotto forma di vento. Le pagine del libro adagiato su un leggio sono come sollevate da un soffio. Allungo si è cercato di capire cosa rappresentassero i segni posti sul manoscritto di fronte alla Madonna. Maria ha davanti a lei un magnificat, come attestato della M di apertura riconosciuta nel testo. Inoltre le scritte in nero sul foglio evidenziano residui di alcune lettere che dovevano comporre certe frasi iniziali. Per quanto riguarda la prospettiva, non è data solo dalla mano che fuoriesce dalla rappresentazione segna la distanza che la separa dall’osservatore, ma anche soprattutto dal leggio: seguendolo, si può percepire il ribaltamento della prospettiva attuato dall’artista. Questa tavola a ricevuto una committenza privata, per devozione; era usanza, prima di andare a dormire, di pregare nell’inginocchiatoio e questo era probabilmente uno dei quadri da appendere lì per stimolare alla preghiera.
  - - - Donatello inventa una tecnica per il rilievi, lo stiacciato, ossia l’applicazione della prospettiva scientifica alla scultura. Si tratta di un bassorilievo così da far sì che nello spessore di una lastra si riesca ad ottenere una grande profondità a livello visivo. Il massimo esempio di stiacciato è il banchetto di Erode, 1423-1427. il soggetto è il banchetto di Erode, i road aveva una moglie Che aveva una figlia, salomè. La moglie va a ballare la figlia di un banchetto e Erode per dimostrare la sua gratitudine perciò, promette che per ringraziarla gli avrebbe donato qualunque cosa avessi chiesto: la moglie che si era vista più volte giudicata da Giovanni il battista, chiede come dono la sua testa. La scena mostra in primo piano a sinistra un servo inginocchiato che offre a erode un vassoio recante la testa mozzata del battista. Il vecchio sovrano, che pure ne aveva comandato la decapitazione per compiacere la giovane, è rappresentato nell’atto di ritirarsi in un gesto quasi di orrore, di fronte a quella terribile vista. Anche altri partecipanti al banchetto si ritraggono agghiacciati dalla crudele esecuzione, E solo la moglie, a sinistra si protende verso di lui, indicandogli il macabro trofeo. In tal modo viene a crearsi un vuoto proprio al centro della scena e questo artificio compositivo, insieme alla fuga prospettica del pavimento (che facilita la lettura dell’opera) e degli oggetti posti sulla tavola imbandita crea un senso di profondità e di realismo mai visti prima in un bassorilievo. La lastra ci permette di vedere in una lontananza tale da poter contare ben quattro stanze.
    - - ciclo pittorico della cappella Brancaccio, 1424-1428
        Felice di Michele Brancaccio, ricco commerciante potente uomo politico Ferentino commissione alla bottega di Masolino la realizzazione del ciclo pittorico della cappella Brancaccio, nella chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze. Il tema narrativo prescelto dallo stesso committente quello della vita di San Pietro, il quale si aggiungono anche due scene tratte dalla genesi. Una scena sicuramente in te la mente seguita da Masaccio è quella del tributo: racconta un episodio del Vangelo di Matteo nel quale descritto l’ingresso di Cristo e dei suoi apostoli nella città di Cafaro now, al momento del pagamento della tassa di soggiorno. Venivi dente lo stupore sui volti degli apostoli che si guardano increduli incerti sul da farsi; Gesù non vuole trasgredire alla legge e per questo motivo è incarica Pietro di pescare un pesce nella cui bocca troverà una moneta d’argento Per pagare la tassa. Pietro è rappresentato tre volte e il gabelliere e due, riesce a rappresentare Masaccio tutta la vicenda proponendo tre piani prospettici pur non rispettando l’ordine cronologico. Gesù e gli apostoli indossano abiti tipici dell’epoca di Gesù, ma il gabelliere e la cavalleria sono di epoca rinascimentale. Altra particolarità e chi ha piazzato sullo sfondo gli Appennini toscani pure sei ambientato in Palestina. I colori utilizzati da Masaccio nel corso della sua vita sono pochi. Nico Elisa pochissimi e a metterla contrasto; in chiaroscuro sottolinea anche la profondità.
        
        la trinità, 1426-148 nella chiesa di Santa Maria novella. È considerata l’ultima opera realizzata prima della prematura scomparsa di Masaccio. La prospettiva è impiegata al fine di misurare di rendere comprensibile lo spazio, dando l’effetto ottico di sfondare la parete (come se oltre, ci fosse una profondità di 7,9 m). Secondo le ultime ricerche, la costruzione prospettica è direttamente riconducibile all’intervento dello stesso Brunelleschi. L’affresco collocato nella terza campata della navata sinistra della basilica fiorentina di Santa Maria novella è stata commissionata sempre dalla famiglia Brancaccio, questa volta direttamente a Masaccio. Riesce a creare un effetto di grande profondità spaziale, come se la cappella non fosse solamente dipinta, ma quasi scavata oltre lo spessore del muro. Il soggetto dell’opera è la trinità: padre, figlio e spirito Santo (rappresentato sottoforma di colomba che vola tra il padre e il figlio, in genere lo spirito Santo viene identificato anche con la Fiammetta o il vento). Sotto la croce sono sempre rappresentati due soggetti tipici: Maria e Giovanni; sono inoltre rappresentati altri due soggetti che non sono altro che i committenti dell’affresco distinti come oranti inginocchiati in devozione. Al di sotto troviamo questo monumento funebre, sta nella parte più bassa della composizione all’interno di una nicchia e con attorno quattro piccole colonne. Sopra il sarcofago c’è sdraiato uno scheletro e poco più in alto c’è un’iscrizione: “io fu già quel che voi sete, E quel ch’i son voi anco sarete”, Un memento mori (ricordati che devi morire), ovvero un monito che ha la funzione di ricordare la fugacità della vita terrena.